패션과 인기 캐릭터 일러스트 - PS를 활용해 패션과 트렌드 예술적인 캐릭터 일러스트를 합성

가장 핫하고 시선을 사로잡는 패션 일러스트가 여기 있습니다!

인기 패션 일러스트레이터 헬렌 다우니(Helen Downie)의 작품

패션 일러스트레이션은 베테랑 시각 커뮤니케이션 매체로서 새로운 시대에도 계속해서 발전해왔을 뿐만 아니라 다양한 새로운 표현 형태를 탄생시켰습니다. 다른 스타일로. 가장 인기 있고 눈길을 끄는 패션 일러스트레이터와 그들의 작품을 얼마나 알고 계시나요?

패션 일러스트레이션의 전성기

초창기에는 패션 일러스트와 패션 잡지가 활발히 활동했습니다. 열심히 협력한 덕분에 전성기에 접어들었습니다. 당시 잡지에서는 표지부터 표지까지 모든 것을 설명하기 위해 거의 예외 없이 일러스트레이션을 사용해야 했습니다. 당시 독자들은 절묘한 일러스트레이션을 통해 패션, 예술, 취향 등에 대한 정보를 얻었습니다. 당시 패션잡지와 패션일러스트는 서로 호혜적인 관계에 있었다고 할 수 있다.

하퍼스 바자(Harper's Bazaar) 잡지 표지

패션 일러스트레이션과 패션 브랜드의 충돌

디지털 시대에 사진은 잡지와 패션 브랜드의 시각적 소통의 주요 소스가 되었습니다. 출판물. 패션 일러스트레이션을 주요 홍보 매체로 하는 잡지의 시대는 끝났지만, 패션 일러스트레이션 산업은 잠들지 않고 끊임없이 새로운 방향으로 발전하고 진화하고 있습니다.

패션 일러스트레이션과 패션 브랜드의 협업은 현재 발견된 가장 성공적인 새로운 길이다. 요즘 가장 화제가 되는 브랜드인 구찌는 협업을 위해 소셜 미디어에서 유명 일러스트레이터를 자주 검색합니다.

다음은 일러스트레이터 Helen Downie의 다채롭고 시적인 작품입니다. 이 극도로 전문적인 일러스트레이터는 실제로 전문적인 배경이 없는 주부라는 점을 언급할 가치가 있습니다. 그녀의 전설적인 경험과 그녀의 그림은 동시에 인터넷에서 인기를 얻었습니다. 또한, 그녀의 그림 스타일은 구찌가 주창하는 새로운 미학 컨셉과 놀라울 정도로 유사해, 브랜드 크리에이티브 디렉터는 그녀의 작품을 한눈에 반해 일련의 심도 있는 협업을 시작했다.

헬렌 다우니의 작품

엄마임에도 불구하고 그녀의 상상력 넘치는 작품은 언제나 어린 소녀의 순수함을 드러낸다. 특히 그림 속 등장인물들의 천진한 큰 눈 쌍은 낯설고 유치함이 가득하다.

헬렌 다우니의 작품

그러나 구찌가 패션 일러스트레이터들과 협업한 것은 이번이 처음은 아니다. 앞서 브랜드는 또 다른 일러스트레이터 알렉스 메리(Alex Merry)를 초대해 더욱 '예술적인' 콜라보레이션을 시작했습니다.

뉴욕부터 런던, 밀라노, 상하이까지 예술의 벽이 있는 도시들은 거의 하룻밤 사이에 알렉스의 창의적인 패션 일러스트레이션으로 가득 찼습니다. 이렇게 거대한 패션 일러스트를 선보이는 것은 흔치 않은 일이라 아트월 사진이 공개되자 곧바로 인터넷상에서 난리가 났다.

Alex Merry의 작품

또한 구찌는 일러스트를 활용한 제품도 제작 및 판매하여 관심 있는 모든 소비자가 해당 제품을 찾아 소유할 수 있도록 할 예정입니다. 그들은 이러한 환상적인 이상적인 제품을 현실로 만듭니다. 반면, 로맨틱한 스타일의 패션 일러스트를 보면 패션 일러스트 스타일이 더 이상 단독적인 스타일이 아니라는 것을 알 수 있다.

Alex Merry의 작품

패션 일러스트레이션과 브랜드 간의 국경 간 협력에 관해서라면 프라다를 빼놓을 수 없습니다. 2018년 남성 봄, 여름 시리즈 전시회에는 일러스트레이터 제임스 진(James Jean)을 초청해 두 번째 콜라보레이션을 진행하며 그의 작품의 인기를 입증했다.

제임스 진(James Jean)과 올리버 슈라우웬(Oliver Schrauwen)의 작품

이번에는 제임스 진(James Jean)과 벨기에 그래피티 아티스트 올리버 슈라우웬(Oliver Schrauwen)이 팀을 이루어 전시 공간의 일러스트레이션을 제작했습니다. 관람객들은 이 그림 같은 작품들을 마치 생동감 넘치고 흥미로운 만화 한 페이지를 보는 듯한 느낌으로 바라볼 수 있다.

동시에 작가는 프라다를 위해 같은 스타일의 일러스트 프로모션 영상도 특별히 제작했다. 제임스의 멋진 일러스트레이션 스타일과 프라다의 미래지향적인 패션 스타일이 결합되어 서로를 보완합니다.

제임스 진의 작품

같은 해 프라다 여성복 패션쇼에서도 브랜드는 패션 일러스트레이터들과 손을 잡았다.

이번 콜라보레이션에는 Stellar Leuna, Trina Robbins, Brigid Elva, Joelle Jones, Giuliana Maldini, Natsume Ono, Emma Ríos 및 Fiona Staples 등 8명의 여성 일러스트레이터가 초대되었습니다.

쇼 공간의 벽 작품을 공동 제작하는 것 외에도, 그들의 일러스트레이션 작품을 새 시즌 패션 시리즈에 완벽하게 접목시켰습니다. 그들의 코믹한 작품은 패션에 활력을 불어넣는 동시에 패션일러스트의 스타일화 가능성도 높여준다.

오늘날 패션 일러스트레이션은 더 이상 규칙을 따르지 않습니다. 기꺼이 종이에 펜을 대는 한 누구나 자신만의 일러스트레이션을 만들 수 있습니다.

그레이스 코딩턴의 작품

패션 일러스트레이션의 선구자

패션 브랜드와의 국경을 초월한 협력 외에도 독자적인 창작을 고집하는 전문 패션 일러스트레이터도 있습니다. . 일러스트레이션의 기본적인 기법을 익히면서 패션 일러스트레이션의 회화 형식을 확장, 탐구하고 자신만의 스타일을 찾아냈습니다.

선구적인 패션 일러스트레이터 벨윈 요시(Velwyn Yossy)가 독특한 작품 시리즈를 탄생시켰습니다. 작품 속 등장인물들의 부드럽고 깔끔한 선과 과장되지만 적절한 전체적인 비율에서 그가 늘 모더니즘의 미학적 개념을 추구해왔음을 엿볼 수 있다.

Velwyn Yossy의 작품

또 다른 떠오르는 스타 패션 일러스트레이터인 Ernesto Artillo는 패션 일러스트레이션을 보다 추상적인 방향으로 확장했습니다. 그의 독특한 시각적 표현 기법은 패션 일러스트레이션 표현 방식에 대한 대중의 전통적인 이해를 깨뜨립니다.

그의 최근 초현실주의 작품 중 일부는 역동적인 것과 정적인 것, 가상적인 것과 실제적인 것을 결합하고, 핸드 드로잉과 콜라주를 사용하여 일러스트레이션의 시각적 효과를 무한히 증폭시켜 주로 정적인 스타일을 부여합니다. 약간의 추진력.

에르네스토 아르틸로의 작품

그의 창작 작품은 오랫동안 주요 잡지에 연재될 뿐만 아니라 전 세계적으로 자주 전시되고 있습니다. 에르네스토 아르틸로(Ernesto Artillo)는 "내 작품을 볼 때 여유로움과 설렘을 느꼈으면 좋겠다. 일상에서도 마찬가지다. 균형과 기존 상태를 깨뜨릴 수 있는 방법을 찾아보겠다"고 말했다. 에르네스토 아르틸로

패션 일러스트레이션의 황금기는 지나갔지만, 패션 일러스트레이션이 여전히 패션 분야에서 자리를 차지하고 높은 예술적 가치로 가득 차 있다는 사실은 부인할 수 없습니다.

패션 일러스트레이션은 비즈니스와 예술을 완벽하게 결합할 수 있는 몇 안 되는 산업 중 하나로, 대중적인 일러스트레이션 작품의 지속적인 등장으로 패션 일러스트레이션이 계속해서 발전할 가능성이 높아졌습니다.

JamesJean의 역동적인 패션 일러스트레이션

가장 인기 있고 시선을 사로잡는 패션 일러스트레이션을 이해한 후에는 누구나 펜을 들고 패션 일러스트레이션의 새로운 길을 탐색해 볼 수 있습니다. 다음 인기 프라이드치킨은 바로 당신일지도 모릅니다.

훌륭한 리뷰:

[편집자, 텍스트/Chen Zhuo] 패션 일러스트레이션: 500년 역사를 지닌 "패션의 악마"

패션 일러스트레이션에는 그것이 있습니다 의류가 등장한 이후 약 500년 동안 의류를 디자인하는 아이디어나 이미지를 패션 일러스트레이션으로 바꾸는 작업이 필요했습니다. 이 시각적 형태는 일러스트레이션, 드로잉, 페인팅에서 유래되었으며 "패션 스케치"라고도 알려져 있습니다. 패션 디자이너는 주로 "패션 스케치"를 사용하여 아이디어를 종이나 디지털 방식으로 브레인스토밍합니다. 디자인에서의 주요 역할은 실제 옷을 재봉하기 전에 최종 결과를 미리 보고 시각화하는 것입니다.

다음으로 500년 역사를 지닌 '패션의 악마' 패션 일러스트레이션의 역사적 발전 과정을 단계별로 살펴보겠습니다.

1. 패션 일러스트레이션의 시작

패션 일러스트레이션은 16세기에 세계적인 탐구와 발견이 세계 여러 나라 사람들의 옷에 매료되면서 시작되었습니다. 변화에 대한 두려움과 이러한 발견으로 인한 사회적 불안에 맞서 싸우기 위해 다양한 사회 계층과 문화에 적합한 의복을 설명하는 책이 인쇄되었습니다.

1520년에서 1610년 사이에 200개 이상의 판화, 동판화, 목판화가 출판되었는데, 여기에는 특정 국적이나 계급으로 옷을 입은 인물들의 패널이 포함되어 있습니다. 이는 최초의 의류 일러스트레이션이자 현대 패션 일러스트레이션의 원형입니다.

이러한 일러스트레이션은 드레스 디자이너, 양장점 및 고객이 새로운 디자인에 영감을 주기 위해 사용될 가능성이 높습니다.

17세기 예술가 Jacques Callot와 Abraham Bosse는 둘 다 현대 조각 기술을 사용하여 시대 의상과 의상의 사실적인 세부 묘사를 만들었습니다.

이 정기간행물은 1670년대 프랑스와 영국에서 시작되어 최초의 패션 잡지로 간주되며 Le Mecure Gallant, The Lady's Magazine, La Gallerie des Modes, Le Cabinet des Modes, Le Journal des Dameset des 등이 있습니다. 모드. 이 기간 동안 최신 패션 뉴스에 목마른 여성 독자층이 증가함에 따라 정기간행물의 발행 수도 증가했습니다. 18세기 말과 19세기 초가 되어서야 남성 스타일의 일러스트레이션이 여성 일러스트레이션만큼 중요해졌습니다.

2. 19세기 패션 플레이트

패션 플레이트는 18세기 후반에 전면에 등장하여 파리에서 인기를 얻었습니다. "Incroyable set Merveilleuses" 등 오브제와 나폴레옹 1세 시대 조르주 자크 가틴(Georges-Jacques Gatine)이 조각한 수채화 패션 드로잉 시리즈.

패션의 중재자로서의 프랑스의 위치는 국내외에서 패션 일러스트레이션에 대한 지속적인 수요를 보장합니다. 패션 의류에 대한 이러한 관심과 이에 대한 접근이 점점 더 광범위해지면서 19세기에는 150개 이상의 패션 정기 간행물이 발행되었습니다. 이 매우 상세한 패션 일러스트레이션은 패션 트렌드에 대한 정보를 포착하고 일반적인 양재 지침을 제공합니다.

이 단계에서 오뜨 꾸뛰르 맞춤 제작도 등장했습니다(1860년대 등장). 패션 회사는 여성복 디자이너와 직접 작업할 일러스트레이터를 고용했는데, 디자이너가 실제 모델에 천을 걸었을 때 일러스트가 등장했습니다. 디자이너가 새로운 디자인을 스케치할 것입니다. 또한 완성된 컬렉션의 각 디자인에 대한 일러스트레이션을 제작하여 고객에게 보낼 수도 있습니다.

19세기 말에는 수채색 인쇄가 풀 컬러 인쇄로 대체되었습니다. 패션 패턴은 두 개의 인물을 사용하기 시작했으며 그 중 하나는 뒷면이나 측면에서 볼 수 있으므로 의류를 더 많은 각도에서 볼 수 있어 복사가 더 쉬워졌습니다. 19세기 일러스트레이터들의 초점은 정확성과 디테일이었습니다. 시청자에게 포괄적인 정보와 지침을 제공하기 위해 정적 이미지 규칙을 준수합니다.

3. 20세기 패션 잡지와 일러스트레이션

20세기 초반, 현대적 의미의 패션 일러스트레이션이 처음으로 꽃을 피웠습니다. 최신 패션 스타일을 유통하는 일이 점점 수익성이 높아지면서 패션 일러스트레이터라는 직업이 직업이 되었습니다. 이전에는 개인 예술가의 작품이었던 패션이 이제 하나의 산업이 되어 전례 없는 양의 새로운 상품을 생산하여 백화점 진열대를 가득 채우고 있습니다. 이 상점들은 쇼핑 문화라는 이름으로 새로운 오락을 발명했습니다.

1912년부터 1925년까지 발행된 프랑스 명품 잡지인 Gazettedubonton은 패션 해석에 있어 전례 없는 자유를 부여받은 젊은 예술가 그룹을 모았습니다. Iribe는 Charles Martin, Eduardo Garcia Benito, George · George Barbier, Georges Lepape 및 Umberto Brunelleschi를 포함한 유명한 출판물에 기여한 패션 일러스트레이터 중 선두적인 인물이었습니다. 그들이 Gazette를 위해 제작한 접시는 일본 목판화의 영향과 아르데코 스타일의 새로운 변화를 보여주었습니다.

미국에서는 대중 패션 잡지인 보그(Vogue)와 하퍼스 바자(Harper's Bazaar)가 사교 행사와 현대 의류 트렌드를 다룹니다. Harper's Bazaar 잡지는 천재 Erte와 독점 계약을 체결했습니다. 이 계약은 1915년부터 1938년까지 지속되었으며 출판 역사상 가장 긴 계약 중 하나였습니다.

1910년부터 제2차 세계대전이 발발할 때까지 '보그' 잡지는 항상 표지에 삽화를 실었습니다. Vogue의 초기 표지에는 미국 일러스트레이터 Helen Dryden, George Wolf Plank, Georges Lepape 및 F.X.의 삽화가 포함되어 있습니다.

제1차 세계대전 이후에는 에두아르도 베니토(Eduardo Benito), 샤를 마틴(Charles Martin), 피에르 브리소(Pierre Brissaud), 앙드레마티(AndreMarty) 등 유럽 예술가들이 합류했다.

4. 패션 일러스트레이션의 황금기

1920년대부터 1930년대는 패션 일러스트레이션의 '황금기'를 대표했습니다. 모든 상업 예술가는 패션 예술가로 간주되며 유능한 초안가입니다. 많은 사람들이 권위와 확신을 가지고 직물의 질감, ​​광택, 심지어 무게까지 표현할 수 있습니다.

사진과 인쇄 분야의 새로운 기술 발전으로 사진의 복제물이 잡지 페이지에 직접 등장하기 시작했는데, 이는 패션 그래픽이 더 이상 현대 생활을 대표하지 않는다는 것을 의미합니다. 1930년대 초에는 사진이 잡지의 첫 번째 선택이 되기 시작했으며, 1936년 보그(Vogue)는 사진 표지가 더 잘 팔리고 삽화가 내부 페이지에 통합되기 시작했다고 보고했습니다.

1929년 주식 시장 붕괴에 따른 경기 침체로 인해 미국 패션 산업은 파리 패션에 대한 의존도가 줄어들었습니다. 전쟁 기간 동안 미국의 의류 제조는 대량 생산 방법을 개선하고 사이즈를 표준화하는 등 큰 발전을 이루었습니다. 중산층 여성들은 저렴한 가격에 최신 패션 디자인을 구입하기 위해 숙련된 재봉사에게 의존했고, 보그(Vogue)나 여성 저널(Women's Journal)과 같은 잡지에서는 홈 양복 제작자에게 매우 귀중한 패턴을 출판했습니다.

보그 매거진의 주요 목적은 독자들에게 패션을 최대한 보여주는 것입니다. 사진은 일러스트레이터가 의복을 정확하게 기록할 필요에서 벗어나 패션 의복을 해석하는 경향이 더 큽니다. 매거진 발행사에 따르면 "주로 흥미로운 회화적 효과와 장식적 효과를 얻는 데 관심이 있는 아티스트들은 현대 패션 정신에 따라 무엇이든 충실하게 보도하는 데 부담을 느끼고 지루해한다"고 밝혔다.

디올의 "뉴 룩" 1940년대 후반의 "는 전후 패션 부흥에 영감을 제공했습니다. 여러 면에서 이는 미래를 기대하기보다는 과거로 되돌아가는 후퇴적인 스타일이지만, 보다 밝고 낙관적인 시대로의 회귀를 상징하기도 합니다.

5. 패션 일러스트레이션의 파괴와 부활

1950년대까지 패션 편집자들은 사진 편집 커뮤니케이션에 더 많은 예산을 할당했습니다. 이후 패션 사진작가가 유명인의 지위로 승격되면서 일러스트레이터는 란제리와 액세서리에 관한 기사를 작성하거나 광고 캠페인에 참여하는 데 만족해야 했습니다.

1960년대 패션 일러스트레이션은 잡지 출판에서 계속해서 자리를 잃었고, 이러한 추세는 1960년대에 다수가 출판된 젊은이들을 대상으로 한 새로운 십대 잡지 카테고리에 반영되었습니다. 일러스트레이션은 모두 사진에 대한 저렴한 대안으로 일러스트레이션에 중점을 둡니다.

안토니오 로페즈(Antonio Lopez)는 이 기간 동안 보그 잡지에 정기적으로 출연한 유일한 아티스트였다. 그의 경력은 '여성복 데일리'에서 시작됐다.

20세기 후반 패션 일러스트레이션은 생존을 위해 분투했고, 1980년대에 이르러서야 부활하기 시작했다. 새로운 세대의 예술가들은 La Modeenpeinture(1982), Conde Nast의 Vanity(1981) 및 Visionaire(1991)와 같은 잡지에 소개되었습니다. 이러한 부활은 광고 캠페인, 특히 1993년부터 1996년까지 진행된 Barney의 뉴욕 광고 캠페인에 기인합니다.

6. 오늘날의 패션 일러스트레이션

최근 패션 일러스트레이션은 순수미술과 상업미술 사이에서 중요한 장르로 재평가되고 있습니다. 아름다움과 우아함은 패션과 예술 모두에서 시대에 뒤떨어진 시대가 되었기 때문에 패션 일러스트레이션은 때로 이전 시대로의 회귀처럼 보입니다.

사진은 의복의 세부 사항을 기록하는 데 매우 효과적이므로 일러스트레이터의 초점은 더 이상 의복의 정확한 표현이 아니라 의복과 해당 착용자를 설명하는 데 중점을 둡니다.

20세기 후반과 20세기 초반에 디지털 도구와 소셜 미디어 플랫폼을 활용하여 다양하고 독특한 예술적 스타일을 발전시켰습니다. 1990년대에는 선구적인 일러스트레이터인 Ed Tsuwaki, Graham Rounthwaite, Jason Brooks, Kristian Russell이 컴퓨터 그래픽 분야에 등장하기 시작했습니다.

이 시기에는 컴퓨터 디자인 프로그램인 어도비 포토샵(Adobe Photoshop)과 일러스트레이터(Illustrator)가 등장하고 전통 예술을 기반으로 한 패션 일러스트레이션이 부활하는 시기였습니다. 뉴욕의 파슨스 디자인 스쿨(Parsons School of Design)과 FIT 스쿨(FIT School)은 패션 과정의 전용 요소로 일러스트레이션을 제공하기 시작했습니다. 손으로 만든 "전통" 일러스트레이션은 르네상스를 누리고 있으며, 패션 일러스트레이터들은 종종 스타일 영감을 얻기 위해 과거의 거장들을 돌아봅니다. 고전적인 방법을 기반으로 한 패션 일러스트레이션은 보다 현대적인 프로세스로 만들어진 일러스트레이션을 성공적으로 보완했습니다.

최근에는 패션 디자이너와 일러스트레이터의 협업을 통해 일러스트레이션이 인기를 끌고 있다. 소셜 미디어를 활용하면서 패션 일러스트레이터들이 사람들의 주목을 받기 시작했습니다. 세련된 일러스트레이션은 생동감 넘치는 색상, 복잡한 패턴, 무한한 개성으로 가득 차 있어 지속적인 인상을 남깁니다.

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이 튜토리얼에서는 최근 가장 인기 있는 트렌디한 아트 일러스트레이션 디자인 방법을 소개합니다. 이런 종류의 그림의 디자인 스타일은 매우 개인적인 것이며, 그림의 역동적이고 예술적인 감각을 표현하기 위해 일부 스플래시와 하이라이트 요소를 사용하여 캐릭터를 장식합니다. 독특한 컬러와 어우러져 더욱 개성 넘치는 사진을 연출할 수 있습니다. 튜토리얼의 일부 자료는 온라인으로 다운로드해야 합니다. 최종 효과

1. 소녀의 사진에 마스크를 만듭니다. 원 버튼을 클릭하면 사진 레이어에 흰색 사각형이 생깁니다. 그런 다음 검정색 펜 도구나 브러시 도구를 사용하여 배경을 지웁니다. (사진 자체가 아닌 흰색 사각형에서 작업하고 있는지 확인하세요.)

둘째, 이미지 조정 Hue/Saturation을 수행하고 중간 기준점을 회색 영역쪽으로 드래그하여 모델을 변경합니다. 회색조입니다. 또 다른 간단한 방법은 CMD+SHIFT+U를 누르는 것입니다(PC의 CTRL 키는 일반적으로 Mac의 CMD 키와 동일하게 사용됩니다). 새 빈 레이어를 만들어 맨 아래에 배치합니다. 새 레이어를 만들고 단색으로 채웁니다. 모델 사진의 크기를 조정합니다. 조정을 통해 사진이 작품에 더 잘 맞도록 사진을 약간 작게 만들었습니다. 크기 조정 단축키는 CMD+T입니다. (크기를 조정하는 동안 가끔씩 Shift, Ctrl 또는 cmd 키를 누르는 것이 좋습니다. 이렇게 하면 다른 효과를 얻을 수 있습니다.)

3. 레이어를 복제합니다. 레이어(모델 레이어)의 레이어 복사를 수행하거나 CMD+J를 누릅니다. 그런 다음 레이어를 실행하여 클리핑 마스크를 만듭니다. 이제 상단 레이어에는 아래 레이어를 가리키는 작은 화살표가 있어야 합니다.

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4. 최상위 레이어를 처리합니다. 그림자/하이라이트에 대한 이미지 조정을 수행합니다. "추가 옵션 표시" 확인란을 클릭한 다음 그림자 수를 100으로 변경하고 중간톤 대비를 -100으로 조정합니다. 그런 다음 필터를 사용하여 약 3.0의 반경 값으로 가우시안 흐림을 흐리게 만듭니다. 그런 다음 혼합 모드를 Normal에서 Lighten으로 변경합니다. 불투명도에 대한 혼합 모드 확인란 옆의 값이 70%인지 확인하세요. 또한 이 클리핑 마스크 레이어에서는 얼굴을 마스크로 덮어 얼굴이 덜 흐릿해지게 만듭니다. 모든 단계를 올바르게 수행했다면 아래 그림과 같습니다.

5. 하단의 모델 레이어를 복제하여 상단에 배치한 후 클리핑 마스크로 설정합니다. 그런 다음 최상위 레이어에서 이미지 조정 Shadows/Highlights를 수행합니다. 아래 그림의 매개 변수를 참조하고 마지막으로 블렌딩 모드를 수행하여 밝게 만듭니다.

6. 최상위 레이어를 복제합니다. 이번에는 모델의 오른손만 사용하고 다른 부분은 마스크 처리합니다. 그런 다음 이미지 조정 곡선을 수행합니다. 조정된 모양이 원하는 만큼 흰색이 아닌 경우 혼합 모드를 밝게로 변경합니다. 이 오른쪽 레이어를 복제합니다. 오른쪽 레이어 두 개를 동시에 선택하고 레이어 병합을 수행하여 병합합니다. 이 레이어를 클리핑 마스크로 설정하세요.

7. 배경을 검정색으로 설정합니다. 레이어를 두 번 클릭하고 색상 오버레이를 선택한 다음 빨간색 사각형을 두 번 클릭하고 검정색을 선택합니다. 다른 창에서 스플래터 이미지를 열고 색상 범위 선택을 수행합니다. 원하는 항목을 선택한 후 확인을 클릭하세요.

대부분의 경우 선택 항목에서 원하지 않는 항목이 선택되고 선택 항목을 반전하여 수정할 수 있습니다. 이제 스플래시 이미지를 작업할 창으로 드래그하세요. CMD+SHIFT+U를 실행하여 이미지를 회색조로 변환합니다. 7단계를 반복하여 더 하얗게 만듭니다.

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8. 모델의 부츠와 일치하도록 마스크를 사용하여 물보라를 수정하세요. 또한 이 레이어는 모델의 클리핑 마스크 내부가 아닌 상단에 배치되어야 합니다. 그런 다음 스플래터 브러시를 사용하여 원하는 대로 칠합니다. 혼합 후 좋은 가벼운 느낌을 얻으려면 장소마다 다른 투명도를 사용하십시오. 또한 다른 특수 브러시를 추가할 수도 있습니다. 이러한 작업은 마스크에서 수행된다는 점에 유의해야 합니다. 기억하세요: 두 개의 모델 레이어는 항상 맨 위에 있어야 하며 지금까지 배치한 다른 모든 레이어는 맨 아래에 있어야 합니다. 이제 스플래시를 더 추가해 보겠습니다. 새 스플래터 이미지를 삽입하거나 이전 이미지를 복사하세요.

9. 스플래터 브러시를 사용하여 다양한 레이어에 다양한 색상을 추가합니다.

10. 배경 레이어 위에 새 레이어를 만들고 올가미 도구를 사용하여 삼각형을 그립니다. 삼각형 선택이 활성화되면 브러시를 사용하여 선택 영역 외부를 칠하여 멋진 효과를 얻을 수 있습니다.

11. 다시 흰색 배경 레이어로 돌아가서 중간에 약간의 회색을 추가합니다. 레이어를 두 번 클릭하고 아래와 같은 매개변수를 설정합니다.

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12. 스플래시를 더 추가하되 이번에는 마스크가 아닌 모델 레이어 뒤에 그립니다. 삼각형과 원을 만들어 보세요. 삼각형에는 보라색을, 원에는 흰색을 추가하고 불투명도를 낮췄습니다. 모양 도구 팔레트에서도 이러한 모양을 찾을 수 있습니다. 올가미 도구를 사용하여 이전에 배경에서 만든 선 안에 선을 만든 다음 약간 위쪽으로 이동합니다. 이렇게 하면 추가 효과를 얻을 수 있습니다. 이 라인에서는 보라색을 사용하고 불투명도를 5%로 낮췄습니다.

13. 공이나 좋아하는 것을 작품에 넣으세요. 저는 Illustrator에 제가 만든 작은 것들을 넣고 그리드 도구를 사용하여 몇 가지 효과를 추가했습니다. 그런 다음 이를 Photoshop에 붙여넣고 혼합 모드를 스크린으로 변경했습니다. 브러시를 사용하여 이러한 것 뒤에 그림자를 칠하고 흰색을 사용하여 그림자를 부드럽게 할 수도 있습니다.

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14. 이러한 조명 효과를 만드는 방법을 보여 드리겠습니다. 그러나 이는 단지 대략적인 소개일 뿐이므로 숙달하려면 스스로 약간의 연습이 필요합니다.

15. 반짝이는 별을 만들고 흰색 부분을 연마하여 정말 반짝이게 만듭니다. 마지막으로 간단한 것을 추가합니다.

16. 이미지를 주의 깊게 살펴보고 부자연스러운 부분을 찾으세요. 현재는 손이 조금 이상한 것 같습니다. 새 레이어를 만들고 모델의 클리핑 마스크 안에 배치합니다. 흰색 브러시를 사용하여 손 가장자리를 칠해 달콤해 보이도록 합니다. 다음은 최종 제품입니다!

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