모나리자에는 왜 눈썹이 없나요?

당시 사회 관습에 따르면 화가 레오나르도 다 빈치는 여성들이 넓은 이마를 좋아했기 때문에 모나리자에 눈썹을 그리지 않았다. 이로 인해 그림 속 인물은 대리석 조각처럼 보입니다.

전문은 다음과 같다.

레오나르도 다 빈치는 <안갈리 전투>를 그리는 동안 또 다른 귀족 여인의 초상화를 그렸고, 이는 훗날 역사에 기록된다. 서양 미술. 불멸의 작품 "모나리자"는 시대를 초월하여 독특합니다. 모나리자는 1479년에 태어난 나폴리로 추정된다. 그녀의 아버지는 부유한 귀족이었지만 1495년 프랑스의 침입으로 파산했다. Leonardo da Vinci가 그녀를 그렸을 때 그녀는 이미 피렌체 은행가이자 가죽 상인 Francesco Zerzogundo의 세 번째 아내였습니다. 1481년 조군도 씨는 마리오토 루셀레이(Marioto Ruseley)의 딸인 가멜라(Gamela)와 결혼했지만, 가멜라는 결혼한 지 2년 만에 사망했습니다. 나중에 그는 Thomasa Villanie와 결혼했지만 곧 다시 헤어졌습니다. 그는 미스 모나리자와 세 번째로 결혼했습니다. 레오나르도 다 빈치가 모나리자의 초상화를 그렸을 때 화가는 50세가 넘었고 리사 부인의 남편은 고작 45세였습니다. 주오 곤도(Zuo Gondo)는 아주 나쁘지도 아주 좋지도 않은 신중하고 유능한 사람이었습니다. 그는 자신의 임무와 땅에 헌신했고 곧 우두머리가 되었습니다. 그는 젊고 아름다운 아내를 자신의 집에 가장 어울리는 장식으로 여겼고, 확실히 모나리자에게 큰 호의를 보였습니다. 그러나 그는 새로운 품종의 시칠리아 소의 장점이나 거친 양가죽에 대한 관세율을 이해한 것만큼 모나리자의 아름다움을 명확하게 이해하지 못했습니다. 사람들은 그녀가 사랑 때문에 그와 결혼한 것이 아니라 아버지의 명령에 따라 자신의 자유 의지로 전쟁터에서 죽었다고 말합니다. 그녀는 조용하고 겸손하며 경건하며 교회의 모든 규율을 엄격하게 준수하며 가난한 사람들에게 친절하고 집안일을 잘 알고 남편에게 충실하며 12살 된 딸 디아노라를 사랑합니다. 남편의 전처에 의해. 레오나르도 다 빈치는 모나리자 부인의 초상화를 그리는 데 자신의 최고의 재능과 열정을 바쳤습니다. 그는 작업실 안뜰 중앙에 분수를 설치했습니다. 반구형 유리 위에 샘물이 떨어져 부드러운 음악을 만들어낸다. 그는 분수 주변에 리사 부인이 가장 좋아하는 꽃을 심었습니다. 그는 또한 궁정 음악가, 가수, 이야기꾼, 시인, 코미디언을 초대하여 모나리자를 위해 공연했습니다. 한편으로는 그녀가 초상화를 그리는 동안 단조롭고 지루함을 느끼지 않도록 하기 위한 오락이었고, 다른 한편으로는 음악, 이야기, 재미를 통해 그녀의 마음 속에 어떻게 감정과 사고 활동이 일어나는지 관찰하는 기회였습니다. 그는 모나리자의 얼굴에 표현된 내면의 감정을 쉽게 포착할 수 있도록 그녀의 얼굴에 단어를 표현했습니다. 레오나르도 다 빈치는 자신의 "회화에 대하여"에서 다음과 같이 썼습니다. "초상화를 그리려면 특수 장비를 갖춘 스튜디오가 있어야 합니다. 너비 10m, 길이 20m의 직사각형 안뜰, 검은색으로 칠해진 벽과 튀어나온 처마가 있습니다. 필요에 따라 말아서 일부를 덮을 수 있습니다. 흐리거나 안개가 낀 경우에만 차양을 말아 그림을 그릴 수 있습니다. "레오나르도 다 빈치가 말했습니다. 피렌체에 있는 제 아파트에는 초상화를 위한 그런 안뜰이 있습니다. 그의 집주인은 피렌체의 고귀한 시민인 피에로 디 브라추 마트리(Piero di Bracchu Matri) 씨였습니다. 그는 정부에서 일하고 수학을 사랑했으며 똑똑하고 레오나르도 다빈치를 존경했습니다. 아파트는 Matri Street에 있습니다. 4년 만에 초상화 '모나리자'가 완성됐다. 그림 속 모나리자는 가슴에 손을 얹은 채 안락의자에 앉아 거의 보이지 않는 미소를 짓고 있는데, 이는 마치 미소가 시작되는 순간이자 미소가 끝나는 순간인 듯하다. 그녀의 손은 부드럽고 섬세하며 표현력이 풍부하여 그녀의 온화하고 차분하며 아름다운 표정을 반영합니다. 특히 그녀의 눈은 빛나고 날카로우며 애정이 넘친다. 매미 날개처럼 얇은 투명한 베일이 모나리자의 머리와 어깨를 덮고 있으며, 숄에 있는 두 개의 긴 머리카락과 어깨에 있는 코트의 작은 주름을 빗어 통일되고 매끄러운 윤곽으로 만듭니다. 노출된 가슴은 발랄한 여성미를 보여준다. 바사리는 "목 아래 움푹 들어간 부분을 자세히 보면 피가 뛰는 것을 볼 수 있다"고 말했다. 레오나르도 다 빈치는 그림의 화려한 장식을 모두 취소했지만 흔적은 남기지 않았다. 가슴과 옷의 주름이 디테일합니다. 의상 패턴은 자연스럽고 생동감이 넘치며 부드러운 새틴의 부드럽고 윤기나는 질감을 표현합니다. 당시 사회 관습에 따르면 레오나르도 다빈치는 여성들이 이마가 넓은 것을 좋아했기 때문에 모나리자의 눈썹을 그리지 않았습니다. 이로 인해 그림 속 인물은 대리석 조각처럼 보입니다. 이 그림에 나타난 레오나르도 다빈치의 놀라운 기술은 의심할 여지없이 정점에 이르렀습니다. 옷의 작은 주름과 순백색 가슴을 둘러싼 검은 레이스 등 그림의 모든 것이 명확하고 정확합니다.

동시에 레오나르도 다빈치는 자신이 가장 좋아하는 얇고 어두운 빛을 사용하여 모나리자의 얼굴, 가슴, 손에 자신만의 독특한 '명암 전환 방식'을 사용하여 모나리자의 얼굴과 손이 빛의 층으로 덮힌 것처럼 보이도록 했습니다. 황혼의 그림자는 부드럽고 시적인 톤을 보여줍니다. 배경 처리 측면에서 레오나르도 다 빈치는 기둥의 기초와 돌 난간을 모호하게 보이도록 왼쪽과 오른쪽을 사용하여 가까운 장면과 먼 곳의 장면을 구별했습니다. 그는 먼 곳의 시야를 무한한 깊이로 밀어넣기 위해 "공중 원근법"을 사용했습니다. 그 고대의 바위, 하늘색 종유석 같은 봉우리, 바위 사이를 굽이굽이 흐르는 강물은 모두 막연한 안개에 휩싸인 듯 무한하고 먼 푸른 운해 속으로 사라졌습니다. 이 배경은 모나리자의 몸을 보는 사람의 위치에서 멀어지게 하여 그림 속 인물을 미학적으로 더욱 매력적으로 만듭니다. 레오나르도 다빈치는 인간이 가장 신성하다고 믿었습니다. 인간의 몸은 자연에서 가장 아름다운 이미지이다. 그는 인체의 여러 부분의 비율이 정수비임을 반복적으로 측정하고 증명했으며, 따라서 인체는 가장 조화로운 아름다움을 선사하며 이를 '신성한 비율'이라고 부릅니다. 그는 “생명을 존중하지 않는 사람은 살 가치가 없다”고 말했습니다. <모나리자>는 그가 진정한 여성의 미소로 인간의 아름다움을 노래하며 인간 본성의 각성을 촉구하고 사랑스러움을 찬양하던 바로 그 곡입니다. 인생. 그의 삶의 철학이 담겨있습니다. '모나리자'의 오른손은 세계 미술사상 가장 아름다운 손으로 알려져 있다. 비록 과학적이고 선진적인 현대 사진 기술이 매우 훌륭하지만 이 손을 현대 사진과 비교해 보면 이 손이 여전히 더 크고 무게 있고 활력이 있다는 것을 알 수 있습니다. 거의 완전히 공중에 떠 있는 중지 사이에서 사람들은 음악의 아름다움을 듣고 모나리자의 순간적인 행복을 느낄 수 있는 것 같다. 현대 사진에서는 이러한 내면의 매력을 기록하기가 어렵습니다. 16세기 초 많은 화가들은 정확한 형태, 촘촘한 윤곽, 정확한 선, 선명한 디테일에 집중하는 경향이 있었기 때문에 그들이 그린 이미지에는 활력이 부족한 경우가 많았습니다. 경직된 '잠자는 숲속의 미녀'가 등장한 것은 레오나르도 다빈치만이 생생함을 한층 더 높여주며 생동감 넘치는 이미지를 많이 만들어낸 작품이다. 그러나 모나리자의 등장 이후 사람들이 끊임없이 동경하고 논쟁을 벌여온 것은 바로 모나리자의 '신비한 미소'이다. 모나리자가 '신비한 미소'를 짓는 이유는 과연 무엇일까? 그녀의 미소는 무엇을 의미합니까? 누군가는 '매력적인 미소'라고 하고, 누군가는 '사악한 미소'라고 하고, 누군가는 이해할 수 없는 신비한 미소, 영원한 미스터리라고 생각한다. 실제로 사진 속 모나리자의 미소는 일종의 평화로운 자신감이자 낙관적이고 차분한 태도이다. 그리고 이것이 바로 중세의 긴 암흑기를 지나 기독교 신학의 무게에서 깨어나 새로운 삶을 추구하던 그 시대의 특징이다. 그림 속 모나리자의 미소는 그녀의 우아함과 고귀함, 기쁨을 보여줄 뿐만 아니라, 새로운 세계와 새로운 삶에 대한 그녀의 기쁨과 기쁨을 보여줍니다. 여기에는 의심이나 두려움의 흔적이 없으며, 중세 화가들이 그린 인물들의 특징이었던 세상에 대한 우둔함, 냉담함, 두려움의 흔적도 없습니다. 중세 초상화 속 신의 노예였던 생명 없는 사람들과 달리, 모나리자는 젊음과 활력이 넘치는 살과 피의 이미지이다. 레오나르도 다 빈치는 자신의 "모나리자"를 통해 그 위대한 시대 사람들의 새로운 영적 전망을 보여 주었고, 새로운 삶에 대한 사람들의 열망, 낙관주의, 자신감을 드러냈습니다. 동시에 인간에 대한 뜨거운 찬미와 하나님의 속박에서 해방된 인간의 아름다움을 표현하고 있다. 모나리자의 미소는 이 캐릭터에게 예술적 개념의 무한한 깊이와 폭을 제공합니다. 그 자체의 조화로운 시든, 그 심오하고 광범위한 사회학적, 역사적 의미든, 그것은 비교할 수 없는 높이에 도달했습니다. 이런 관점에서 볼 때 모나리자의 미소 역시 영원한 노래이다. 모나리자에는 이성적인 원리와 높은 시, 고상한 정신과 생생한 신체, 감정과 이성, 과학과 예술이 모두 조화롭게 완벽하게 통합되어 있습니다. 이것이 르네상스맨의 완전한 모습이다. 이는 인류역사 과정에서 종합적인 발전을 이룩한 탁월한 사례이다. '모나리자'는 그 시대의 위대한 이념적 내용과 놀라운 예술적 성취의 깊이를 표현하고 있어 수세기 동안 사람들은 그 영원한 매력에 대한 열광을 멈추지 않았습니다. 레오나르도 다빈치는 이 그림을 그린 후 소장품으로 보관했습니다. 그가 사망한 후에야 프랑스 국왕 프랑수아 1세가 이 작품을 수집했습니다. 이 그림은 현재 파리 루브르 박물관에 소장되어 있습니다.