세계 3대 영화 운동을 소개합니다.

제1의 영화 운동: 유럽의 아방가르드 영화 운동(1917-1928)

1. 최초의 프랑스 인상주의(1917-1928) 아방가르드

중심 인물: Louis De Luc가 "The Spanish Show"와 "The Wanderer"를 창작했습니다. 1922년에 출판된 "Photogenic"

대표 인물: Dulac의 "The Spanish Program" 1919년 Tiny Madame de Bude" 1923

Marcel Lepierre "El Dorado" 1921 Abel Gance "The Wheel" 1923 Jean Epstein " "Loyal Heart" 1923

주요 기여:

1. 영화에서 심리적 서사의 표현을 확장하기 위한 주제를 탐색하고, 등장인물의 심리적 활동을 묘사하는데 적합한 주제를 선택한다.

2. 자연물과 인물의 심리, 정신의 조화를 추구하고, 자연경관의 급격한 변화에 대한 객관적인 사실을 바탕으로 작가에게 감동을 선사한다.

3. 캐릭터의 심리적, 정신적 시각적 표현에 적응할 수 있는 새로운 사진 기법을 확립합니다.

4. 시각적 리듬 표현과 리듬 편집, 내부 및 외부 리듬의 중요성을 강조합니다.

2. 다양한 장르의 초현실적 경향:

순수영화 미학적 실험:

1. 프랑스 큐비즘 장르: 페르낭 레쉐의 <기계의 춤>은 그래픽 형태의 매칭과 리드미컬한 편집

2. 추상주의 장르: 헨리 힘멧의 "5분의 순수 영화"

다다이즘은 비합리적이다. 영화 실험:

만 레이의 첫 작품 '백 투 리즌(Back to Reason)'과 르네 클레어의 '인터미션(Intermission)'은 동질적이고 반합리적인 예술적 제안으로 가득 찬 환상적이고 터무니없는 다다이즘으로 가득 차 있다. 현실성을 상실하고 초현실적이 됩니다.

초현실주의 영화의 절대적 현실:

다다이즘의 초현실주의 미학 추구는 결국 초현실주의 영화 탄생으로 이어졌다. 수많은 아방가르드들의 종착지이기도 하다

셔먼 둘락의 '껍질과 수도사' 1927 루이스 부뉴엘의 '진주 목걸이' 1929 '안달루의 개' 초현실주의 남자의 대표작 레이의 '별의 별' 바다" 1929

3. 독일 표현주의: 1919---1924 아방가르드주의의 영향

표현주의는 포스트인상주의의 영향을 받았다. 로버트 바인의 "칼리가리 박사"의 대표작 표현주의적인 스타일을 가지고 있으며, 배경과 배경의 분위기가 일관되고, 캐릭터가 배경, 빛과 그림자와 일관되고, 시각적 스타일도 표현주의적인 특징을 가지고 있습니다.

"뱀파이어 노스페라두" "세 개의 삶" 및 "점토남자 콜렌"

현실주의 성향:

실내극: "최하위 남자"의 각본가이자 "칼리가리 박사"의 각본가 칼 마유

설정을 이용하여 주제와 환경이 바뀌지만 운명은 여전히 ​​무자비하며, 표현주의 대신 사실주의를 이용한다

거리영화: 풍경의 감각을 활용한 현실적 창작태도에 관심이 쏠린다. 심리적 상태보다는 사회적 환경.

4. 구소련의 몽타주 학파: 공산주의 사회주의와 계급, 사회, 경제와 병행

미래주의와 구성주의의 영향을 받음.

1. Kulishov의 "실험 스튜디오" Pudovkin 작업. Mozyu Hind의 세 가지 무표정 클로즈업

2. Vertov의 "무비 아이 스쿨"은 다큐멘터리를 만들고 반대 대본, 배우, 스튜디오를 만들었습니다. 그러나 변화하는 이동 속도와 낯선 사진 각도를 이용해 삶을 관찰하고 선택적으로 기록하는 것은 비현실적인 태도이다. 몽타주의 병치와 조화.

3. Kozintsev와 Tara Uberg의 "배우를 위한 이상한 학교"

4. Eisenstein의 이론과 창작: "Battleship Potemkin" 1925년 Odessa Steps

나중의 Vaudeville 몽타주 합리적 몽타주를 창조하고(몽타주의 역할을 과장했으나 거부됨) 몽타주 이론을 정립

5. 푸도프킨의 몽타주 서사: "어머니" "상트페테르부르크의 마지막 날" "징기스칸의 후예" "

대본 창작을 강조하며, 배우의 기본 역할을 강조합니다. (쿨레쇼프의 '영화 모델', 에이젠슈타인의 '유형 배우'와 구별됩니다.) 몽타주는 영화 예술 창작의 기초이자 연상 몽타주를 만듭니다.

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푸도프킨은 쇼트의 조합과 디테일의 중요성을 강조한 반면, 에이젠슈타인은 몽타주의 갈등을 강조했다. >

5. 베르토프의 '무비 아이 스쿨'이 시작됐다. 실사 촬영, 솔직한 사진, 스냅샷 등의 기록적인 성격에서 나중에는 프랑스 뉴 웨이브 운동의 영향을 받아 다큐멘터리와 장편영화를 결합한 스타일을 만들어낸다. 독일의 추상화가 발터 루트만(Walter Rutmann)의 <베를린 교향곡>(1927)은 베르토프의 영향을 받았다. 3. 1920년대 후반 프랑스 아방가르드는 거의 다큐멘터리 집단으로 전락했다. 1929년 알베르토의 <온리 타임>, 장 비고의 <니스의 현상>, Jean Benlevy의 "Octopus", "Jellyfish", "Water Beetle"은 물 속의 동물을 결합한 것으로 Kandinsky와 Picasso의 그림과 같은 기하학적 인물로 촬영되었습니다.

Uris Evans

5. 영국의 존 그리어슨의 <낚시배로>

6. 로버트 플래허티의 <나누크>의 배우와 다큐멘터리 형식

7. 독일 미장센, 프랑스 사진과 소련 영화 몽타주 편집, 프랑스 영화 '잔다르크의 수난'의 마지막 장면 촬영

제2차 아방가르드 운동의 대표작, 제2차 세계대전 이후 이탈리아 네오리얼리즘 운동.

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로셀리니: 네오리얼리즘과 전쟁의 관계 『방어되지 않은 도시 로마』 게릴라' '독일의 0' '유럽 51' '비바 이탈리아'

비스콘티: '가을'로 네오리얼리즘의 아버지라는 칭호를 얻었다. '파도'는 사실주의와 미학을 결합했지만 나중에는 ' <고통>과 <베니스의 죽음>은 완전히 유미주의를 추구했다.

데 시카: 네오리얼리즘의 가장 대표적인 작품은 <자전거 도둑>, <우리를 지켜보고 있는 아이들>, <구두닦이 소년>이다. , 비공식 배우를 활용하는 자유로운 스타일

De Sandys: '로마 일레븐'은 스튜디오를 사용하고 공식 배우와 비공식 배우를 혼합하여 신현실주의를 또 다른 정점으로 끌어 올렸습니다. Rossellini의 "Rome Undefended"는 부분적으로 동일합니다.

네오리얼리즘의 미적 특징: 1. 기록화 2. 라이브 촬영 3. 롱렌즈 사용 4. 비전문 배우 활용 5. 구조적 형태(단순하고 평범한 구조 추구) 6. 장소 방언의 사용

신현실주의의 계승: 사실주의의 탈피

펠리니: '길', '카비리아의 밤', '여덟과 반'에서 낭만주의 추구 개인화된 작업. 클립 공간 점프.

안토니오니: 현실을 흐리게 하고 주인공의 주관적인 인식을 강조한다. "모험", "배율", "붉은 사막"은 비현실적이고 초현실적인 색상을 가지고 있습니다. 자연스러운 색상은 심리학에 따라 변합니다.

제3의 영화 운동: 1950~60년대 프랑스의 '뉴 웨이브'와 '좌익'

뉴 웨이브---작가의 영화

1958년 탄생 , Truffaut의 "Naughty Guys", Chabrol의 "Beautiful Serge"

1959년, 행복한 해, Truffaut의 "Mischief", 1960년, 전성기, 1961년, 쇠퇴. 고다르의 '이런 삶'

'뉴 웨이브'에 이어 바쟁은 영적 아버지로 칭송받는다.

1. 영화는 현실의 점근선이다. 2. 미장센 이론.

창의적 특징:

이탈리아의 네오리얼리즘과 유사하지만 뉴웨이브는 개인적인 색깔이 강한 반면, 네오리얼리즘은 사회적 측면이 크다.

주제: 비정치적 영화; 전통적 도덕적 개념을 부정

촬영 방법: 영화의 사진에 초점을 맞추고, 사진의 신선함에 초점을 맞추고, 기능주의적이거나 학술적인 사진을 거부합니다.

사운드: 풍부한 자연스러운 사운드, 사실감

편집: 길이, 리듬. 빠른 편집, 샷 간 연결. 타임 점프. 긴 렌즈를 사용하면 사실감을 더해줍니다.

뉴 웨이브 이후 트뤼포와 샤블로흐의 롱샷, 그리고 고다르의 점프컷과 빠른 편집.

퍼포먼스 : 비전문배우, 무명배우.

한마디로 그는 전통적인 영화 문법에 관심이 없다.

Left Bank ---- 작가영화

대표작:

알랭 레네, <히로시마 몽 아무르>, <마리앙바드에서의 마지막 해> 1961년 앙리 갈비 , "The Long Separation" 1961

Alain Robbe-Grillet, "Especial Express Across Europe", Marguerite Durr, "Music", 1966 "Yellow Sun", 1970

내부에 집중 설명. 그들은 문학과 드라마 분야에서 혁신적이었습니다.

영향을 받다:

1. 프로이트의 성 심리학과 잠재의식 이론의 영향을 받아 인간의 현실을 표현했다.

2. 사르트르의 '실존주의'의 영향을 받아들여 사람과 사람, 사회, 사람과 사람 사이의 관계를 표현했다.

3. 베르그송의 '현실주의'의 영향은 비합리적인 감정이 의식의 깊이와 사회 인식에 침투하는 것을 강조합니다.

4. 브레히트의 영향을 받아 내면의 환상을 전달하기 위해 현실을 구불구불하게 표현한다.

주요 특징:

주제: 회상, 망각, ​​기억을 선호하며 사람들의 영적 과정을 화면에 담으려고 노력합니다. 사람들의 책임과 죄책감, 기억은 항상 역사적 사건과 관련되어 있습니다. "히로시마 몬 아무르"에서.

감독: 다큐멘터리 리얼리즘에서 순수 정신적 리얼리즘으로.

편집: 가장 중요한 미학적 혁명. "작년 마리엔바드에서" 효과의 70%는 편집에서 비롯됩니다. 첫째, 디졸브 인/아웃, 전환 샷 취소, 점프 컷을 사용하여 시간과 공간 및 이벤트를 인위적으로 압축하는 등 전통적인 영화의 간헐적 방법을 취소합니다. 둘째, 렌즈 위치를 반전합니다. 셋째, 렌즈를 평행하게 사용합니다. , 연속성 없음. 넷째, 루프 편집, 의식적인 반복.

사운드 : 레프트 뱅크 감독은 뉴 웨이브 감독보다 정교해서 음악과 사운드에 대해 좀 더 디테일하게 고려한다.

퍼포먼스 : 무대배우로 연기하며 의식적으로 사람들 사이의 거리를 넓히고 거리두기 효과를 활용한다.

사진 : 통일된 스타일은 없지만 고다르의 어깨 스타일은 사용하지 않았습니다. 특히 사진의 구도와 조명에 주목하세요. 특히 레스네이트의 푸시렌즈는 독특합니다.

둘의 차이점

1. 재료 측면에서 보면 뉴웨이브 프로듀서들은 대부분 바쟁의 '시네마 매거진'의 해설위원이었고 스스로 영화계에 진출했다. 좌익 은행가(Left Bankers)는 좌파 작가 그룹의 지식인입니다. 그래서 뉴 웨이브보다 재배가 더 높습니다.

2. 시기: 뉴 웨이브는 1950년대 후반에 시작되었으며, 레네(Resnais)는 1948년에 시작되었습니다.

3. 연령별: 뉴웨이브 청년, 좌파형은 중년층으로 이전보다 경험과 경험이 높다.

4. 뉴웨이브의 강세 작가의 영화는 1인칭을 주로 사용하는 반면, 작가의 영화는 2인칭, 3인칭, 심지어 혼란스러운 인물을 주로 사용합니다. 더욱이 그것은 뉴 웨이브의 그것을 훨씬 능가하는 강력한 문학적, 극적, 예술적 전제를 가지고 있다.

5. 촬영 장소: 전자는 중요한 역사를 반영하지 않아 주로 파리에서 촬영되는 반면, 후자는 전 세계에서 촬영된다.

6. 미적 추구: 뉴 웨이브는 삶에 더 가까이 다가가고 현실에 더 깊이 들어가는 반면, 레프트 뱅크 스쿨은 사람들의 영적 활동, 사람의 생각, 사람의 마음에 관심이 있습니다.

7. 제작 주기: 뉴 웨이브는 엉성하고 반 즉흥적으로 촬영하므로 주기가 짧은 반면, 레프트 뱅크 스쿨은 신중하고 신중한 접근 방식을 사용하므로 주기가 더 깁니다.

8. 영화는 검사를 통과한다. 전자는 내용이 단순하고 정치적인 내용이 포함되지 않아 대체적으로 순조롭게 통과된다(고다르의 '작은 병사'는 제외)

그러나 후자는 더 복잡한 배경을 가지고 있으므로 문제가 발생합니다.

좌안은 삶에 직접 개입하겠다는 분명한 입장을 취하고 적나라한 사회적 현상을 화면에 올려 관객의 감정과 선택을 촉발시켰다. 1950년대와 1960년대.

4. 1930년대 프랑스 시적 현실주의

프랑스 시적 현실주의의 선구자: 1930년대 초반

르네 클레어: (꿈꾸는) 오디오 영화: "파리의 지붕 아래" 1930년 "수백만 프랑" 1932년 "7월 14일" 1933년 Quadrilogy. "자유는 우리다"는 이 시대 최고의 작품이다. 코미디 스타일은 채플린의 "모던 타임즈"의 컨베이어 벨트 장면에 영향을 미쳤다.

Jean Vigo: (아름다운) "Operation Zero" 1932 "Barge Atalante" 1934

시적 리얼리즘의 발전: 정점 1934---1939 사회의 어둠을 폭로하는 흑인 리얼리즘

자크 페더러: '대규모 도박'에서는 한 배우가 1인 2역을 맡았다. "Mimosa Apartments" 1935 "Valor and Carnival" 1936

Sillian Deweyville: "David Gold" 1930 "Spanish Colonial Group" 1935 "Together" 1936

Marcel Carnet: (비관적) " Jenny', 'Fog Pier', 'Hotel Nord', 'Sunrise', 'The Night Visitor', '천국의 아이들'

장 르누아르: (현실주의 대가) '낙태', 'Bitch' ", "물에서 구조된 부도", "토니"는 에이젠슈타인과 공동 집필했으며 피사계 심도 렌즈를 사용했습니다. 독립영화의 시작.

'대환멸'은 평화주의자 작품이다. 줄거리가 경시되고 작품이 녹음되는 경향이 있어 사실주의 스타일을 형성합니다. 음향 처리: 1. 4개 언어의 혼합 사용 2. 영화 속 언어와 대화는 동시에 서로 다른 사람들의 정체성을 나타냅니다. 3. 음악의 처리가 영화의 동기를 지배합니다.

'게임의 법칙' 죽음의 가치. 모바일 사진 및 딥 포커스 촬영.

1939년 이후 시적 사실주의 후기

장 그리미용: "한 푼도 사랑하기 위해", "로열 왈츠", "이상한 미스터 와일드", "바지" "하늘은 당신의 것입니다"

Jacques Beguerre: "구비의 붉은 손", "안톤과 안토네트", "황금 투구", "알리바바와 40인의 도둑"

시적 사실주의의 기여:

1. 현실의 개념을 업데이트합니다. 가장 독특하고 독특한 면.

2. 심도 렌즈의 사용과 확립 그의 작업은 바쟁의 '장면 미장센' 이론을 확증해 주었습니다. 심도 렌즈의 사용은 큰 영향을 미쳤습니다. "영화 존재론"의 발전에 대해.

3. 영화에서 문학의 힘을 마음껏 발휘하세요.

오해:

1. 영화 예술의 시청각적 특성을 무시합니다.

2. 예술 단체가 개인에게 미치는 영향.