긴급 질문: 서양 추상 미술 발전의 여러 단계.

예술적 이미지가 자연물의 모습을 상당 부분 벗어나거나 완전히 버리는 예술. 추상화라는 말의 본래 뜻은 사물의 본질적인 요소를 추출하고, 비본질적인 요소를 포기하는 것이다. 일부 원본 예술 작품과 대부분의 예술 및 공예품, 서예, 건축 및 기타 예술적 스타일은 이미지가 자연물과 다르다는 점에서 추상 예술로 분류되어야 합니다. 그러나 의식적인 예술적 경향인 추상 미술은 20세기에 유럽과 미국에서 등장했습니다. 추상표현주의, 큐비즘, 타쉬즘 등 많은 모더니스트 미술 학파가 이에 영향을 받았습니다. 현대 추상미술은 크게 두 가지로 나눌 수 있는데, ① 자연물의 모습을 축소, 정제, 재구성하는 방식, ② 자연물을 완전히 버리고 순수한 형태로 나타나는 방식을 순수추상이라고 한다. 전자에는 두 가지 유형이 있는데, 하나는 자신의 사물에 대한 개념을 바탕으로 부수적이고 부수적이라고 생각되는 요소를 배제하고 본질을 추구하는 것이고, 다른 하나는 개별적인 특수한 자연물로부터 예술적 이미지를 추출하는 것이다. 후자는 감정형과 이성형으로 나누어진다. 감정적 유형은 W. Kandinsky, J. Miró 등과 같은 뜨거운 추상화라고 하며, K.C. Malevich와 P. Mondrian이 대표하는 이성적 유형은 차가운 추상화라고 합니다. 추상화는 1950년대에 유행했다. 현대 추상 미술 운동은 전체적으로 자연을 모방하는 전통에 대한 반항이며 근현대 미술에 지대한 영향을 미쳤습니다.

추상미술의 유래

추상미술은 구상미술의 반대말로, 비구상미술이라고도 할 수 있다. 묘사가 부족하고 개념과 회화를 표현하기 위해 감정적인 방법을 사용하는 것이 특징이다. 이 방법은 기본적으로 표현주의이며 칸딘스키의 작품에서 처음으로 나타났다. 그것은 다양한 반(反)전통적인 예술적 영향, 특히 야수파(Fauvism)와 입체파(Cubism)의 융합에서 발전했습니다.

피카소의 견해에는 '추상' 예술이 존재하지 않으며, 어떤 사람들은 단지 스타일을 강조하고 다른 사람들은 삶을 강조한다고 믿습니다. 미셸 세브르(Michel Sèvre)의 견해에 따르면 추상 미술은 "나는 현실에 대한 어떤 기억도 없이, 이 현실이 화가의 출발점인지 여부에 상관없이 모든 예술을 추상 미술이라고 부른다.

사실, 야수파와 입체파는 형태와 색상의 독립적인 발전을 촉진했으며, 1910년에 그는 칸딘스키의 창의적인 발명이 미적으로 영감을 받은 최초의 결정적인 추상 수채화를 그렸습니다. 나중에 음악을 통해 추상 미술을 창조한 체코 쿠프카(Czech Kupka)는 나중에 추상 미술의 두 가지 그룹을 결성했습니다. >1910년 최초의 추상 작품이 제작된 이후 서양에서 급속도로 발전하여 다양한 형태를 탄생시켰으며 입체파의 주요 분야는 다음과 같습니다.

1. (1909-1915) 빛을 이용해 사물의 본질을 부수고 현대적인 느낌과 속도감을 표현한 작품 p>

2. 철사, 유리, 금속판 등의 재료를 사용하여 비현실적인 형태를 만든 구성주의(1913-1917) 직사각형, 정사각형, 원, 직선을 사용한 이미지

3. 사물을 관찰하지 않고 느낌을 기반으로 소위 새로운 상징을 찾아 직접적인 감정의 절대성을 묘사함(1915)

4. 삼원색이나 직각색상 블록과 흑색, 백색, 회색의 직선을 완전히 사용하여 그림을 이루는 새로운 조형주의(1917)

5. 자연뿐만 아니라 자연에서 추상적인 콘크리트 예술로 발전합니다(1920년대)

6. 하드에지 예술과 같이 점점 더 단순하고 순수한 그래픽 색상으로 구성된 플랫 리본 또는 추상 형식주의(1950년대~1970년대)를 사용합니다. 컬러 표면 아트, 미니멀 아트 등

7. 기하학적 형태 활용, 인공 조명 및 색상 처리, 시각적 오류를 유발하는 조명 효과 아트(1960년대) 등

파생 야수파와 표현주의에서:

1. 작가의 무의식적인 자기 감정을 반영하는 상징으로 점과 점을 사용한 추상 표현주의(1940년대)의 선과 흔적 사용

2. 작가는 자기표현적 액션 페인팅(1945-1955) 등에서 무의식적으로 물감이 튀고 떨어지는 현상에 의존한다.

추상미술의 그리 길지 않은 발전 과정에서 작품들은 충분한 내면의 아름다움과 표현력을 보여주었고 회화, 조각, 미술, 공예 등 다양한 분야를 넘나들었지만 미적 기준에 혼란과 차이를 가져왔습니다.

한스 하르퉁은 8월 18일이 마지막이 됩니다. 서양에서 가장 유명한 전후 추상화 거장 중 한 명이 일본 베이징에서 전시될 예정입니다. "프랑스의 한여름" 중국-프랑스 문화의 해 폐막 전시회 중 하나로 "하르퉁 미술 전시회"가 시작되었습니다. 중국 국립미술관에서 베이징 관객들에게 세계 최고의 거장들의 작품을 직접 체험할 수 있는 흔치 않은 기회를 제공하고 있습니다.

우리나라에서는 서양 현대 미술, 특히 추상 미술에 대한 감상이 부족했습니다. 대중들 사이에서 주로 문화적 취향의 개념으로 존재하는 '추상미술'이 우리에게 더 중요한 것은 프랑스에서 잘 알려져 있는 '서정적 추상화'이다. 이번 전시는 한스를 비롯한 관객들의 감사의 마음을 담아 마무리됩니다.

Hartung은 서양 현대 미술과 추상 미술의 역사에서 대체할 수 없는 중요한 역할을 담당하고 있습니다. 중국 국립 미술관은 북경 대학교 미술사학과의 Zhu Qingsheng 교수를 특별 초청했습니다. (Zhu Qingsheng 자신은 예술가이자 미술 역사가이며, 하르퉁 미술전시 큐레이터이기도 하다))는 8월 18일 오후 1시 30분 중국 국립미술관 7층 학술강의실에서 하르퉁의 삶과 예술적 경험에 대해 구체적으로 이야기하는 특강을 가졌다. 추상 작품을 감상하고, 서양 추상 미술과 중국 서예의 연관성을 감상합니다. 중국 국립미술관은 중국과 프랑스 간의 문화예술 교류를 촉진하는 동시에 중국 관객들이 서양 예술가와 그들의 작품의 의미와 가치를 최대한 이해할 수 있기를 바랍니다.

이번 '하르퉁 미술전'은 큐레이터의 지원과 하르퉁 미술기금의 지원을 받아 베이징에 전시된 작품은 작가 인생작의 정수이며, 하르퉁은 서구 현대 미술의 중추적인 위치를 차지하고 있다. 또한 Hartung의 예술은 나중에 세계적으로 유명한 미국 추상 표현주의에도 영향을 미쳤습니다.

하르퉁의 서정적인 추상미술은 표면에 나타난 것만큼 이해하기 어렵지 않다. 하르퉁 자신의 삶과 경험이 결합되어 관객은 이것이 사실 작가의 개입에 대한 책임감의 결합임을 알게 될 것이다. 사회 속에서 그리고 예술의 신성한 사명을 추구하는 것, 둘 사이의 투쟁과 최종 승화, 작가 자신의 말에 따르면 “항상 두 극 사이를 오가는 것”입니다. 가장 명백한 예는 Hartung 자신, 즉 그의 장애에 반영됩니다. 하르퉁은 독일에서 태어나 나중에 프랑스 시민이 되었습니다. 그는 제2차 세계대전 중에 파시즘에 저항하기 위해 프랑스 편에 섰고 전쟁 중에 결국 독일과 프랑스로부터 반파시스트 명예훈장을 받았습니다. 하르퉁은 예술가들이 선언문에 서명함으로써 사회 변화에 참여하는 것을 반대하고, 예술가들이 인간으로서 자신의 가치를 실현하기 위해 자신의 행동(피카소처럼 스탈린의 초상화를 그리는 것이 아니라 개인적으로 전쟁에 참여하는 것)을 해야 한다고 주장했다. 예술가(강딩과 비교) 존 F. 스키(John F. Ski)로 대표되는 하르퉁의 서정적 추상미술에 대한 심오한 견해.

Zhu Qingsheng의 연구 분야는 세계 미술사, 현대 미술 이론 및 중국 한 왕조 미술에 중점을 두고 있습니다. 그는 현대 미술에 대해 심도 있는 논의를 진행하고, 그 특징과 본질을 고찰, 분석하고, 중국과 서양의 맥락을 비교하고 교류하면서 서양과 지방의 근현대 미술 작품을 심층적으로 해석해 왔습니다. 중국현대미술창작현황에 대한 논평에서.

현대 미술 분야에서 Zhu Qingsheng은 주로 이 예술의 기원, 발전 및 진화, 그것이 탄생한 사회적, 역사적, 문화적 환경은 물론 중요한 예술 작품, 사건 및 위의 각 주제에 외부적인 측면을 더해가며 객관적인 이유와 내부의 주관적 동기에 대한 관점을 분석함으로써 마침내 현대미술을 미술사와 지적사의 영역으로 끌어들이고, 나아가 현대미술의 본질적인 특성을 파악하게 된다. 역사적 객관적 법칙의 관점.

중국 미술 전통을 기반으로 하는 예술가로서 주칭성(Zhu Qingsheng)은 그의 작품 중 일부에서 중국 서예와 회화의 현대 예술적 개념을 탐구하고, 중국 서예와 현대 추상 미술 사이에 형식을 넘어 본질적인 연결을 확립합니다. 그의 작품은 1990년대 초반부터 중국, 미국, 독일, 영국, 스위스 등에서 전시되었으며, 멀티미디어 분야에서 현대 미술의 다면적이고 다중적인 성격을 계속해서 탐구하고 있습니다. , 설치, 공연 및 기타 예술 형태.

20세기 초 러시아의 사회·경제적 여건은 유럽과 상대적으로 가까웠고, 이는 러시아가 유럽 현대 미술을 흡수하는 것과 관련해 일종의 정신적 연결을 갖게 됐다. 인상주의, 후기인상주의, 야수파, 입체파, 미래주의 등의 미술사조가 프랑스, ​​독일, 이탈리아 등에서 막 이해되고 수용되던 시기 러시아 미술계로부터 즉각 반응을 얻었다. 새로운 아이디어는 빠르게 퍼져 러시아 예술에 영향을 미쳤습니다. 이러한 입력은 한편으로는 "Art World" 및 "Golden Fleece"와 같은 아방가르드 잡지의 기고와 예술가의 해외 여행을 통해 이익을 얻었습니다. 또한 부유한 수집가인 슈쿠킨과 모로조프는 피카소, 마티스, 모네, 세잔, 반 고흐, 고갱 등 수백 점의 작품을 수집했습니다. 이 귀중한 컬렉션에는 마티스의 "춤", "음악" 등 우수한 작품이 많이 오픈되었습니다. 예술가의 눈. 학문적 사실주의 회화의 러시아 전통에 직면한 젊은 아방가르드 예술가들은 참을성이 없었습니다. 그리하여 그들은 거의 전이가 없이 순수추상의 길로 예술을 직접적으로 이끈다. 1913년 3월 "대상 회화 전시회"에서는 라리오노프와 그의 지지자 곤차로바가 회화의 비구상적 측면에서 실험한 "방사선주의"의 첫 작품이 전시되었습니다. Radiationism은 평행하고 교차하는 색선을 사용하여 "빛의 미끄러짐으로 인한 시간과 공간의 느낌"과 "'4차원 공간'이라고 부를 수 있는 느낌"을 그림에 표현합니다. Larionov는 방사선주의를 입체파, 야수파, 오르피즘의 종합으로 보았습니다. 또한 움직임과 빛에 초점을 맞춘 미래주의와도 일부 연관되어 있습니다. 물론 추상화 측면에서보다 훨씬 더 철저합니다. 방사선주의는 1911년부터 1914년까지 존재했습니다. 비록 짧은 기간이었지만 다른 러시아 아방가르드 예술가들에게 중요한 영감이었습니다. 더 나아가 또 다른 추상화주의자는 말레비치(Malevich)였는데, 그가 만든 유일한 "최고주의" 그림은 순수한 추상 미술로 간주될 수 있습니다.

정사각형, 삼각형, 원, 순흑백 등 순수한 기하학적 도형으로 이루어진 그림은 모든 재현적 요소를 배제하고 순수한 느낌을 최우선으로 하며 '순수한 감성'과 '단순화의 한계'를 표현함으로써 갑자기 회화를 밀고 나갔다. 비대표적인 극단. 최초의 절대주의 작품은 1913년 흰 바탕에 검은 사각형이었으며, 마지막 작품은 말레비치가 절대주의 종식을 선언하기 전인 1919년 흰 바탕에 흰 사각형이었다. 말레비치의 절대주의는 추상회화에 대한 최초의 합리적 추구를 반영했으며, 이후 기하학적 형태에 기초한 추상적 탐구의 기원이 되었습니다. "당시에는 헛된 일처럼 보였지만 오늘날까지 지치지 않는 완전히 새로운 예술의 측면을 탄생시켰습니다." (Raymond Konya et al., Xu Qingping 번역: "현대 회화 사전", People's Fine Arts Publishing House, p. 307.) 회화 외에도 러시아 아방가르드 예술에는 조각 분야의 "구성주의"도 포함됩니다. 타틀린(Tatlin)과 가보(Gabo) 등의 대표작을 기반으로 한 이 작품은 조각을 전통적인 재료와 기법, 모방에서 벗어나 추상의 길로 이끌었다.

1910년부터 1920년까지 러시아는 국제 아방가르드 예술의 중심지였다. 비록 인원이 적고, 기간은 짧았지만, 결과는 훌륭했습니다. 정치적인 이유로 그들은 1920년대 초에 점차 사라졌다. 1922년 가보는 정부에 의해 해외로 파견된 뒤 다시는 돌아오지 못했다. 칸딘스키도 러시아를 떠나 바우하우스에 들어갔다. 타틀린은 산업 패턴 디자이너가 되었고, 말레비치는 무명의 빈곤한 삶을 살았습니다. 러시아 아방가르드의 전성기는 영원히 사라졌고, 예술가들이 해외로 이주하면서 그 영향력은 해외로 퍼졌습니다.