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마티스의 삶은 어땠나요?
앙리 마티스(1869-1954)
색채 사용에 능한 20세기 최고의 화가이자 야수파의 대표자.
젊은 시절 파리 장식 미술 학교에 다녔고, 1895년 파리 미술 학교에 입학해 상징주의 화가 모로에게 사사했으며 이후 후기 인상주의와 미술의 영향을 받았다. 동양미술과 아프리카 미술의 표현방식을 흡수한 '포괄적 단순화' 화풍은 '순수회화'라는 이념을 내세운다. 1906년 이후의 작품들은 과장된 형태를 취하고 있으며 주로 단순한 선묘와 색채의 조합을 사용하고 있다. 장식성과 형식성을 추구하는 장식적인 회화 양식을 이루는 것이 마티스 예술의 본질이다.
그는 뛰어난 조각가이기도 하다. 그의 조각은 단순하고 견고한 스타일을 추구한다.
마티스와 야수파
'야수파'라는 단어는 특히 밝은 색상과 무작위 적용을 의미합니다. 이런 색은 신인상주의의 과학적인 색, 고갱과 반 고흐의 비묘사적 색, 직접색혼합과 변형화법의 종류보다 더 강하다. 마티스와 그의 친구들은 이 그림 방법을 계속해서 실험했습니다. 야수파 화가들은 마침내 고갱, 반 고흐, 쇠라, 나비스, 신인상주의 모두가 서로 다른 방식으로 탐구했던 색채의 해방을 달성했습니다. 야수파 화가들은 다양한 목적을 위해 비슷한 수단을 사용했습니다. 그들은 자연물을 묘사하기보다는 물감통에서 직접 강렬한 색상을 사용하고자 했습니다. 이는 망막의 진동을 일으키고 낭만적이거나 신비로운 주제를 강조할 뿐만 아니라, 더 중요하게는 이와는 전혀 다른 새로운 회화 원리를 확립한다는 것이다. 이처럼 그들은 어떤 의미에서는 고갱과 쇠라의 색채를 사용하고, 이를 자신들의 선율과 자유롭게 조합하여 세잔이 끊임없이 추구했던 것과 비슷한 효과를 얻고 있었다.
마티스는 초기의 어두운 톤과 진부한 주제에서 천천히 앞으로 나아갔습니다. 1896년까지 그는 드가, 로트렉, 인상주의, 일본 판화를 보고 있었고, 그 다음에는 르누아르와 세잔을 보았습니다. 1899년까지 마티스는 카리에르의 작업실에서 공부하고 있었고, 카리에르는 상징주의와 관련이 있었기 때문에 이곳에서 드랭을 만났습니다. 같은 해에 그는 설명할 수 없는 색상을 직접 혼합하여 인물화를 실험하기 시작했습니다. 얼마 지나지 않아 그는 조각에 대한 첫 시도를 했고 이 분야에서 재능을 보여 20세기의 가장 위대한 화가이자 조각가 중 한 사람이 되었습니다. 1901년 마티스는 드랭을 통해 블라맹크를 만나면서 야수파 그룹이 거의 형성될 뻔했다.
1905년 가을 살롱에 작품을 전시한 야수파 화가들 중에는 마티스(Matisse), 드랭(Derain), 블라맹크(Vlaminck), 루아드(Ruard), 마르쉐(Marche), 망간(Mangan), 반… 그 중 리더가 비범하고 위대한 재능을 지닌 마티스임은 의심할 여지가 없다.
1905년 가을 살롱에서 마티스는 <열린 창문, 콜리우르>와 마티스 부인의 초상화 <모자를 쓴 여인>을 전시했다. 열린 창(Open Window)은 아마도 마티스가 남은 생애 동안 선호했던 주제가 완전히 전개된 첫 번째 예일 것입니다. 그것은 벽의 작은 부분일 뿐이고 창문은 많은 공간을 차지합니다. 창문은 바깥 세상을 향해 활짝 열렸습니다. 화분과 덩굴이 있는 발코니, 그리고 바다, 하늘, 배들이 보였습니다. 이곳의 내부 벽과 창문은 밝은 녹색, 파란색, 보라색, 주황색의 넓은 수직 스트립으로 구성되어 있으며, 야외 세계는 밝고 작은 붓터치로 구성된 화려하게 장식된 패턴입니다. 브러시 스트로크는 작은 녹색 점에서 연한 빨간색, 흰색, 바다와 하늘의 파란색으로 더 넓은 스트로크로 확장됩니다. 이 그림에서 마티스는 보나르나 신인상파를 갔던 누구보다도 훨씬 뛰어났으며, 미묘한 색채 추상의 흔적이 있습니다. 그러나 항상 마티스를 따라다니는 실제적이고 순간적인 광경의 느낌은 매우 강했습니다.
'모자를 쓴 여자'는 급격한 형태 변화를 보여 '열린 창문'보다 더 강한 센세이션을 일으켰다. 배경과 모자뿐만 아니라 여성의 얼굴과 이목구비에도 물감이 무분별하게 퍼져 있으며, 모두 굵은 녹색과 주홍색 선으로 윤곽이 그려져 있습니다.
그 직후 마티스는 마티스 부인의 또 다른 초상화를 그렸습니다.
어떤 의미에서 이 그림은 좀 더 치밀하고 세심하게 표현되었기 때문에 정확하게는 더 조악하다. '녹색 줄무늬(Green Stripes)'라는 제목의 이 작품은 헤어스타일의 윤곽선부터 턱까지 얼굴을 구분하는 뚜렷한 녹색 선이 특징이다. 이 시점에서 마티스와 그의 동료들은 예술가들이 색상 블록 모양과 선의 자연스러운 외관에 관계없이 색상을 자유롭게 사용하여 추상화를 확립할 수 있다는 고갱, 상징주의자, 나비파의 주장을 확립하고 있었습니다. 이 구조물은 기본적인 구조물로 간주되는 여성, 나무, 정물 등과는 아무런 관련이 없습니다. 아마도 마티스의 접근 방식이 그토록 충격적인 이유는 그의 주제가 너무 단순하고 친숙하다는 점일 것입니다. 이러한 색상 사용은 고갱이 그린 이국적인 장면보다 더 인기가 있습니다.
고갱, 세잔, 그리고 이전의 푸생과 베네치아 화가들처럼 마티스도 목가적인 인물 구성을 계속 탐구했습니다. 1905년 "Pastoral"에서 그는 인상파의 변이된 색상 패턴을 재사용한 다음 위대한 "Joy of Life"에서 그의 다양한 실험을 결합하여 최고의 인물 풍경화 중 하나를 만들었습니다. <삶의 기쁨>은 의도적으로 원근감을 축소시켰음에도 불구하고 여전히 그림 속에 패턴으로 존재하는 인물과 나무의 구불구불한 선들로 가득 차 있다. 이것은 권태와 목가적 기쁨의 세속적 분위기에 잠긴 진정한 목가시입니다. 이듬해 피카소가 창작한 '아비뇽의 여인들(Les Demoiselles d'Avignon)'과 마찬가지로 현대회화 추상화의 원조이기도 하다. 그 영향력은 피카소의 걸작보다 훨씬 뛰어납니다.
'생명의 기쁨'의 곡선적인 리듬은 아르누보의 전통과 연결되지만 본질적으로 이 전통회화를 능가한다. 이 작품과 관련된 많은 누드 연구가 있었으며, 그 중 일부는 나중에 다른 그림과 조각으로 발전했습니다. 사실 마티스가 누드 스케치와 채색화에서 느끼는 즐거움은 『생명의 기쁨』에 대한 연구에서 큰 자극을 받은 것 같습니다. 1907년 초에 그는 "뒤틀린 위치"를 탐구하고 "블루 누드"를 그렸는데, 이를 형태로 고정하여 점토와 청동 조각뿐만 아니라 누드 및 옷을 입은 인물 조각에도 적용했습니다. 이러한 전형적인 예는 『삶의 기쁨』의 중심인물에 나타난다. 그러나 '블루 누드'의 형태는 더욱 조각적이며, '트위스트'는 조각에서 더욱 적극적으로 표현된다.
스타일은 개인의 관심과 능력에 따라 다양했고, 다양한 야수파 화가들은 자신만의 스타일로 뚜렷한 목표를 달성했습니다. 게다가 이런 그룹은 정기적으로 모이는 시간도 제한적이다. 몇 년 안에 각 화가는 자신의 길을 가기 시작했고, 어떤 화가는 더 큰 성공을 거두었고, 어떤 화가는 더 이상 지도자들의 열렬한 지지를 받지 못해 묻혀버렸습니다.
야수파 혁명은 20세기 미술의 첫 번째 폭력적 폭발이었다. 이는 일련의 혁명의 선례를 세웠다. 이러한 혁명은 20세기 초 이후 미술사의 특징을 이루었습니다. 그러나 야수파는 입체파, 추상화, 초현실주의와 같은 운동과는 근본적으로 다른 이상한 현상이었습니다. Brutalist 운동은 불과 몇 년 동안 지속되었습니다. 이와 관련된 예술가들은 1903년 초에 야수파로 간주되는 그림을 만들었지만 1905년이나 1906년이 되어서야 하나의 운동으로 형성되었습니다. 이 그룹의 구성원들은 2~3년 내에 다른 방향을 모색하기 시작했고, 1908년에 이르러 브루탈리즘 운동은 더 이상 존재하지 않게 되었습니다. 사실, 야수파 화가들은 20세기 회화에 새로운 개념을 도입하지 않았습니다. 오히려 그것들은 논리적인 결론에 이르렀고, 그 과정에서 고갱, 반 고흐, 쇠라와 같은 위대한 선배 혁신가들의 개념을 파괴했다고 할 수 있다. 예술계는 여전히 학계가 장악하고 있지만, 학계가 단언하는 바는 은밀하게 훼손되고 있습니다.
야수주의자들은 자신을 제한하는 환경에서 벗어나고 싶었기 때문에 고갱, 쇠라, 반 고흐가 제안한 색 조합 원칙으로 돌아갔습니다. 그들은 여전히 풍경, 인물, 인물, 정물 등 객관적인 세계를 계속해서 묘사하면서도 이러한 대상을 추상화하고 회화와 물감의 회화적 기능을 강제로 분리시켰다. 변조되지 않은 색상으로 작업하므로 독립적으로 작업할 수 있습니다. 이 모든 것은 Gauguin과 Van Gogh에 의해 옹호되고 실행되었습니다. Seurat와 그의 추종자들도 이것을 다른 방식으로 수행했습니다.
그러나 야수파는 이러한 원칙을 실행하는 데 있어서 에너지와 대담성 면에서 그 대가들조차 능가했습니다. 색채의 사용은 표현성과 구조를 모두 가지고 있기 때문에 야수파는 표현주의의 한 형태라고 할 수 있다. 물론 야수파는 현대 미술의 표현주의 학파에 가장 빠르고 지속적인 영향을 미쳤습니다. 특히 독일에서 표현주의가 성황을 이루던 20세기 초에는 더욱 그러했습니다.
야수파 이후의 마티스
1905년에서 1906년 사이에야 마티스는 풍부한 색상과 붓놀림의 질감을 자신의 작품에 밀어넣은 것처럼 보였습니다. 이는 그의 작품 "열린 창, 콜리우르"와 "집시". 동시에 그의 분석 정신과 광범위한 지각 능력은 다른 문제에 몰두했습니다. "Luxury, Tranquility and Pleasure"는 "Joy of Life"의 신인상주의 기법에 대한 인턴십입니다. 그는 붓놀림을 익히기 시작했고, 큰 책자를 사용하여 색상을 배열하고, 문자와 나무의 물결 모양 곡선을 사용하여 색상을 정의했습니다. 블록. Young Sailor 2는 광범위한 범위에 대한 또 다른 탐구를 대표하며 조각에 대한 그의 관심 증가에 영향을 받았을 수 있습니다. 캐릭터의 파란색 옷과 녹색 바지를 표현하기 위해 넓은 물감 블록을 사용했고, 큰 컬러 블록 주위에 두꺼운 윤곽선을 추가하여 캐릭터의 형태를 단순하면서도 강렬하게 만들었습니다. 배경은 인물이 튀어나온 옅은 분홍색 평면입니다. "블루 누드"에서는 조각적 처리가 더욱 분명해지며, 색면의 공간적 구성은 "럭셔리 2"에서 처음으로 큰 정점에 도달합니다. 여기서 작가는 대조되고 병치된 색의 블록을 사용하여 새로운 형태의 회화 공간을 창조하려는 의도를 성공적으로 달성했다. 원근법을 포기했지만 이 그림은 단순한 표면적 장식이 아니다. 윤곽선으로만 형성된 이 형상들은 실제 내용을 갖고 있으며 깊이, 빛, 공기의 환영과 함께 공간에서 움직입니다. 전적으로 색상과 모양으로 만들어진 이러한 환상은 그림의 무결성을 뒷받침합니다. 그러니까 피카소와 브라크가 원시적인 입체주의 형식을 실험하고 있는 동안, 혹은 이 실험 이전에도 마티스는 이미 새로운 회화적 공간을 창조하고 있었던 것입니다.
'하모니 인 레드'에서 그는 우주 탐험을 몇 단계 더 발전시켰다. 이르면 1908년부터 그는 <청색의 하모니>를 그리기 시작했고, 1909년 봄에 다시 그렸다. 여기에서 마티스는 1897년에 그린 "식탁"의 공식을 사용했습니다. 이 두 그림을 비교하면 작가의 작품에서 일어난 혁명이 극적으로 드러납니다. 사실, 이것은 그 10년 동안 현대 회화에서 일어난 혁명이었습니다. 분명히 첫 번째 그림은 견습생의 작품이었고, 상대적으로 보면 인상주의의 빛과 색상, 축소된 공간을 따랐으며, 20년 전 인상파가 만든 그림보다 더 전통적이었습니다. 이 작품마저도 국립살롱에 출품되자 보수주의자들은 인상주의에 오염됐다는 비난을 받기도 했다. "빨간색의 조화"에서 우리는 인상파나 심지어 고갱이 상상했던 그 어떤 것보다 더 낯설고 신비한 새로운 영역에 들어섰습니다. 그는 방의 내부 공간을 정의하기 위해 조정되지 않은 빨간색 블록만을 사용했습니다. 벽과 테이블 상판에 덩굴식물 패턴이 고르게 분포되어 있어 붉은색 블록이 그림과의 부착력을 높여준다. 추상적인 나무와 식물은 녹지 공간과 푸른 하늘을 돋보이게 하며 야외 풍경을 정의합니다. 꼭대기에 있는 빨간색 건물은 방의 색상을 반복하며 어떤 면에서는 풍경에 깊이가 있다는 환상을 심어줍니다. 마티스는 형식적인 원근법을 포기했지만 창틀, 왼쪽 전경의 의자, 테이블 위의 오브제, 테이블 가장자리를 감싸는 아라베스크 무늬 등 몇 가지 원근법적 터치를 추가했습니다. 본질적으로 색상과 선의 사용을 통해 Luxury 2보다 더 신선하고 뚜렷한 회화 공간의 세계가 만들어집니다.
사람들은 '춤'의 기원을 그리스 꽃병 그림이나 농민 춤에서 찾으려고 최선을 다해 왔습니다. 특히 이 모티프는 이전에 "삶의 기쁨"이라는 맥락에서 사용되었지만 그 그림에서는 인물들이 더욱 완전한 환각적 깊이 속에서 소용돌이치고 있었습니다. "댄스"의 색상은 제한되어 있으며, 땅은 강한 녹색, 하늘은 똑같이 강한 파란색, 캐릭터는 벽돌색입니다. 하늘과 땅의 컬러 블록은 전경의 캐릭터를 닫지만 여전히 공기가 잘 통하는 공간에서 여유롭게 춤을 춥니다. 이러한 공간은 색상의 대비와 병치, 그리고 그 자체의 윤곽과 형태, 그리고 멈출 수 없는 회전감각이 만들어내는 것이다.
빛에 따라 색상의 밝기와 순도가 달라지며 때때로 시각적 떨림이 발생하여 그림 전체가 춤을 추게 됩니다. "음악"은 "댄스"의 광신주의를 완벽하게 표현합니다. 정지된 정면 포즈를 취하는 이 캐릭터들은 서로 관련이 없으며, 이는 황홀하고 후퇴하는 톤을 만들어냅니다. 이 두 그림에서 그는 자신을 앞선 화가들의 목가적 세계를 변화시켰고, 이러한 변화를 20세기에 도입하면서도 본래의 매력과 신비로움을 유지했습니다.
마티스의 예술은 평생 동안 극도의 단순화와 장식적인 디테일을 번갈아 가며 나타나는 경향이 있었습니다. 그는 "춤"과 "음악"을 그린 후 실내, 특히 작업실 내부를 보여주는 여러 작품을 그렸습니다. 이 그림에서 그는 웅장한 동양 태피스트리에 대한 그의 사랑을 마음껏 발휘했습니다. 그는 1910~1911년에 스페인을 방문했고, 1911~1912년에 모로코를 방문했고, 1912~1913년에 다시 방문했습니다. 이러한 방문을 통해 그는 자신의 인생에서 가장 풍부하고 이국적인 풍경을 만들게 되었고, 밝은 색상의 느낌에 대한 그의 사랑을 확고히 하는 것처럼 보였습니다. 이 화사한 색채감은 이전에도 그의 그림에 나타났는데, 아마도 이것이 그의 작품을 다른 작품들보다 돋보이게 하는 하나의 특징이었을 것입니다.
'하모니 인 레드'에 비해 '레드 스튜디오'는 단순하고 통일된 컬러 원리를 크게 발전시켰다. 스튜디오 내부에는 바닥과 벽을 모두 덮고 있는 균일한 빨간색 블록이 있습니다. 흰색 선은 그림과 비스듬히 안쪽으로 뻗어 있고 그림과 거의 평행한 두 번째 선과 교차하여 방의 모서리를 형성합니다. 조각품을 담는 테이블, 의자, 찬장, 선반 등은 모두 흰색 선으로 윤곽이 그려져 있어 유령 같은 느낌을 준다. 확실한 마무리 작업은 벽에 걸거나 바닥에 쌓인 예술가의 그림이며 도자기, 조각품, 꽃병, 안경 및 연필도 있습니다. 1911년 마티스가 이 그림을 그렸을 때 피카소, 브라크, 그리고 다른 입체파 화가들은 약 5년 동안 그림 공간을 조직하고 축소하는 자신들만의 방식을 실험하고 있었습니다. 마티스는 이러한 아이디어에 영향을 받았지만 자신만의 해결책을 찾아야 했습니다. 그러나 아마도 분석적 입체주의 때문인지 그는 자신의 조직을 정면화된 직사각형으로 단순화했다. 레드 스튜디오는 마티스 자신만의 입체주의 형태의 시작을 알리는 곳으로, 이후에도 계속해서 그를 매료시켰습니다. 물체가 평면적이고 정면화되어 있지만 조각나거나 움직이거나 기울어지는 정도는 아닌 기하학적으로 단순화된 형태입니다. 진정한 입체파 작품에서는 일부 관객들에게 변화하는 시각적 경험이 연출되기도 했다.
마티스의 "피아노 레슨"은 훨씬 더 진지하며, 아마도 예술가의 입체파에 대한 가장 성공적이고 특징적인 여행일 것입니다. 이 작품은 사랑스러운 회색과 녹색의 평면, 장밋빛 붉은색의 경사면 등 기하학적인 색면의 크고 추상적인 배열이 특징입니다. 발코니의 철제 격자창과 피아노 보면대의 장식적인 곡선 패턴은 이 평면에 상쾌한 느낌을 줍니다. 아이의 머리는 선으로 되어 있어 조각적인 느낌을 줍니다. 배경에 앉아 있는 인물은 마티스의 조각 "장식된 인물들(Decorated Figures)"을 연상시킵니다. 이러한 현상은 그의 작품에서 많이 나타납니다. 이 모든 것이 환경을 명확하게 만듭니다. 여기에서 마티스의 입체주의 표현은 피카소, 브라크, 그리의 주요 특징인 움직이는 시선과 비스듬한 원근법이 없이 개인적인 스타일이 강합니다. 그림의 정면화, 기하학적인 색 블록, 지배적인 통일된 평면은 마티스가 몬드리안의 후기 비구상 그림과 추상 그림에 의존하고 있었음을 암시합니다. 그러나 그는 여전히 사물에 대한 의식과 생명력이 넘치는 공간에 대한 관심을 갖고 있다. 이러한 공간에서 등장인물들은 움직이고 숨을 쉴 수 있다는 것은 누구나 다 아는 사실이다. 과거에 대한 향수와 사색의 분위기가 이 그림의 핵심이다.
마티스도 피카소를 비롯해 형상화에 반대했던 많은 사람들처럼 1차 세계대전 종전을 전후해 다시 '온건한 상태'에 빠진 것 같았고, 자연으로부터 배워야 할 것 같았다. 다시 끊임없이 자기 개선을 위해 노력하십시오. 그는 큐비즘에 가장 가까웠을 때에도 자연의 묘사를 포기할 필요성을 결코 느끼지 못했습니다. 피카소처럼 그는 계속 모델을 그렸고 아름답고 과장되지 않은 초상화와 인물의 선화를 그렸습니다. 입체파로 나아가며 형태를 바꾸는 과정에서 그는 자유로운 스타일과 풍부한 색상으로 인물을 그렸습니다.
이 인물들은 실내나 풍경 속에 있는데, 이는 그의 야수파 그림과 매우 유사합니다. 1919년에 그는 다수의 채색화와 소묘를 그렸는데, 특히 20세기 초 이후의 어떤 그림보다 더 사실적인 몇몇 작품을 그렸습니다. "White Feather"는 상대적 사실주의의 새로운 시대를 묘사하고 있으며, 이와 관련된 선화도 있습니다. 모델은 노란색 옷을 입고 깃털 달린 모자를 쓰고 있습니다. 빨간색 배경에서는 그녀의 윤곽이 드러나 입체적인 현실감을 선사하며, 이는 감성적인 인물과 가장 독특한 얼굴 형태를 통해 구현된다. 고전적인 초상화로, 엄격한 선이 앵그르의 전통을 연상시킵니다. 그것은 그가 10년 전 그의 위대한 작품에서 했던 진술만큼 순수하고 단순한 또 다른 진술이었습니다. 이는 1920년대 초 노예 소녀의 또 다른 장식 붐을 일으켰습니다. 당시 마티스의 아름다운 색채 패턴은 그가 평생 도달하지 못한 정점에 도달했습니다. <장식적인 배경에 장식된 인물들>은 그의 작품 중 가장 로코코적인 스타일을 구현하고 있지만, 조각적인 누드 형태를 사용하여 그림에 매우 개인적인 변화를 주는 것은 그가 조각에 대한 관심을 계속 발전시켰음을 시사한다. 이 시기 그의 조각품과 그가 작업하던 석판화에는 이러한 입체적인 형상이 등장했다.
마티스의 채색화, 드로잉, 판화가 가장 조형적이었던 시절부터 그는 갑자기 극단적인 선주의로 변했다. 이는 1931년 펜실베이니아주 메리온에 있는 반스 재단(Barnes Foundation)이 의뢰한 댄스 테마 벽화에서 영감을 받은 것일 수 있습니다. 1931년과 1932년에 이 작품을 작업하던 중, 뜻하지 않게 공간의 치수가 잘못되었음을 발견한 그는 다시 작업에 착수하여 1933년에 두 번째 벽화를 완성했다. 첫 번째 벽화는 현재 파리의 프티 전시장에 보관되어 있습니다. 후자의