클래식 메탈에 대하여

범주: 엔터테인먼트 및 레저>>음악

문제 설명:

"YES" 밴드는 브람스 교향곡 4번의 유쾌한 악절을 직접적으로 사용하여 생생하게 전달했습니다. 클래식과 팝 음악을 함께합니다.

"Exquisite" 밴드는 또 다른 클래식 음악 거장 Dvořák에 관심을 갖고 있습니다. "Dvořák's Idea" 앨범 Here에서는 지체 없이 바흐의 "브란덴부르크 협주곡" 한 곡을 추가했습니다. .

"E-L-P"와 "오렌지 드림"("오렌지 드림"은 독일 밴드) 그들은 모두 무소르그스키의 "전람회의 그림"에 관심을 갖게 되었습니다. "Orange Dream"은 앨범의 첫 번째 곡으로 일렉트로닉 음악을 사용하여 "Pictures at an Exhibition"의 서곡을 쾌활하고 재미있는 오프닝으로 사용합니다. "E-L-P"는 단순히 전자 음악을 사용하여 "Pictures at an Exhibition"을 소개합니다. Pictures on the Top of the World'는 로큰롤 방식으로 처음부터 끝까지 재생됐다.

어떤 앨범 4개, 어떤 4곡을 온라인으로 듣거나 다운로드할 수 있는지 알고 싶다. 모두들 감사합니다

분석:

언급하신 밴드 중 YES만이 대세이고, 언급하신 곡들도 그들의 주류 작품은 아니고 순전히 그냥 그런 것 같아요. 재미를 위해 사용하기 때문에 찾기가 어렵습니다. 하지만 이 밴드의 정말 귀중한 앨범이 포함된 온라인 청취 URL을 알려드릴 수 있습니다. 모든 앨범을 다운로드할 수 있습니다:

vvpo/vvpo/ po_1134 (이것은 YES입니다) vvpo/vvpo/po_7616 (OPHELIA' DREAM)

vvpo/vvpo/po_5335 (ELP가 아니라 ELO에 대해 이야기해야 합니다)

다른 하나" I 정말 찾을 수 없네요. 영어 이름이 "THE NICE"라는 것만 알고 있습니다.

하지만 인터넷에 떠도는 소위 고전에 포스터가 흔들리면 안 된다고 생각합니다. 당신은 아트 록과 심포닉 메탈의 역사:

저자는 아방가르드/아트 록이 그들의 작업 개념과 측면에서 1960년대 후반 영국과 미국 록 밴드의 획기적인 발전을 기반으로 한다고 믿습니다. 전체적인 이미지. 유럽에서는 공간 개념에 기초한 실험적인 음악 스타일이 다른 스타일로 변했고, 이후에는 국립 음악파와 현대 음악의 영향을 받은 음악 형식이 되었다. 나는 그것에 대해 대략적인 정의를 내렸다: 이전 세대의 아트 록은 클래식 음악과 현대 문학의 요소를 기반으로 하며 앨범 개념의 사용에 중점을 두고 E.L.P를 대표하며 르네상스 록은 재즈와 사이키델릭의 융합이다. rock, 즉흥적인 효과와 새로운 사운드 개발에 중점을 두고 있으며 대표적인 대표자는 Yes와 King Crimson이다. 지난 수십 년 동안 음악 평론가와 음악 팬들은 지역, 시대, 음악 스타일에 따라 점점 더 다양한 밴드를 분류해 왔습니다. 다른 음악 유형과 마찬가지로, 일부 비평가들은 수명이 짧은 밴드도 있다고 지적합니다. 소위 아방가르드라고 불리는 로큰롤은 사실 상업화 추구와 집착으로 인해 실패한 절충적이고 부정확한 음악적 표현일 뿐이다. 이것이 어떤 현상을 설명할 수 있다고 생각하지만, 음악의 형식과 의미를 지속적으로 확장하고 심화하려는 재능 있는 음악가들의 노력, 그리고 그들이 달성한 결과를 부정해서는 안 됩니다. 관건은 여전히 ​​음악 자체가 시대의 흐름에 계속해서 발맞춰갈 수 있는지, 새로운 기술이나 새로운 아이디어에 의해 사라지지 않을 수 있는지에 있다. 왜냐하면 혁신적인 개념과 이론적 교리는 항상 검증되거나 평가될 수 있으며 시간이 지나도 그 가치를 잃지 않기 때문입니다.

프로그레시브/아트록이란 무엇인가요? 언제 시작되었고 누가 정의했는가? 모든 사람이 만장일치로 대답할 수는 없습니다. 좀 더 설득력 있는 출발점은 1967년 비틀즈가 발매한 Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band일 것이다. 왜냐하면 이 앨범은 이른바 '콘셉트 앨범'의 전신이기 때문이다. 가사를 보면, 타이틀곡(더 이상 인기가 없을 것에 대한 숨겨진 걱정)부터 다이아몬드를 품은 하늘의 루시(분출할 수 없는 외로움), 예순넷 살이 되었을 때(진정한 사랑에 대한 약간의 조롱)까지 다양하다. ), 마지막으로 실험곡인 피날레 'A day in life'(지루한 하루에 일어난 초환각적 사건)는 노후화에 대한 공포나 외로움이라는 현대문명증후군의 발생을 묘사하는 장면을 막연하게 연결한다.

당시 음반소매에 많은 공을 들인 최초의 작품이었다는 점은 말할 것도 없고, 시대적으로도 타의 추종을 불허한다. 음악 부분은 직설적인 헤비 록부터 부드러운 브레이크 비트의 노래 스케치까지, 마지막에는 한 겹씩 앞으로 나아가는 피아노 소리의 벽으로 갑작스럽게 끝난다. 마치 눈부신 음악 여행의 만화경을 경험하는 것과 같지만 내용의 진지함 때문에 사람들은 감히 직접 볼 수 없게 됩니다.

같은 해(1967)에는 바나나 앨범으로 알려진 또 다른 놀라운 성과가 있었다. Velvet Underground는 또한 선구적인 음악과 컨셉으로 미국 동부 해안 지역을 선도하고 있습니다***. 그들이 얼터너티브 록의 선구자라는 사실은 중요하지 않습니다. 5년이라는 짧은 기간 동안 각 멤버는 앞으로의 음악 경력에서 더 많은 성과와 지위를 갖게 됩니다. 영국의 우아함이나 섬세함에 비해 VU는 오히려 좀 더 현실적이고 노골적인 화이트 실험적 노이즈나 블랙 유머 가사로 아방가르드 예술(아방가르드)의 다양한 분야로 공간을 확장하고자 한다. 음악의 강력한 대비와 더불어 앤디 워홀의 앞선 미학적 개념이나 매혹적인 기질의 여성적 위치지정(루 리드+니코)은 팝아트와 포스트페미니즘 운동의 장을 제공한다. Frank Zappa와 The Mothers of Invention은 1967년에 출시된 전복을 계속해서 사명으로 삼았습니다. 단순한 R&B와 두왑의 어리석은 사랑 노래에서 개인 관계를 은유적으로 반영하는 길고 부조화한 음악 콜라주로 발전했습니다. 사회적 거리두기. 이는 록 음악이 매우 진지한 주제를 가질 수도 있지만, 밴드의 복잡하고 무질서한 조직을 유머러스하고 혼란스럽게 표현할 수도 있지만 그것에 만족하는 것이 국가 기계에 대한 가장 심오한 풍자임을 증명한다.

1967년이 실제로 프로그레시브 록의 원년이었다는 증거도 많이 있습니다. 영국 버밍엄 출신의 무디 블루스(Moody Blues)는 의도치 않은 녹음 스튜디오 계약으로 인해 단순한 R&B 밴드에서 심포니와 록을 결합한 선구자로 변모했습니다. Days of future pass는 하루 중 시간에 따라 트랙 시퀀스를 진행하며, 더 중요한 것은 실제 심포니 오케스트라를 초대하여 동행한다는 것입니다. Jimi Hendrix Experience의 첫 번째 앨범 Are You Experienced는 기타를 이런 방식으로 연주할 수 있다는 것을 세상에 보여주었습니다. 인내심을 가지면 전혀 예상하지 못한 소리를 들을 수 있습니다. 프로콜 하룸(Procol Harum)의 첫 번째 앨범 A Whiter Shade Of Pale은 강렬한 초현실주의적 색채를 지닌 시인들을 초대해 작품 가사를 썼다. 로큰롤도 문학과 결합될 수 있다는 사실이 밝혀졌다. 엄밀히 말하면 제퍼슨 에어플레인(Jefferson Airplane)은 아방가르드 록은 아니지만 초현실적 필로우(Surrealistic Pillow)는 즉흥성과 무대 효과를 강조하는 사이키델릭 록이 아방가르드 록의 떠오르는 스타들에게 영감을 준 브랜드라고 볼 수 있습니다. 위의 작품들은 모두 1967년에 출판되었습니다.

1967년 이후 영국을 중심으로 아방가르드 록(타인에게 인정받거나 스스로 주장하는 것을 포함)의 경향이 걷잡을 수 없이 확산됐다. 그렇습니다. 멤버들 각자가 각자의 재능을 가지고 있지만 그것을 따라잡기 위해 너무나 열심히 왔다갔다하지만, 그들은 30년 넘게 원래의 이름으로 계속 활동하고 있으며 그 명성은 매우 높습니다. 아직 온전한 상태입니다. 킹 크림슨의 인사 변화에 대한 설명은 책 한 권을 채울 만큼 길다. 초창기에는 악기도 관악기에서 현악기, 건반 악기로 바뀌었고, 음악 스타일도 재즈에서 헤비메탈로 바뀌었고, 태도도 달라졌다. 현재 배열 구조에 대한 사운드 실험. 영혼의 인물 로버트 프립(Robert Fripp)이면 충분할 것 같습니다. 피터 가브리엘 시대에는 제네시스의 무대 효과가 흥미로웠고, 공연할 때마다 사람들을 놀라게 했지만, 안타깝게도 사람들은 그들이 엄격한 구조와 아름다운 멜로디로 만들어낸 음악을 간과하곤 했습니다. 캔터베리 출신으로 지역 재즈 + 포크 + 사이키델릭 록 운동을 선도하는 Soft Machine은 아마도 역사상 가장 과소평가된 재즈 록 밴드일 것입니다. 각 앨범마다 인원이 변경되지만 모두 즉흥적인 스타일과 비틀린 퍼포먼스를 선보입니다. 핵심 멤버인 Robert Wyatt와 Kevin Ayers는 여전히 음악계에서 존경을 받고 있습니다. 에머슨(Emerson), 레이크(Lake), 팔머(Palmer)는 유명 슈퍼스타 3인으로 구성된 슈퍼 그룹으로, 포크음악을 커버한 작품이 꽤 인기를 끌고 있다.

Jethro Tull은 블루스와 하드 록을 기반으로 심오하고 신비한 음악 컨셉을 선호하며, 물론 Ian Anderson의 독특한 플루트도 선호합니다. 반더 그라프 제너레이터도 규칙을 따르지 않고 카드놀이를 좋아하는데, 주인공 피터 해밀의 드라마틱하고 상상력 넘치는 목소리가 인상적이다. 르네상스의 화려한 피아노 연주와 소프라노 보컬 애니 하슬람(Annie Haslam)의 연주는 일반 록의 남성적인 분위기와는 전혀 다른 풍미를 지닌다. 젠틀 자이언트는 자유로운 연주 실력과 히스테리한 영국식 노래를 선보입니다. 트래픽(Traffic)은 사이키델릭, 영국 전통 포크 음악, 재즈를 결합한 작품입니다. 미대륙의 오케스트라들은 장황한 연주나 예측할 수 없는 배치로 승리하는 것이 아니라, 음악 그 자체에 담긴 폭발적인 힘과 독창성을 조합하여 승리한다. 캐나다 출신의 폭발적인 3인조 러쉬(Rush)는 프로그레시브 메탈의 탄생을 예견했고, 미국의 캔자스(Kansas), 보스턴(Boston), 스틱스(Styx)는 예술과 비즈니스의 절충을 목표로 삼았다.

유럽 대륙, 특히 독일도 프로그레시브 록에 많은 공헌을 했습니다. 소위 크라우트 록(Kraut Rock) 밴드로는 펑키한 음악적 요소를 접목한 캔(Can), 독일 벨벳 언더그라운드로 알려진 실험적인 노이즈 마스터 파우스트(Faust), 1980년대 새로운 로맨틱 키보드 댄스 음악 스타일을 예견한 크라페르크(Kraferk), 탠저린 드림(Tangerine Dream) 등이 있다. 일렉트로닉 및 앰비언트 음악의 선구자. 합성 악기 사용에 대한 초기 탐구부터 재즈와 최소한의 편곡을 혼합하는 독특한 개념에 이르기까지 그들은 후기 포스트 록에 영감을 주었습니다. 재즈와 록을 많이 연주하는 네덜란드의 순수 악기 밴드인 Focus, 소프라노 벨칸토와 악기 음향 효과를 결합한 Earth & Fire와 같이 실제로 우리의 관심을 끌 만한 덜 주류인 유럽 국경 지역도 있습니다. 실험, 조화, 오케스트레이션 이 곡은 초기 Yes의 Kayak과 매우 유사합니다. 벨기에의 Univers Zero에는 약간의 고딕 양식의 절제미와 미니멀리즘이 담겨 있습니다. 프랑스에는 샤일록으로 발전한 퓨전(Fusion)이라는 장수 교향악 연주그룹이 있고, 전 소프트머신 멤버들도 포함된 다국적 그룹 공(Gong)도 퓨전재즈를 연주하고 있다. 그리고 드러머이자 작곡가인 Christian Vander가 이끄는 전설적인 그룹 Magma는 1960년대 중반 Bartok과 Stravinsky의 작곡 정신과 John Coltrane의 즉흥 연주 스타일을 침투시킵니다. Magma의 진정한 의미는 라이브 공연에서만 볼 수 있습니다. 많은 학술 작곡가들도 록 음악 문화나 아방가르드 운동에서 어느 정도 영감을 받아왔습니다. 1970년대 이후 아방가르드 음악은 다른 형태의 예술적 표현(영화, 연극 등)의 충돌을 통해 다양한 가능성을 더해 왔습니다. . 어쩌면 더 이상 로큰롤이라고 부르지 않을지도 모르겠습니다. 다양한 크로스오버나 괴테 미학의 재현, 단순한 미학을 강조하는 미니멀리즘 등은 기존 음악 스타일을 점점 더 분류하기 어렵게 만들고 있습니다. 후자의 경우 Mike Oldfield의 Tubular Bells와 Steve Reich의 Music For 18 Musicians가 벤치마크 역할을 할 수 있습니다.

저자는 아방가르드 록이라고 할 수 없는 또 다른 것에 대해서도 이야기하고 싶지만 아방가르드 음악 팬들은 그것을 토론에 포함시키기를 좋아하는데, 그것은 소위 퓨전 음악이다. 주로 록(FUSION)과 블렌딩됩니다. Miles Davis는 1960년대 후반에 여러 클래식 퓨전 재즈 앨범을 발표하여 초기 재즈의 어려움을 극복하려고 노력했습니다. 이를 통해 전통적인 재즈 연주자들은 플러그인된 재즈가 역동적이고 창의적일 수 있다는 것을 이해할 수 있었습니다. 그 이후로 Miles Davis Quartet의 많은 음악가들이 실험의 길을 떠났습니다. 아마도 그것은 비밥(Be-Bop), 프리폼(Free-form) 등 형식과 의미에 대한 실험을 겪은 후 재즈 음악이 필연적으로 발전해 온 경로 때문일 수도 있고, 많은 거장들이 상업 시장에 합류하는 반항적인 발현일 수도 있다. 그러나 나는 적어도 1970년대 중후반 이전에는 뛰어난 퓨전 플레이어 그룹이 가능한 개발 방법을 찾고 있었다는 것을 항상 믿었습니다. 음악 스타일로는 라틴 음악과 파격적인 록의 융합, 칙 코리아, 리턴 투 포에버 등 이성적이면서도 감성적인 음악을 선보일 수 있다.

지미 헨드렉스 못지않게 유명한 기타리스트 존 맥라플린과 그가 이끄는 대규모 마하비슈누 오케스트라는 블루스 록부터 심포니 오케스트라와의 결합, 마침내 인도 음악까지 더해진 영향력 있는 이름들이다. 올스타 퍼포먼스 그룹이자 팝 음악의 선구자인 웨더 리포트(Weather Report)도 있지만, 초기 앨범의 선구적인 성격도 마찬가지로 매력적이다. 그 밖에도 재능 있는 드러머 토니 윌리엄스가 이끄는 라이프타임(불과 몇 년 전에 세상을 떠났다), 어쿠스틱 기타를 잘 연주하는 래리 코리엘이 이끄는 Eleventh House(가족은 모두 음악 연주자) 등 흥미로운 그룹도 있다. Oregon and Beyond. 월드뮤직의 퓨전으로 유명한 오레곤은 록음악의 활력과 재즈의 편안함을 잘 연주하는 곳이다. 물론 뛰어난 연주 실력도 있는데, 특별한 스타일을 좋아하는 록 팬들이 듣지 못하는 게 아쉽다.

아시아에는 단일 국가 경제 규모가 세계 2위인 일본에도 창의성과 기발함의 경계에서 수많은 새로운 것을 만들어낸 사람들이 있다. 보다 주류적인 측면에서는 호소노 하루오미(Hosono Haruomi), 마츠모토 타카시(Matsumoto Takashi), 스즈키 시게루(Suzuki Shigeru) 등이 설립한 해피엔드(Happy End)가 일본 발라드 사운드와 서양 록 연주를 결합한 최초의 마법 그룹이었습니다. 실험적인 코미디를 사명으로 하는 무기한 그룹 Tin Pan Alley는 아열대 스타일이 강한 펑키 재즈 앨범을 시리즈로 발표했습니다. 이후 사카모토 류이치, 다카하시 유키히로와 함께 창의적인 깊이와 실험적인 우아함 측면에서 크라퍼크에 이어 두 번째인 일렉트로닉 트리오 옐로우 매직 오케스트라를 결성했습니다. 호소노의 솔로 활동 이후 앨범 스타일은 더욱 눈부시다. 애니메이션 영화 소스 스토리의 사운드 트랙을 대체한 1980년대부터 앰비언트와 테크노 댄스 음악으로 변신한 1990년대까지 그의 선구적인 위상은 의심할 여지가 없다. 한편, 이단을 대표하는 도쿄의 얼터너티브 레이블 P.S.F.는 너무 시끄러워서 죽이기 힘든 사이키델릭 노이즈 작품을 전문적으로 발매하고 있다. 그들은 1970년대 유럽과 미국의 크라우트 록(Kraut Rock)과 스페이스 록(Space Rock)의 영향을 받았고, 표지 디자인과 악기 사용에 동양적 예술적 개념의 기묘하고 신비한 분위기를 더했다. 대표단에는 Oriental Sara, High Rises, Acid Mothers Temple이 포함되었다. , Musica Transonic (난조) 마렌 + 카와바타 + 요시다 타츠야). 그 밖에도 서양에 알려지게 된 극도로 무서운 소음 괴물로는 그라운드 제로(오토모 요시히데), 메르즈보우(아키타 마사미), 그리고 많은 작품 목록을 보유한 하이노 케이지 등이 있습니다.

프로그레시브 록의 1세대는 1960년대 중후반 학계 음악가 집단의 시도에서 1970년대 백 학파의 논쟁으로 발전했고, 결국 쇠퇴했다. 펑크의 부상. 창작의 피로감에도 이유가 있을 수 있지만, 단일 밴드의 장기적인 성과와는 별개로, 창작을 자신의 경력으로 삼으려는 떠오르는 스타들이 있었습니다. 정의된 음악 스타일이 변했을 수도 있지만 정신은 변하지 않을 것입니다. 저자는 이러한 스타일의 음악이 혁신적이지 못해서 멸시받고 활력을 잃었기 때문이 아니라, 당시의 음악적 가치에 반하는 또 다른 반작용이 원인이었기 때문이라고 믿는다. 각 음악 스타일에는 일반적으로 고유한 라이프 사이클이 있으며, 무대의 끝은 당시 사회 트렌드의 변화로 인해 발생합니다. 10년이 넘는 개발 기간 동안 많은 실험과 다양한 새로운 악기의 사용, 다양한 퓨전 스타일, 음악 구조의 확장, 컨셉 앨범의 활용이 있어 수많은 음악 팬들에게 새로운 컨셉과 스타일을 선사했습니다. 선도. 그러므로 그들은 또한 후속 음악 트렌드에 대한 창의성의 원천을 제공합니다.

1980년대 이후 기존 그룹 예스 캔자스(Yes 캔자스), 킹 크림슨(King Crimson), 핑크 플로이드(Pink Floyd)는 계속해서 앨범을 발매했다. 새로운 상황. 단면으로 보면 당시에 등장한 IQ, 마릴리온, 팔라스 등 이른바 네오프로그레시브 록도 속속 등장했다가 짧은 시간 안에 재탄생한 것처럼 보인다. 1990년대부터 현재에 이르는 아방가르드 왕조는 일시적인 파문에 불과했음을 말해 주는 것 같지만, 지금 가장 유행하는 것은 다양한 음악 스타일의 장벽을 허물고 이를 재구성하고 콜라주할 수 있는 가능성이다. .

전자 합성 악기의 사용, 믹싱 엔지니어링(앰비언트 또는 빅 비트 또는 테크노 또는 트랜스), 네오 사이키델릭(neo-pschedelic) 등 어떤 방식으로도 분류할 수 없으며 그냥 포스트 록(post rock)이라는 라벨만 붙이면 됩니다. 그러나 세기말의 아방가르드 경향은 누가 보장할 수 있는가? 아방가르드 음악은 죽은 것이 아니라 실험적인 기법과 대중적인 트렌드의 변화일 뿐이라고 생각합니다. 비록 시장의 주류는 아니지만 대부분은 여전히 ​​한걸음씩 전진하고 있습니다.

마지막으로 언급하고 싶은 것은 최근 아방가르드계에서 프로그레시브 메탈의 부흥이다. 실제로 다양한 음악 스타일을 폭넓게 통합하거나 복잡한 개념을 부여할 수 있는 메탈 작품이 메탈 작품을 만드는 것이다. 사람들은 그것을 기대하고 있습니다. 록 음악이 더 이상 대중 음악을 지배하지 못하는 오늘날, 이론적으로 더 선율적이어야 하는 프로그레시브 메탈은 전 세계적으로 수많은 열렬한 팬을 보유하고 있습니다. 이들 밴드 대부분은 러쉬(Rush), 퀸(Queen), 제네시스(Genesis) 등의 영향과 불가분의 관계에 있지만, 대부분 서사구조를 고려한 더욱 강력한 작품을 만들어낼 수 있다. 더욱 특별한 점은 중부유럽, 북유럽, 남부유럽, 남미, 동아시아 등 지역적 특성을 지닌 많은 그룹들이 그들만의 로컬 사운드를 발전시켜 시장에서 자리를 잡을 수 있다는 점이다. 영국과 미국의 전통적인 주류 발상지이며, 메탈 음악을 하나의 그리드로 자연스럽게 만듭니다. 다문화적 관점이 강조되는 것은 커뮤니케이션 매체의 발달과 실체적 경계의 모호화 때문이기도 하다. 이는 지구촌에 대한 마샬 맥루한의 예측을 반영하는 것일 수도 있다. 물론 장기적으로 성공할지는 오케스트라의 연주에 달려 있다.

긴급하게 논의해야 할 질문은 아트록이 어떤 예술성을 갖고 있는지, 아니면 어떤 가치를 갖고 있는지이다. 초기에 일부 아트 록 밴드는 단순히 그리그, 바흐, 브람스, 드뷔시 등 클래식 음악가의 작품을 모방하여 기타, 베이스, 드럼 뒤에 오케스트라 음악을 추가하거나 전자 신디사이저를 사용하여 록 음악 형식을 사용했습니다. 오케스트라 음악을 모방하고, 클래식 음악의 거대한 구조를 활용합니다.

이것은 록을 예술로 만드는 아주 쉬운 방법인 것처럼 보이지만 결국 사람들에게 예술적인 느낌만 남기게 됩니다. Yes, ELO, Deep Purple 등 밴드의 초기 작품에 등장.

마지막으로 브람스를 소개하겠습니다.

'신고전주의'로 알려진 브람스(De Brahms. Lohannes, 1833-1897)는 전통 형식에 관심이 많았습니다. 혁신적인 낭만주의 음악 학교에서 나온 4개의 교향곡은 음악적 아이디어의 구조와 처리 측면에서 클래식 음악으로의 회귀입니다. 작품들은 제목을 거의 사용하지 않고, 클래식 음악의 형식과 낭만주의 음악의 내용을 차용하고 있으며, 클래식 음악과 낭만주의 음악의 이중성을 갖고 있다. 그의 작품은 클래식 음악에 전념했으며 동시대 사람보다 베토벤의 정신에 더 가깝습니다. 그는 독일의 마지막 클래식 음악 작곡가였습니다. "그는 자신의 악기 작품에서 모든 화려한 장식과 공허한 수사법을 가차 없이 제거했으며, 특히 현대 관현악의 감각적이고 다채롭고 아름다운 소리에 반대했습니다. 그는 다성음악과 변주 기법을 마음껏 활용했으며, 주요 주제는 종종 ' 고정' 음악은 고정된 음악적 아이디어를 발전시킬 때 클래식 음악의 중요한 기술 중 하나인 변주곡을 사용하여 교향곡의 구조에 새롭고 응집력 있는 요소를 추가합니다. 그 교향곡은 베토벤의 음조 관계의 원리를 유지합니다. 진정한 낭만주의 교향곡에는 이러한 원칙이 분명히 빠져 있습니다." ("History of Western Music Culture in the Nineteenth Century" pp. 219, 250) 브람스는 4개의 교향곡을 작곡했는데, 각 악장의 구조와 주제는 클래식 음악과 유사하지만, 폭넓고 서정적인 선율, 기이하면서도 환상적인 서사적 시적 기질, 성공적인 조화와 관현악적 색채 등은 모두 낭만주의 음악에 바탕을 두고 있다. 서정성과 클래식 음악형식의 모순을 훌륭하게 해결한 실력.

마지막으로 저는 개인적으로 심포닉 메탈을 더 좋아합니다. 심포닉 메탈의 창시자이자 제가 가장 좋아하는 메탈 밴드 중 하나인 THERION을 제가 알려드린 웹페이지에서 찾아보세요.