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새로운 할리우드 영화와 독립 제작

1960년대 중반에는 '사운드 오브 뮤직'(1965), '닥터 지바고' 등 다수의 영화가 등장하면서 (1965)가 등장하면서 할리우드 영화계는 번영하는 모습을 보였다. 불행하게도, 좋은 시절은 오래 가지 않았고, 곧 문제가 나타났습니다. 과거에 그러한 영화를 구입했던 TV 네트워크는 더 이상 그러한 영화를 구입하는 데 많은 돈을 지출할 의향이 없었기 때문입니다. 미국 영화 산업은 매년 평균 약 10억 개의 박스오피스 티켓을 잃었습니다(이 수치에는 가정용 비디오 레코더의 대중화 이후 더 큰 영향은 포함되지 않음). 1969년까지 할리우드는 평균 2억 달러 이상의 티켓을 잃었습니다. 연간 달러.

할리우드 제작진들은 대책 마련에 안간힘을 쓰고 있다. 한 가지 반응은 젊은 관객을 대상으로 한 "반문화" 영화를 제작하는 것이었고, 아마도 가장 영향력 있고 인기가 있었던 것은 Dennis Hopper의 저예산 영화 Easy Rider(1969)일 것입니다. 미국 영화 산업의 회복에 실제로 도움이 된 것은 젊은 감독들이 감독한 일련의 영향력 있는 영화였으며, 그중 가장 성공적인 작품은 다음과 같습니다. 프란시스 코폴라의 "대부"(1972); William Frandken의 "The Exorcist"(1973); Steven Spielberg의 "Jaws"(1975) 및 Close Encounters of the Third Kind(1977); John Carpenter의 All Hallows' Eve(1978), George Lucas의 American Graffiti(1973) 1977) 및 Empire "Strike Back"(1980)이 있습니다. 이 밖에도 브라이언 드 팔마(Brian De Palma)의 '다크 엔젤(Dark Angel)'(1976), 마틴 스코세이지(Martin Scorsese)의 '택시 드라이버(Taxi Driver)', '성난 황소(Raging Bull)' 등도 언급돼 평단의 주목을 끌기도 했다.

이 그룹의 감독들은 다른 유사한 감독들과 함께 '영화계 청년'으로 불리며 점차 대기업 출신의 기성 감독들을 대체해 왔다. 이들 젊은 감독들 대부분은 뉴욕대, 서던캘리포니아대, 캘리포니아대 로스앤젤레스 등 다양한 영화학교를 졸업했다. 그들은 영화 제작 기술을 습득했을 뿐만 아니라 영화 미학과 영화사도 배웠습니다. 초기 헐리우드 감독들과는 달리 이 젊은 감독들은 유명 영화와 영화사에 등장한 유명 감독들을 잘 알고 있다. 영화학교를 다니지 않은 이들도 박식하고 고전적인 할리우드 전통에 대한 감탄으로 가득 차 있다.

전작 프랑스 <뉴 웨이브>처럼 영화에 열광한 젊은 감독들이 개성 강한 영화를 다수 배출했다. 이 "영화 산업 종사자" 그룹은 전통적인 영화 장르의 스타일을 따르지만 개인화된 터치를 많이 추가합니다. 예를 들어, '아메리칸 그래피티'는 젊은이들이 가장 좋아하는 뮤지컬일 뿐만 아니라 1960년대 캘리포니아에서 성장한 루카스의 성찰이기도 하다. 영화 '대부'에서 코폴라는 카메라를 이탈리아계 미국 가정의 깊숙한 곳으로 가져가 그 내면의 기쁨과 슬픔을 엮었습니다. 시나리오 작가 폴 슈레이더(Paul Schrader)는 폭력과 성에 대한 자신의 관찰과 성찰을 <택시 운전사>, <성난 황소>의 각본과 자신의 영화 <하드코어>(1979)에 접목시켰습니다.

영화가 영화의 주요 부분이 되었기 때문입니다. 이들 젊은 감독들의 삶에서 볼 때, 드 팔마의 영화 중 다수는 히치콕의 영화, 특히 "엣지 오브 파트 8"(1980)을 바탕으로 하고 있으며, 이는 분명히 "사이코"(1960)의 복제품입니다. Peter Bogdanovich의 What's Next?(1972)는 Howard Hawks의 Bringing Up Baby와 특히 유사한 열광적인 코미디입니다. 카펜터의 '13구역 공격'(1976)은 부분적으로 호크스의 '리오 브라보'(1932)에서 추적할 수 있는데, 여기서 주연 배우 존 웨인도 호크스의 서부영화에서 주연을 맡았다.

동시에 당시에는 이탈리아 감독 비스콘티와 영국 감독 마이크 파월 등 많은 시각적 표현 기법을 끌어낸 마틴 스코세이지 등 유럽 영화의 스타일에 감탄한 감독들도 있었다.

아마도 가장 유명한 예는 현실과 환상을 통합하려는 영화인 Antonioni의 Blow-Up(1966)을 기반으로 한 신비한 이야기인 Coppola의 The Conversation(1974)일 것입니다. Robert "Altman"과 Woody Allen은 Altman의 "Three Women"(1977) 및 Woody Allen의 "Inside Me"(1978)와 같은 유럽 영화의 "영양"하에 창의력을 마음껏 발휘했습니다. 잉마르 베리만의 작품에 깊은 영향을 받았습니다.

알트만과 우디 앨런은 이미 기성세대에 속하지만, 이 '영화계 인사'들 사이에서 이 시대의 성공한 감독들이 계속해서 등장하고 있는 루카스와 스필버그는 가장 강력한 영화 제작자가 됐다. 그들 중 인디애나 존스 시리즈를 함께 작업했으며 할리우드의 신세대 사이에서 독특한 개인 스타일을 형성했습니다. 코폴라는 자신의 제작사를 유지하는 데 실패했지만 의심할 여지 없이 가장 중요한 감독으로 남아 있습니다. 스콜세지의 명성은 나날이 커져갔고, 1980년대 후반에는 미국의 살아있는 영화 예술가들 중 영화 평론가들로부터 가장 선호받는 인물이 되었다.

1980년대에 이 새로운 재능의 예술가 집단은 사회적 인지도를 얻으며 '새로운 할리우드'를 창조했습니다. 많은 히트작이 루카스와 스필버그에게서 나왔지만, 더 젊어 보이는 다른 성공적인 감독들도 많았습니다. 제임스 카메론의 터미네이터 I(1984)과 터미네이터 II(터미네이터 II라고도 함)(1991). ), 팀 버튼의 "배트맨"(1989), 로버트 저메키스의 "백 투 더 퓨처"(1985), "누가 로저 래빗을 모함했습니까?"(1988) 1993년과 1994년에 두 편의 놀랄 만큼 성공적인 영화가 할리우드를 부활시켰습니다: 스필버그의 "쥬라기". 박'과 저메키스의 '포레스트 검프' 등이 있다.

주류 상업영화의 부활은 영국의 토리 스콧과 리들리 스콧, 호주의 피터 위어, 인 등 해외 감독들이 다수를 차지하는 할리우드 외 영화예술가들의 그룹 덕분이기도 하다. 1980년대에는 프레드 세피스(Fred Sepis), 독일의 볼프강 피터슨(Wolfgang Peterson), 핀란드의 폴 월헤이븐(Paul Walhaven), 핀란드의 렌레 할링(Lenle Harling) 등의 여성 영화 예술가들도 인기를 끌었습니다.

원래 독립제작자였던 감독 집단도 언론의 자금을 활용해 대중에게 친숙한 영화배우를 캐스팅하는 등 주류 상업영화 제작으로 전환했다. 데이빗 리치(David Leitch)는 심야영화 '이레이저헤드(Eraserhead)'(1978)에서 상대적으로 고전적인 영화 '블루 벨벳(Blue Velvet)'(1986)을 찍었고, 캐나다인 데이비드 콘버그(David Kornberg)는 저예산 공포영화나 '스릴러'(1975) 같은 스릴러 영화를 잘 찍는다. ), "The Dead Zone"(1983) 및 "The Fly"(1986)는 광범위한 호평을 받았습니다. '뉴 뉴 헐리우드'는 독립 프로듀서들 사이에서도 일부 소수 감독들의 관심을 끌었다. 왕잉은 '실종된 첸'(1982), '스모크'(1995), 스파클 리의 '그것' 등의 영화로 성공한 아시아계 미국인 감독이다. Comes True"(1986) 및 "Malcolm X"(1992)는 Regina Hudlin의 "House Party"(1990), John Sain Leighton의 Boyz and the Gang(1991), Mario Piper의 New Jack City와 같은 아프리카계 미국인 감독 그룹을 대표합니다. (1991)

물론 독립 제작의 길을 고집하며 제작사와 거리를 두고 방관하는 감독 집단도 있다. 움직이는 카메라를 통해 사무직 노동자의 기이함을 표현하는 서사적 방식, 앨리슨 앤디는 반항적인 젊은 여성에 대한 현대적인 탐구를 제공하거나 "주유소 하숙집"(1992)과 같은 작은 마을 환경 또는 큰 도시의 중심을 배경으로 합니다. "Mivida Rocca"(1994)와 같은 도시; Lesni Harris의 "Just Another Girl from IRT L"(1994)은 교외 지역의 유색 인종 여성 문제를 다루는 것에 더 가깝습니다.

스타일- 즉, 1970년대와 1980년대는 별도의 영화 장르를 형성하지 않았으며, 이들 젊은 감독들 대부분은 편집의 매끄러움, 시대적 변화의 명확성, 플롯 구조의 전개 등 미국 고전 영화의 전통을 주로 이어가고 발전시켰다.

일부 감독은 할리우드의 전통적인 스토리텔링 전략을 풍부하고 강화하기 위해 역동적이고 새로운 시각적 표현 기술을 사용하기도 합니다. 스필버그는 <죠스>를 시작으로 <시민 케인>으로 이어지는 딥 포커스의 전통을 효과적으로 활용했다. 루카스는 영화 '스타워즈' 촬영 과정에서 영화 미니어처 사진의 모션 제어 기술을 개발했고, 그의 영화사 '일렉트릭 팬텀 스튜디오'도 새로운 특수효과 분야의 선두주자가 됐다. 일렉트릭 팬텀 프로덕션(1LM)의 합류로 저메키스는 영화 '포레스트 검프'에서 디지털 기술을 활용해 영상을 제작했고, 스필버그와 루카스도 디지털 기술을 활용해 사운드 기술을 향상시키는 데 앞장섰다. 피트 길이.

일부 신규 진입자가 할리우드에 합류하면서 기존 주류 상업영화의 전통적인 형식과 스타일, 서사 방식이 더욱 풍성해지고 강화됐다. 우리는 이미 이 책의 11장에서 Spark Lee의 영화에 대한 논의에서 구체적인 예를 보았습니다. 또 다른 유사한 예는 Wang Ying의 The Joy Luck Club(1993)입니다. 네 명의 이민자 어머니와 그들의 미국화된 네 딸의 삶을 보여주기 위해 영화는 <시민 케인>의 기억 문단의 서사적 원리를 따른다. 미국, 그리고 그들 각각을 위해 상당한 길이의 플래시백 샷이 디자인되었으며, 영화는 각 어머니의 플래시백 샷과 함께 줄거리 구조를 더욱 설정했으며, 각 딸의 미국 생활에 대한 기억은 플래시백으로 이루어져 풍부한 병렬 시리즈를 만들어 냈습니다. 현실과 환상 사이의 주제. 때로는 어머니와 딸의 병치가 뚜렷한 대조를 이루기도 하고, 때로는 두 세대 간의 유사성을 강조하기 위해 서로 혼합되기도 합니다(그림 12.35). 이들 여성은 언제나 관객이 내러티브 이상의 의미를 느끼게 만든다. 또한 왕잉과 촬영감독은 플래시백의 전통을 활용해 영화의 감정적 효과를 더욱 높였다. Scorsese의 Taxi Driver, Raging Bull 및 The Age of Innocence(1993)에서 제작된 Palma는 감정적 영향을 증폭시키기 위해 카메라 움직임과 슬로우 모션을 사용하여 훨씬 더 눈에 띄게 문체화되었으며 롱 테이크, 정교한 구성 및 멀티 카메라 설정을 과시했습니다. La는 "Fighting Fish"(1983)에서 흑백 사이의 빠른 전환, 단일 샷의 전경과 배경 모두에 마이크를 사용한 대화 음향 효과 사용, "The Cotton Club"에서는 오래된 특수 효과 사용을 실험했습니다. (1984). 시대적 분위기를 전달하기 위해.

코엔 형제는 각 영화에서 영화적 표현의 원천을 탐구하려고 노력합니다. 애리조나"(1987), 전면과 후면 배경의 고속 추적 사진과 왜곡된 광각 클로즈업이 결합되어 연재만화 같은 과장된 스타일을 만들어 낸다(그림 12.36). 어쨌든 비슷한 노력은 그램에서도 나타났다. Reg 아라키의 로드무비 인생의 끝(1992). "Faithful"(1991)과 같은 영화에서 Hal Hartley는 슬랩스틱 같은 플롯 구조를 약화시켜 느린 사색적 클로즈업과 활력 넘치는 전면 및 후면 구성을 통해 이를 표현했습니다(그림 12. 37). 기업 영화가 전통적인 할리우드로 복귀한 것은 1970년대와 1980년대였습니다. 이때 재능 있는 젊은 감독들이 고전 할리우드의 규칙을 현대 관객의 취향에 맞게 조정했습니다. 동시에 이곳에서는 활발한 독립 제작 전통도 형성되었습니다. 영화팬, 젊은 관객, 소수민족 관객을 중심으로 독자적인 관객층을 확보하고, 현실적으로는 주류 상업영화와는 다른 경험과 의미를 추구하고자 노력하는