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분석은 다음과 같습니다.

인문주의는 인류 사회의 각종 문화 현상을 가리킨다.

인문촬영은 이름에서 알 수 있듯이 사람이나 사람의 활동을 촬영 대상으로 한다.

현재이 용어는 일반적으로 예술 사진 활동에 사용됩니다. 인문촬영은 분명히 인류문화의 선진화, 우수, 건강 내용을 반영할 수 있는 작품을 말한다. 이 작품들은 독자의 마음을 감동시켜 독자들이 사랑, 배려, 숭상심 속에서 저자와 공감하게 할 수 있다.

정물촬영

정물촬영은 인물 촬영과 풍경 사진에 비해 무생물이다. (이 무생물의 개념은 바다에서 잡은 물고기와 새우, 고른 과과 등 상대적이다.) (알버트 아인슈타인, Northern Exposure (미국 TV 드라마), 예술명언) ) 및 자유롭게 이동하거나 결합할 수 있는 인공 물체를 표현 대상으로 사용합니다. 공업이나 수제품, 자연무생명물체 등을 촬영 소재로 많이 합니다.

피사체의 고유한 특징을 실감나게 반영한 결과, 창작 구상을 통해 구도, 빛, 색조, 색채 등 촬영 수단을 결합해 피사체를 예술미를 지닌 사진작품으로 표현했다. 정물촬영이라고 합니다.

정물 촬영은 재료 선택에 광활한 천지를 가지고 있다. 재료를 선택한 후, 우리는 이 물체들을 마음대로 처리할 수 있다. 왜냐하면 물체는 생명이 없기 때문에, 여러 각도를 임의로 움직여 창작 의도를 달성할 수 있기 때문이다. 정물촬영은 두 가지 장점이 있다. 하나는 예술시각에 대한 더 깊은 인식의 심화 과정이다.

일부 일반 물체가 매혹적인 사진으로 찍히면, 사실 이 물체들에 대한 심도 있는 연구와 관찰을 하는 과정이다. (존 F. 케네디, Northern Exposure (미국 TV 드라마), 예술명언) 둘째, 정물을 촬영하면 더 실용적인 사진 지식을 얻을 수 있다. 사진작가에게 정물 촬영의 난점은 독특한 화면 구도에 있다.

촬영 대상을 배정할 때는 반드시 촬영 각도를 잘 선택하고, 빛에 창의적이어야 하며, 정물촬영에서 배운 실용적인 사진 지식과 기본 원리를 일상적인 사진에 적용해야 한다.

인물 사진

사진촬영은 일반인 사진과는 다르다. 사진촬영은 피사체의 특정 외모와 표정에 대한 묘사와 표현을 최우선 창작 임무로 삼는다. 일부 초상화 사진작품에도 일정한 줄거리가 포함되어 있지만 여전히 피사체의 외모를 표현하는 것을 위주로 하고 있으며, 상당수 초상화 사진작품은 피사체의 이미지만 설명하고 구체적인 줄거리는 없다.

인물 사진은 주체가 참여하는 사건과 활동에 초점을 맞추고 있으며, 주요 임무는 생생한 이미지로 주체의 외모와 행동을 표현하는 것이 아니라 구체적인 줄거리를 표현하는 것이다. 양자의 중요한 차이점은 인물의 외모를 상세히 묘사했는지 여부다.

한 사람이든 한 무리의 사람이든, 장면에서 촬영하든 스튜디오에서 포즈를 취하든, 줄거리가 아니든, 피사체의 특정 외모와 정신 상태를 주로 표현한 사진이라면 모두 인물 사진의 범주에 속한다. (데이비드 아셀, Northern Exposure (미국 TV 드라마), 예술명언)

캐릭터의 활동과 줄거리를 주로 표현한 사람들은 삶의 한 주제를 반영하고, 피사체의 외모는 눈에 띄는 사진작품이 아니며, 클로즈업이든 전신이든 인물 사진의 범주에 속할 수밖에 없다.

물론, 넓은 의미에서 인물 사진은 사람에 관한 것이며 인물 사진에도 속한다. 인물 사진은 피사체의 외모, 표정에 대한 묘사와 묘사를 자신의 표현 임무로 삼고, 인물은 선명한 생김새를 가져야 한다. 사진 실내인물, 실내별 환경인물, 실외 인물 등 세 가지 범주로 나눌 수 있다. 인물 사진은 형신을 겸비해야 한다.

다큐멘터리 사진

다큐멘터리 촬영은 기록을 제 1 목적으로 객관적인 사물의 실제 이미지를 반영하는 사진 촬영이다.

촬영은 기록을 위해 탄생했다. 그것이 탄생한 후의 강력한 생명력은 바로 그것의 기록 기능에 있다. 이것은 다른 기술이나 예술이 비교할 수 없거나 대체할 수 없는 것이다.

그래서, 넓은 의미에서, 사진은 기록이다. 사진을 기록한 결과는 일종의 영상 기록 작품이다. 이에 따라 비디오 작품에는 비디오 뉴스 작품과 비디오 다큐멘터리 작품이 포함된다.

사진을 기록하는 목적 (유일한 것은 아니지만 가장 중요한 목적) 은 기록에 있습니다. 전제는 객관적인 진실을 존중하는 것이다. 대상은 객관적인 사물의 표상이다. 기록 방법은 사진을 통해 이미지를 재현하는 것이다. 영상을 기록하는 방식과 추구하는 가치에 따라 녹화촬영은 뉴스 촬영과 다큐멘터리 촬영으로 나눌 수 있다.

예술촬영

시대가 발전함에 따라 사람들은 끊임없이 사진에 예술 요소를 첨가하여 예술 사진을 만들기 시작했다. 그것과 다큐멘터리 사진의 차이는 예술성의 높낮이에 있지만 절대적인 경계는 없다.

예를 들어, 우리는 신분증을 만들거나 기념으로 사진을 찍습니다. 일반 스튜디오에서 찍은 사진은 최대 몇 가지 정보나 기록 가치가 있다. 하지만 50 년이 지난 지금도 정정정강 씨가 제백석 씨를 위해 촬영한 초상화는 여전히 세계 20 점 최고의 초상화 중 하나다. 차이점은 전적으로 예술적 수준에 있다.

예술 사진의 효과는 기술뿐만 아니라 촬영의 시간, 장소, 각도도 필요하기 때문에 더욱 아름답다.

사진촬영

사진촬영은 그 아름다운 화면 언어와 아름다운 디자인 내포로 줄곧 인물 사진의 중요한 표현 형식이었다.

19 세기 후반 영국 사진작가 란다는 두 개의 인생길 사진을 촬영해' 촬영의 새로운 시대가 다가오고 있다' 고 예언했다. 당시 촬영이 경시된 상황에서 이 작품은 고무적인 주제와 유화 구도로 빅토리아 여왕의 극찬을 받았다. 랜다가 사진 개발에 많은 기여를 했다고 할 수 있다.

이후 사진촬영은 점차 사진의 중요한 유파가 되었다.

상업사진

상업촬영은 이름에서 알 수 있듯이 상업목적을 위한 사진활동을 가리킨다. 협의적으로는 상업촬영이고, 광의상으로는 상품을 발표하거나 이야기를 쓰는 사진 유형이다. 이 유형은 현재 사진 활동에서 매우 중요한 유형입니다.

이런 촬영은 상업적 이익을 위해 존재하는 것으로 기업의 요구에 따라 촬영하는 것이 상대적으로 제한이 많다.

수묵사진

전통 수묵화와 마찬가지로 현재 시중에 나와 있는 수묵사진작품은 소재에 따라 산수, 화조, 의경으로 나눌 수 있으며, 국화의 산수화, 화조화에 해당한다. 기법과 의경에 따라 추상과 구상으로 나눌 수 있으며, 중국화의 자의와 공필에 해당한다.

불가피하게 포토샵 등의 소프트웨어를 이용해 수묵사진사진을 사후 처리해야 하지만 그렇다고 원본 사진을 마음대로 왜곡할 수 있는 것은 아니다. 좋은 수묵촬영작품은 가능한 한 적은 수의 원본 사진을 수정해야 한다. 사진작가의 구도와 빛의 그림자를 포착할 수 있는 능력을 더욱 시험한다.

홀로그래피

홀로그램은 피사체 반사파의 진폭과 위상에 대한 모든 정보를 기록하는 새로운 사진 기술입니다. 일반 사진은 물체 표면의 광도 분포를 기록하고 물체가 반사하는 빛의 위상 정보를 기록할 수 없어 입체감을 잃는다.

홀로그래피는 레이저를 조명광원으로 사용하여 광원에서 나오는 빛을 두 다발로 나눕니다. 한 다발은 감광판에 직접 비추고, 다른 한 다발은 카메라에 반사되어 감광판에 반사됩니다. 사람의 눈이 이 감광 필름을 직접 보면 지문과 같은 간섭 줄무늬만 볼 수 있지만 레이저로 비추면 사람의 눈은 원판을 통해 원래 촬영된 물체의 3 차원 이미지를 볼 수 있다.

홀로그램 이미지는 작은 부분만 유지하더라도 전체 장면을 재현할 수 있습니다. 홀로그래피는 산업적으로 무손실 검사, 초음파 홀로그래피, 홀로그램 현미경, 홀로그램 저장, 홀로그램 영화 및 기타 여러 측면에 적용될 수 있습니다.

사진 장르:

1. 그림 사진

회화촬영은 20 세기 초 사진분야에서 유행했던 예술유파로 19 세기 중반 영국에서 기원했다.

이 파의 사진작가는 창작에서 그림의 효과나' 시화' 의 경지를 추구한다. 모방의 세 단계를 거쳤습니다. 우아한 무대를 숭상하다. 예술 무대.

화가는 "사진을 찍으려는 라파엘, 사진의 티향" 을 제안했다.

회화 촬영은 긴 발전기를 거쳤다. 첫 번째 그림 사진작가는 영국 화가 힐로 (1802- 1870) 였다. 그는 인물 사진에 능하고, 작품 구조가 엄격하고, 조형이 우아하다. 185 1 년 ~

1853 은 그림 촬영의 성장기이다.

1869 년 영국 사진작가 HP 로빈슨 (1830-1901) 이 사진의 그림 같은 효과에 관한 책을 출판했다 그는 "사진작가가 훌륭한 사진작가가 되려면 풍부한 감정과 깊은 예술적 이해가 있어야 한다" 고 제안했다.

사진의 지속적인 개선과 지속적인 발명이 더 높은 목표를 불러일으켰다는 것은 의심의 여지가 없다. 사진 자체는 아무리 정교하고 완전하더라도 더 높은 목표를 향한 한 가지 방법일 뿐이기 때문이다. "그것은 학교를 위한 이론적 토대를 마련했다.

1857 년, 오그 레란드 (18 13- 1875) 는 30 여 장의 필름으로 구성된 르네상스 스타일을 만들었습니다

이 시기의 작품들은 대부분 종교적인 색채로 가득 차 있으며, 일정한 은유를 포함하고 있다. 촬영할 때 미리 스케치를 한 다음 모형과 소품으로 장면을 구성해 암실을 통해 처리한다. 사진 화면의 그림 효과를 추구하다.

그 후 회화식 사진의 내용은 확장되었지만, 풍격은 여전히 고전주의를 숭상하고, 조형과 구도에는 여전히 학원파의 규칙이 있어 함축적이고 차분하며 우아하다.

유파가 회화 단계로 발전해도 여전히 감정미, 의경미, 형식미를 추구하는 것이 특징이다.

화가는 예술수양을 강조하기 때문이다. "사진사가 예술에서 지위를 가지려면 사진작가가 먼저 심미능력을 키우고 예술수양을 키워야 한다." 따라서 그 역사적 공적은 최초의 기계 모방 대상에서 조형예술 분야로 사진을 이끌고 사진예술의 발전을 촉진하는 것이다.

그림의 창작이 대부분 실생활에서 벗어나기 때문에 사진기재가 날로 완벽해지고, 사람들의 심미적 재미도 끊임없이 발전하여' 자연주의' 의 충격을 받고 있다. 그럼에도 불구하고, 그것은 여전히 오늘날의 사진예술의 전당에서 자리를 차지하고 있다.

이 장르의 주요 사진작가와 작품은' Pledge (? -1896) 남작의 연회, 로빈슨 표류기, 보탑 장면; 로빈 후드의' 하루가 끝나면 가을, 두 어린 소녀, 죽어 가고, 줄리엣은 독병, 여명, 일몰을 가지고 있다' 고 말했다.

레이랜드 세례자, 성요조하, 이피, 버지니아, 유디트, 홀로파니스의 수장 카메론 부인 (18 15- 1897) 의 토마스 칼라일과 나이다 (1820-/Kloc

인상파 사진

65438 년부터 0899 년까지 프랑스 인상파 그림의 첫 전시회가 영국에서 열렸다. 화가 로빈슨의 영향으로 그는' 소프트 톤 촬영이 예조 촬영보다 더 아름답다' 는 심미 기준을 제시하며' 소프트 톤' 촬영을 제창했다. 이 유파는 사진 분야에서 회화 인상주의의 반영이다.

처음에는 부드러운 초점 렌즈로 촬영하고, 직조지로 헹구고 인쇄하며, 흐릿한 예술적 표현 효과를 추구했다. 브롬화 은현상법' 과 안료에 중크롬산염 접착제가 섞인 종이 현상법이 등장하면서 인상파 작품은 렌즈 이미징 제어에서 암실 처리까지 발전했다.

그들은 "작품은 사진처럼 전혀 보이지 않아야 한다" 며 "그림이 없으면 진짜 촬영은 없다" 고 제안했다.

이 이론의 지도 아래 인상파 사진작가들도 붓, 연필, 지우개로 화면을 처리하고, 원래의 명암 변화를 의도적으로 바꿔' 그림' 의 효과를 추구했다. 예를 들어, 라크로아가 1900 년에 창작한' 공원을 청소하는 사람' 은 캔버스에 그린 목탄과 같다.

인상파 사진작가는 자신의 사진예술의 특징을 완전히 상실했기 때문에 어떤 사람들은 이를' 모방파' 라고 부른다. 회화 사진의 한 가지라고 할 수 있다.

이 유파의 예술적 특징은 색조가 어둡고 그림자 선이 거칠고 장식이 풍부하지만 공간감이 부족하다는 것이다. 그 유명한 사진작가는 두마스 (? -1937), 푸월 (1857- 1933), 추 (1866-)

호프메스터 형제 (1868-1943; 187 1- 1937), 더크하임 (1848-196547

3. 사실적인 사진

사실촬영은 유구한 역사를 가진 사진유파로, 지금까지도 여전히 사진의 기초이자 주요 유파이다. 사진예술 분야에서 사실적인 창작 방법의 구현이다.

이 유파의 사진작가는 창작에서 사진의 다큐멘터리 특징을 고수한다. 그들이 보기에, 사진에는' 자연 자체와 동등한' 충성심이 있어야 한다. 그림의 모든 세부 사항이' 수학적 정확성' 을 가지고 있어야 작품이 다른 예술매체가 가지고 있지 않은 감화력과 설득력을 발휘할 수 있다.

A. 스티글리츠는 "충성을 논의하는 것이 우리의 사명이다" 라고 말했다.

한편, 그들은 객관적인 거울처럼 차갑고 순전히 객관적으로 대상을 반영하고, 창작은 선택적이어야 하며, 예술가는 반영된 것에 대해 자신의 심미적 판단을 가져야 한다고 주장한다. 유명한 현실주의 사진작가 루이스 하인은 이렇게 명언을 한 적이 있다. "바로잡아야 할 것들을 폭로하겠습니다. 칭찬해야 할 것들에 대해서도 반성해야 한다. ""

그들은 예술이' 생활을 반영해야 한다' 는 견해를 주장한다는 것을 알 수 있다. 그들은 감히 현실을 직시하는데, 창작 제재는 대부분 사회생활에서 따온 것이다. 예술 풍격은 소박하지만, 강한 증거력과 힌트력이 있다.

리얼 사진의 가장 빠른 취미는 1853 년 영국 사진작가 필립 드라모트가 촬영한 솜 다큐멘터리다. 이후 60 년대 말 로스 핀턴의 전지촬영과 윌리엄 잭슨의 옐로스톤 경이로움이 이어졌다.

1870 이후 현실적인 촬영이 성숙되면서 렌즈를 사회와 생활로 돌리기 시작했다. 예를 들어, 당시 사진작가 바나도 박사는 유랑 어린이들의 비참한 상황을 촬영해 놀라움을 자아냈다.

이후 현실주의 사진작가들이 대거 쏟아져 나왔고, 그들의 작품은 사진사에서 강한 진실성과 심성으로 유명하다. 영국 브란트의 "채탄자" 처럼요. 미국인 R 카파의' 적과 통하는 프랑스 여자 삭발 거리'; 프랑스 비스의' 소녀' 등은 헤아릴 수 없이 많다.

4. 자연 사진

1899 사진작가 피터 헨리 에머슨은 회화식 창작의 약점을 겨냥해' 자연주의 사진' 이라는 제목의 논문을 발표했고, 회화식 사진을 조각화된 사진으로 비난하며 사진작가가 자연으로 돌아가 창작 영감을 찾도록 독창했다.

그는 자연이 예술의 출발점이자 종점이라고 생각했고, 자연과 가장 가까운 예술만이 가장 높은 예술이라고 생각했고, 사진보다 더 정확하고 섬세하며 충실하게 자연을 반영한 예술은 없다고 말했다. "감정과 심리적으로 사진 취미의 효과는 감광 재료가 기록한 보정되지 않은 렌즈 장면에 있다."

그 학파의 또 다른 거장인 A·L· 파조는 "예술은 예술가에게 남겨야 한다" 고 더 분명하게 말했다. 우리 사진의 경우, 예술에 의존할 수 있는 것은 아무것도 없고, 독립창작을 해야 한다. "

이런 예술관념은 회화에 대한 반작용으로, 사람들이 학원파의 속박에서 사진을 해방시켜 자신의 특징을 충분히 발휘할 수 있도록 하는 것을 볼 수 있다.

이 학교의 창작 주제는 대부분 자연 경관과 사회 생활이다.

자연주의 촬영은 현실의 표면 진실과 세부 사항을 묘사하는' 절대적' 진실에 만족하며 현실의 본질에 대한 발굴과 표면 대상의 정련을 소홀히 하기 때문이다. 결론적으로, 그것은 예술 창작과 예술 이미지의 전형성을 중시하지 않는다. 그래서 본질적으로 현실주의의 속속화이다. 때로는 현실에 대한 왜곡으로 이어질 수 있다.

이 학교의 유명한 사진작가는 드비슨 (1856- 1930), 윌킨슨 (1857-192/; -1906), 스크래치 (1856-? ), sutcliffe (1859-1940) 등.

5. 순수 사진

순촬영은 사진예술의 한 유파로 20 세기 초에 성숙했다. 그 창시자는 미국 사진작가 스티 그리즈 (1864- 1946) 입니다.

그들은 사진이 자신의 특징과 표현을 충분히 발휘해 그림의 영향에서 벗어나 순수한 사진 기술로 사진의 독특한 심미 효과 (고화질, 풍부한 색조 수준, 미묘한 빛의 변화, 순수한 흑백 색조, 섬세한 텍스처 표현, 정확한 이미지 묘사) 를 추구해야 한다고 주장했다.

결론적으로, 이 사진작가는 촬영 대상의 빛, 색상, 선, 모양, 무늬, 품질을 정확하고, 직접적이고, 미묘하며, 자연스럽게 표현하며, 다른 조형 예술 매체를 이용하지 않는 이른바' 사진 품질' 을 추구한다.

19 13 반에서 전시된' 뉴욕을 내려다보다' 는 순수 학원파의 대표작이다.

사진작가는 높은 곳에서 뉴욕의 한 광장을 내려다보았다. 가공이나 장식은 없지만 참신한 구도와 독특한 스타일링이 신선하다. 또 다른 예로, E 의 프랭크 K 샌드버그 (Frank Sandberg) 는 공간과 시간에 대한 단일 작품의 제한을 피하기 위해 여러 차례 노출된 방법으로 시인의 감정 전환, 색조의 조합, 구도의 변화를 한 화면에 그려 리듬감이 있다.

어떤 면에서는 순수주의자의 사상과 창작이 형식주의와 자연주의의' 혼혈아' 로 변해' 신객관주의' 로 발전했다. 하지만 이런 장르는 사진 특징과 표현 기술에 대한 탐구와 연구를 어느 정도 촉진시켰다.

이 유파의 유명한 사진작가는 스트랜드 (1890- 1976) 와 F64 단체 사진기구의 사진작가 (예: 아담스, 커닝안) 이다.

순파 후기 작품은 선, 도안, 왜곡된 영상의 추상화로 발전했다. 그 영향력 있는 사진작가는 얍보, 스타너, 스티븐, 에반스였다.

6. 신객관주의 사진

신객관주의 촬영은' 주도 촬영' 과' 신실촬영' 이라고도 불린다. 1920 년대에 등장한 사진 예술 유파이다.

이 유파의 예술적 특색은 평상시 사물에서' 아름다움' 을 찾는 것이다. 클로즈업, 클로즈업 등의 수단을 통해 주체를 전체적으로 "분리" 하고, 주체의 세부 사항을 강조 표시하고, 표면 구조를 정확하고 사실적으로 묘사하여 눈부신 시각 효과를 얻을 수 있습니다.

예술의 본질이 대상의 본질에 있다고 생각하지 않기 때문에 그 미적 사상은 자연주의에 속한다. 예를 들어 사진작가 파조는 1923 년 클로즈업 수법으로 기관차의 힌지를 촬영하며 기관차 힌지가 운행중인 상태를 보여줬고, 화면이 다른 세부 사항을 포기한 만큼 시청자들에게 강한 시각적 인상을 주었다.

신객관주의의 이론적 선구자는 스트랜드로, 그는 객관주의의 예술적 특징에 대해 다음과 같이 규정했다. "신객관주의는 사진의 본질이자 사진의 산물이자 경계이다." 그는 촬영이 "생활에 대한 표현력이 강하여 사물에 대한 눈을 관찰할 필요가 있다" 고 생각한다.

따라서 대충 얼버무리는 과정과 조작 방법을 바탕으로 하는 것이 아니라 반드시 순수 사진을 사용해야 한다. 신객관주의 사진의 선구자는 아제와 스테이친이다. 실제 창업자는 위에서 언급한 파조입니다.

신객관주의 사진작가의 업적은 사람들이 사진 자체의 특성을 연구하고 탐구하도록 유도하고, 심미의 허황된 세계에서 실제 생활로 사진을 끌어들이는 것이다. 하지만 세부적인 재료의 표면 구조에 대한 묘사가 지나치게 강조되면서 이후 추상 촬영에 싹트는 토양을 제공했다.

1925 년 전후로 대구경 소형 카메라의 출현으로 신객관주의의 표현 분야가 새로운 발전을 이루면서 많은 초상화 작품과 사회생활과 자연경관을 반영한 작품들이 생겨났다.

신객관주의의 유명한 사진작가는 샌드 (1876- 1964), 라스키 (1871-/Kloc) 이다 ), Eft (1874- 1948), 웨스턴 아담스 (? -1902) 등.

7. 초현실주의 사진

초현실주의 촬영은 다다주의 쇠퇴기에 사진예술 분야에 나타난 유파로 1930 년대에 출현했다.

이 학교는 엄격한 예술 과정과 이론을 가지고 있다. 그들은 현실주의의 창작 방법으로 현실 세계를 표현하는 것은 고전 예술가가 이미 완성한 임무이고, 현대 예술가의 사명은 인류의 새롭고 탐구되지 않은' 정신세계' 를 탐구하는 것이라고 생각한다.

따라서 인간의 잠재 의식 활동, 우연한 영감, 사이코패스, 꿈은 모두 초현실주의 사진작가가 일부러 표현한 대상이 되었다.

사진 속 초현실주의는 다다 사진작가와 마찬가지로 가위, 풀, 암실 기술을 주요 모델링 수단으로 사용하여 현실과 환상, 구체적, 추상적인 사이에 초현실적인' 예술 경지' 를 만들어 냈다. 그래서 효과는 이상하고, 황당무계하고, 신비롭다.

이 유파의 창시자는 영국 사진작가 윈스턴과 미국인 브루게일 (1880- 1945) 이다. 진짜 마무리자는 영국 무대 사진작가 마커 빈 (1905-? ), 자신의 창작에서 그는' 초현실주의' 의 가상 현실과 실제 현실을 결합하여 허황되고 진실한 경지를 창조했다.

예를 들어, 그는 1946 년' 마커 빈 자화상' 을 창작했는데, 전형적인 초현실주의 작품으로, 네 번의 노출 촬영 (한 번의 정면, 양면, 한 쪽 눈) 이다.

이 유파의 유명한 사진작가는 초현실주의 하이라이트에 종사하는 화가 팔한을 포함한다. 기형적인 인간 사진작가 브렌트; 인물 및 홍보 사진작가 카슨, 블루멘사르, 로레인, 할르스만, 뢰예 등.

8. 추상 사진

추상 촬영은 제 1 차 세계대전 후에 나타난 사진 예술 유파이다.

이 학교 사진작가는 조형예술이 관찰 가능한 예술적 이미지로 삶을 반영하고 예술가의 심미적 감각을 표현하며 촬영이' 사진에서 해방' 되어야 한다고 주장했다.

"바디" 의 세부 텍스처와 풍부한 색조를 밑이 없는 확대법으로 생략하여 모양만 표시하는 "라이트 맵" 으로 시작합니다.

나중에 빛을 사용하거나, 하이라이트, 중간 노출, 촬영 시 카메라를 흔들어 필름에 찍힌 이미지를 흐리게 하거나, 화면의 표면 구조가 바뀔 때까지 반복해서 노출하여 사진의 원래 모양과 공간 구조를 변화시킵니다. 형식, 색조 (색상), 재질의 소위 "절대 추상 언어" 를 사용하려고 합니다.

바디를 인식할 수 없는 선, 점, 모양의 조합으로 바꾸다.

이 유파를 보여주는 예술가들이 규황으로 추앙하는 인류가 가장 진실하고 본질적인 잠재의식 세계라고 부른다. 작품에서 촬영된 대상은 예술가가 빌린 음표일 뿐, 자신의 상상력과 개성을 자유롭게 표현하는' 멜로디' 를 만드는 데 사용된다.

추상 사진의 원조는 탤벗 (1800- 1877) 이다. 당초 작품의 화면은 어느 정도의 인식성을 유지했다.

19 17 년까지 사진작가가 배양되었다 (1882-? ) 톱밥과 투명 유리 조각으로 찍은' 보르도 화보' 의 면모는 전혀 다르다. 1922 년 헝가리 추상 화가 모홀리나키 (1895-? ) 맨루이 (1890-? ) 등, 그리고 이론적으로 설립.

그 후 추상 화가 칸딘스키와 클러는 현미촬영과 엑스레이 촬영을 도입해 추상 사진의 표현 범위를 크게 넓히고 사진예술의 언어를 풍부하게 하며 자신의 예술체계를 확립하고 유럽과 미국을 풍미했다.

문장 중에 언급된 사람들 외에도 스콧, 핀닝거, 안정 랜드, 플레타이, 윈클러, 그리임포터, 샤드, 브루게일 등 이 학파의 다른 대표자들이 있다.

9. 비교 가능한 사진

캄파 촬영은 제 1 차 세계대전 후에 일어난 회화 사진에 반대하는 주요 사진 유파이다.

이 학교 사진작가는 사진의 특징을 존중하고 진실과 자연을 강조하며 촬영 시 주체를 조작하거나 방해하지 말고 자연 상태에서 주체의 순간적인 정태를 파악하는 것을 주장했다.

프랑스의 유명한 사진작가인 헨리 카티에 브레슨은 "나에게 사진은 사건의 의미와 순간적으로 정확하게 표현할 수 있는 정확한 조직 형태다" 고 말했다. 그래서 이 유파의 예술적 특징은 객관적, 진실, 자연, 친절, 캐주얼함, 가식적, 생동감, 삶의 기운이 충만하다는 것이다.

그들의 미적 사상과 창작 경향에 있어서,' 매케인' 파 사진작가의 처지는 더욱 복잡하다. 인간성의 표현을 제창하고 대부분 뉴스 촬영에 종사하지만 자연주의자와 현실주의자도 있다.

이 유파를 탄생시킨 작품은 1893 년 사진작가 알프레드 스티글리츠의' 뉴욕 5 번가의 겨울' 으로 독일 사진작가 엘리시 살로몬 박사가 완성했다. 독일과 프랑스 총리에서 열린 야간 회의가 끝날 때 작은 카메라로 촬영한 로마 정치회의는 생동감 있고 진실하며 단순하고 자연스러워 이 장르사진사의 고전이 됐다.

사진미학에서 그들은 "사진의 기본 특징을 바탕으로 한 사진은 화가나 에칭사가 흉내낼 수 없는 사진이다" 고 생각한다. 그것은 자신의 불가분의 자아, 자신의 특별한 표현력, 심지어 다른 매체가 표현할 수 없는 특징을 가지고 있다.

둘째, 객관적인 사물의 표현에 대해 그들은 독창성을 중시하고 강조하며 "(사진작가는 다른 사람의 눈을 통해서가 아니라 자신의 눈으로 세상을 보아야 한다. 이것은 사진이 평범한지 휘황찬란한지, 가치가 있는지, 가치가 없는지를 구별하는 기준이다" 고 생각한다.

이 학파의 유명한 사진작가는 미국의 토마스 도 웰 마이아보이입니다. 영국의 경기 박정수 모달; 프랑스의 빅터 호프만; 루이 달 울프, 피터 스타크피어 브루비치 등이 있습니다.

10.' 다다주의' 사진

다다주의는 제 1 차 세계대전 때 유럽에 나타난 일종의 문학사조이다. 다다' 는 원래 프랑스 어린이 언어에서' 조랑말' 이나' 장난감 말' 의 어이없는 단어였다.

다다주의 예술가는 창작에서 이성과 전통문화를 부정하고, 예술이 심미와 단절되었다고 주장하며,' 회화와 모든 심미요구' 를 버리고 허무함을 숭상하며, 이로 인해 그들의 창작은 희극에 가깝다. 그래서 사람들은 이 예술유파를' 다다주의' 라고 부른다.

다다주의의 사진작품은 보편적인 심미재미와 요구에 맞지 않아 1924 부터 초현실주의 예술유파가 또렷하고 완벽한 예술두부와 방안의 충격을 받고 있다. 그러나 이후의 현대주의 사진예술에서는 여전히 그 영향을 볼 수 있다.

유명한 다다주의 사진작가로는 필립 할르스만, 모건, 라슬로 몰리나 폰 징은, 리스터스키가 있다.

1 1. 주관적인 사진

주관촬영은 제 2 차 세계대전 이후 형성된 사진예술유파로 추상사진보다 더 추상적이어서' 전쟁파' 라고도 불린다.

그것은 사진분야에서 실존주의 철학의 반영이다. 그것의 창시자는 독일 사진작가 오트 스탠네입니다. 그는 "사진은 원래 자신의 역할을 할 수 있었던 넓은 영역이며 고도의 주관적 능동성을 가지고 있다" 고 주장했다.

하지만 지금은 기계적인 현실주의가 되었습니다. 그래서 그는' 사진예술의 주관화' 라는 예술적 주장을 제기했다. 사진예술의 궁극은 사진사들에게 자신의 모호한 관념을 일깨워주고, 말할 수 없는 내면의 상태와 잠재의식 활동 주관촬영은 개인화되고 개인화된 사진이라고 강력하게 주장했다.

이것은 이 학교의 예술 프로그램이다. 주관적인 사진 예술가는 자신의 창작 개성을 매우 강조하고 기존의 모든 예술 규칙과 심미 기준을 경멸한다. 이 학파의 이론가들은 "주관적인 촬영은 실험적인 영상예술일 뿐만 아니라 자유롭고 무제한적인 창작예술이다" 며 "우리는 기술을 이용해 자유롭게 사진을 창작할 수 있다" 고 공개적으로 밝혔다.

서양 인체 사진의 진화는 세계 예술사에서 그리스와 유럽의 르네상스 시대에는 인체 예술의 휘황찬란한 시기가 있었다. 최초로 충격적인 예술적 표현으로 객관적인 현실을 재현한 후 탐구정신과 창의력을 갖춘 사진작가들이 인체 사진 분야에서 돌파구를 마련하기 시작했다.

1857 년 이후 영국에 살던 스웨덴 사진작가 라다란은 두 가지 인생길 사진을 촬영해 사진사의 고전이라고 할 수 있다. 이 그림은 줄거리가 풍부하고 장면이 많아 대량의 인류 작품을 사용하였다. 주제는 관선징악, 중점은 백귀밑머리 노인이다. 양쪽의 두 인물은 두 가지 다른 도덕관념, 인생 이상과 인생 과정을 구현했다.

그러나 소수의 사람들의 공격을 받아 그렇게 많은 누드녀를 사용했고, 자세가 거칠고 외설적이며 음란한 것이라고 말했다. 동서고금, 중외, 인체예술은 그 사상이 얼마나 적극적이든, 예술처리가 얼마나 고명하든, 일부 사람들의 비판과 공격을 받을 수 있다는 것을 알 수 있는데, 이는 이미 일종의 일상적인 대응이 된 것 같다.

서양 인체 사진의 발전 추세는 매우 뚜렷하다. 전통적인 인체 사진을 개발하는 동시에 강렬한 주관적 감정, 현대 사진 언어, 다양한 장르 스타일의 작품 제작, 기형, 절단, 재편성, 신비, 황당무계함, 추악함을 표현하는 것도 유행한다.

예를 들어 제리 유스만의 상징적인 인체 사진, 로저 마틴의 무작위 인체, 토드 워커의 원시적인 거대한 인체 사진, 로버트 헨니스 진과 카이 드 수 오크하마의 절단 재구성 인체 사진, 리 터무니없는 인체 사진, 닝다와 코그로도니 미첼의 섹시한 인체

바이두 백과: 사진