뮤지컬은 유럽 어느 나라에서 탄생했나요?

서양 뮤지컬의 기원

뮤지컬은 매력적인 구성과 배우들의 드라마틱한 연기를 바탕으로 음악과 춤이 잠재력을 최대한 발휘할 수 있도록 하는 예술과 융합의 예술이다. 이러한 요소를 유기적 통합으로 만듭니다. 영국과 미국은 뮤지컬이 꽃피운 나라다. 뮤지컬 발전의 관점에서 보면 런던의 웨스트엔드와 뉴욕의 브로드웨이는 뮤지컬의 발상지라 할 수 있다. 그러나 뮤지컬은 영국과 미국에서도 서로 다른 역사적 배경을 가지고 있습니다. 미국에서는 재즈, 탭댄스, 드라마, 노래가 포함된 코미디의 영향을 더 많이 받고, 영국에서는 뮤지컬이 더 밀접하게 관련되어 있습니다. , 드라마, 특히 셰익스피어, 몰리에르, 입센의 드라마 배경에 비해 댄스는 발레에 더 가깝습니다. 그러나 영국 뮤지컬은 아서 설리반(Arthur Sullivan)과 윌리엄 길버트(William Gilbert) 이후 오페레타의 전통을 이어왔고, 미국에서는 1970년대가 되어서야 상황이 반전되기 시작했습니다. 공연은 영국에서 수입되었지만 곧 미국 예술가들이 완전히 미국 뮤지컬을 창작하고 계속해서 발전시키고 개선했습니다. 따라서 역사적 관점에서 볼 때 미국이 대중드라마, 음악, 노래, 춤을 결합한 새로운 형태의 드라마인 뮤지컬을 창작하도록 영감을 준 것은 영국이었다. 여기에서는 미국이 유럽의 다양한 음악 엔터테인먼트 전통을 어떻게 통합하여 뮤지컬로 발전시켰는지 더 자세히 살펴보겠습니다.

뮤지컬의 기원에 대해서는 여러 가지 설이 있는데, 하나는 19세기 유럽의 클래식 오페레타와 코믹 오페라에서 유래했다는 설, 또 다른 설은 컨트리 송, 블랙 스피릿, 재즈에서 유래했다는 설이다. 미국의 음악. 대중적인 노래와 춤의 집합체; 한 가지 이론은 19세기 영국인이 만든 "뮤지컬 레뷰"와 "뮤지컬 코미디"에서 유래했다는 것입니다. Hook'은 1866년 이후에는 '드라마에 노래와 춤을 더한' 드라마 유형이다. 극도로 복잡한 문화 현상인 뮤지컬은 단일한 문화적 원천에서 발생하기 어려울 것으로 보고, 다양한 문화적 구성요소로부터 영양분을 흡수해야 자신만의 예술적 살과 피를 구성할 수 있다고 보는 '종합적 기원론'도 있다. 형태의 출처가 다양해야 합니다.

이 글은 뮤지컬의 기원 문제를 논한 것으로, '종합 기원론'이 더 신빙성이 있다고 본다. '종합적 기원론'은 다른 이론의 결과를 수용할 뿐만 아니라, 다른 이론보다 이 이론이 뮤지컬 발전사의 실제 현황에 더 가깝기 때문이다. 이에 대해 줄리안 메이츠는 자신의 저서 '미국의 뮤지컬 무대'에서 "우리의 음악 무대를 다채롭게 만드는 것은 다양한 요소의 기능이다. 뮤지컬의 발전은 서커스부터 발레, 멜로드라마까지 음악 무대의 모든 요소를 ​​통합한다"고 제안했다. 진지한 오페라, 실력파 배우의 등장, 사회적 변화와 관객 취향의 변화는 모두 뮤지컬의 변화로 이어질 것입니다." 스페셜의 관점은 뮤지컬의 역사적 근원을 더 넓은 시각에서 바라볼 것을 상기시킨다. 다음으로 본 글에서는 메테의 관점을 토대로 뮤지컬 예술 장르로서의 미국 뮤지컬이 올바른 방향으로 나아가기까지 유럽 전역의 다양한 음악 무대 요소와 흑인 음악이 미국 뮤지컬에 미친 영향을 살펴보고자 한다.

1. 오페라가 뮤지컬에 미친 영향

서구 문화의 깊은 오페라 전통은 뮤지컬의 줄거리 내용과 공연 방식 면에서 참고하고 모방하는 대상이다. 유럽 ​​오페라의 강한 생명력으로 인해 패션을 지속적으로 결합하고 대중적 요소를 흡수하여 민속 오페라, 코믹 오페라, 오페레타 등이 탄생했습니다. 이러한 극 형식은 바다를 건너 미국으로 전파되어 많은 현지 모방을 불러일으켰습니다. 여기서는 먼저 이들 오페라 자체의 특징과 차이점, 그리고 뮤지컬 극장에 대한 기여를 살펴보겠습니다.

1. 민속오페라에서 코믹오페라로

오페라는 이미 18세기부터 북미로 수입되었지만 현지 취향에 맞게 오페라 자체가 크게 변화되어야 하며, 선전과 같은 내러티브는 대화로 대체되었고, 복잡한 목소리의 조합은 합창 등으로 단순화되었습니다.

당시 북미는 한때 영국의 식민지였으며, 음악과 드라마 감상 역시 영국의 영향을 많이 받았습니다. 진지한 오페라가 지겨워지던 즈음, 포크오페라라는 작품인 <거지의 오페라>가 영국을 거쳐 미국에서 큰 성공을 거두었습니다. 이 연극은 1728년 런던에서 처음 공연되었으며 당시의 민요와 대중가요를 사용하여 노래와 가사를 연결하는 대화를 선보였습니다. 오페라의 내용은 하층민의 삶을 반영하고 있다. 무대 위의 인물들은 더 이상 전통 오페라의 선녀나 영웅이 아닌, 강도, 도둑, 매춘부, 거지 등으로 변해간다. 관료와 정치인, 그리고 진지한 그랜드 오페라에 대한 고정관념. 사실적인 주제, 훌륭한 연주, 참신한 음악 사용은 즉시 이 연극을 센세이션을 일으켰습니다.

원작 민요는 기본적으로 '거지의 오페라'와 동일하며, 낭독 대신 느슨한 대사가 있고, 가끔 춤이 산재해 있으며, 줄거리는 주로 코미디였다. 악곡은 당시 유행했던 가요를 따와 가사를 다시 쓰고 새로운 줄거리를 가미한 것이지만, 노래와 줄거리의 연관성은 그다지 가깝지 않다. 민요가 계속해서 발전하면서 그 노래는 더 이상 거리에서 유행하는 곡만을 사용하는 것이 아니라 여기저기서 요소를 차용하기 시작하면서 잡다한 연주 형태가 등장하게 되었다. 이 형식은 당시 유행했던 가요를 활용하는 것뿐만 아니라, 다양한 시대, 지역, 유명 음악가 등의 음악작품에서 좋은 곡을 선별하고, 모두가 좋아하는 춤을 선별하여 함께 연결하는 형태이다. 1762년 영국에서 상연된 연극 '사랑의 마을'(Love in a Village)은 북미로 퍼져 즉시 수많은 모방작을 탄생시켰다.

새로운 것이 없을 정도로 대중가요나 과거 작품을 반복적으로 차용하게 되면 논리적으로 새로운 창작물의 출현으로 이어진다. 처음에 이 새로운 창작물은 종종 많은 사람들이 함께 노래를 쓰고 음악을 작곡하는 등 뒤죽박죽된 색상을 띠고 있었으며 결과적으로 스타일이 불일치하는 것에 대해 아무도 신경 쓰지 않았습니다. 다음 단계의 발전은 한 사람이 전체 극의 가사나 곡을 완성하는 것입니다. 이 작품은 더 이상 대중적인 민요를 차용하지 않고 여전히 코미디의 형식을 유지하고 있기 때문에 우리는 이 새로 창작된 작품을 코믹 오페라라고 부릅니다.

코믹 오페라가 발전한 19세기에는 오페라와 포크 오페라가 여전히 많은 관객을 보유하고 있었지만, 이에 비해 미국 음악 무대에서는 코믹 오페라가 더 중요한 역할을 했다. 코믹 오페라는 특별히 작곡된 악보를 가지고 있으며 이때 오페라의 원형으로 돌아가지만, 그랜드 오페라와는 달리 코믹 오페라는 로맨틱한 스토리라인에 특별히 작곡된 많은 악보와 안무가 가미된 ​​춤이 산재해 있고 노래와 춤만으로는 끝이 없다. 플롯과의 내부 연결. 그럼에도 불구하고 코믹 오페라, 특히 코믹 오페라에 나오는 노래는 당시 미국의 현실 생활과 시대 정신을 반영했습니다. 유머러스한 공연이나 시사 풍자적인 내용이 훌륭한 주제가 되는 것은 물론, 애국적인 주제를 다룬 작품도 많이 등장한다.

2. 오페레타의 영향

오페레타는 포크오페라와 코믹오페라의 지속적인 융합과 침투의 산물이다. 프랑스의 자크 오펜바흐(Jacques Offenbach)는 오페레타의 창시자이다. 그의 <지하세계의 오르페우스(Orpheus in the Underworld)>(1858)는 최초의 완전한 오페레타였으며, 민요 오페라의 오페레타를 차용했을 뿐만 아니라 대중의 사랑을 받는 풍자적인 형식이며, 정치적인 내용과도 짝을 이룬다. 공연에는 대사가 있지만 노래와 줄거리 규모는 진지한 대오페라에 가깝다. 오펜바흐의 작품은 남북전쟁 이후 미국에서 인기를 얻었고 그의 청중도 이탈리아 오페라의 팬이 되는 경향이 있었습니다.

오펜바흐 이후 빈의 '왈츠왕' 요한 슈트라우스 2세도 뛰어난 오페레타 작품을 선보였지만 오페레타를 새로운 차원으로 끌어올린 것은 영국인 아서 설리번과 윌리엄 길버트였다.

작곡가 설리반(Sullivan)과 유머 작가 길버트(Gilbert)의 협력은 1871년에 시작되었습니다. 협력이 1990년대에 끝날 때까지 그들은 13개의 오페레타를 기고했습니다. 그들의 많은 인기 작품은 19세기 후반 영국 오페레타 창작의 모델이 되었습니다. 1878년에는 길버트와 설리반이 창작한 'H.M.S. 피나포어'(H.M.S. Pinafore)가 보스턴에서만 241회 공연을 펼치며 북미를 휩쓸었다. 미국에서 수입된 유럽 오페레타의 성공적인 공연은 유럽의 영향을 받아 많은 오페레타가 생산되었지만 여전히 유럽 수준에 비해 큰 격차가 있다. .

유럽의 영향을 받은 미국의 존 플리립 소사(John Plilip Sousa)는 1879년에 "The Smuggles"(The Smuggles)를 쓰기 시작하여** *19개의 작품을 썼지만 다르지 않았습니다. 유럽 ​​작품에서. 미국 오페레타에 정말 독특한 미국 스타일을 부여한 것은 Victor Herbert에 의해 시작되었습니다. Herbert는 그의 첫 번째 오페레타인 Prince Ananise(1894)로 즉시 히트를 쳤고, 놀라운 성공을 거둔 후 20년 동안 50개의 작품을 쓰는 것을 멈출 수 없었습니다. 남은 오페레타로는 1903년의 Babes, 1906년의 The Red Mill이 있습니다. 1910년의 레드밀. "Naughty Marietta"(Naughty Marietta)는 고전으로, 미국 브로드웨이 오페레타의 리더로서의 위치를 ​​확립했습니다.

헤르베르트를 비롯한 이후의 지그문트 롬베르그, 루돌프 프리믈 등의 오페레타는 예술적 특성 면에서 여전히 비엔나 오페레타와 같은 맥락에 있으며, 음악의 연주에 더 중점을 두고 있다. 음악과 곡의 아름다움을 추구하지만, 드라마의 전개와 다양한 예술적 요소의 유기적인 결합은 특정 캐릭터, 특정 시간, 장소에 맞춰 쓴 것이 아니라 멋진 편곡과 아름다운 의상, 배우들의 뛰어난 연기력이 최우선이다. 보컬을 위해 작곡된 폭 넓은 멜로디는 잘 편곡되고 잘 전개되어 있지만, 그 시작점이 스토리의 요구에 맞춰져 있지 않아 음악과 내용의 불일치가 발생합니다. 1920년대 말, 한때 미국 음악계에서 번성했던 오페레타는 허버트의 죽음 이후 점차 쇠퇴했지만, 이후의 많은 뮤지컬에서는 여전히 오페레타의 강한 풍미를 볼 수 있으며, 앨런 러너(Alan Lerner)의 "My Fair Lady"도 있습니다. Jay Lerner와 Frederick Loewe가 정점에 있습니다.

개요 오페레타 작품은 400년의 오페라 전통을 이어받아 이국적인 장소나 신화적 역사를 배경으로 전설적인 인물을 선정하고, 아름다운 노래를 통해 굴곡진 사랑 이야기를 들려준다. 이들 작품은 음악적 서사적 형식에 이르러 대사와 노래가 매끄럽게 연결되지만, 대부분의 오페레타는 심오한 사회적 주제를 담고 있는 경우가 드물고, 드라마나 음악적 구성 면에서도 줄거리와 관련된 세부사항을 많이 남겨두었다. 별로 연관성이 없고 가수가 자신의 실력을 과시하기 위한 순전히 화려한 섹션이기 때문에 이들 작품의 대부분은 엄격한 구성 모델이 부족합니다. 이러한 단점에도 불구하고 오페레타는 여전히 뮤지컬 발전에 있어서 매우 중요한 역할을 하여 관객의 감상 취향에 깊은 영향을 미치고 관객 사이에 일련의 심사 기준을 형성함으로써 신선하고 생생한 대본, 아름다운 음악, 우아한 극시를 만들어 내는 계기가 되었다. 창작자들이 추구하는 목표를 담고 있으며, 뮤지컬이 진지한 연극 스타일로 예술적 깊이를 높여야 함을 상기시킨다.

2. 유럽 도시의 다양한 예능

우아한 홀의 극장에 비해 유럽 주요 도시에는 보드빌 극장, 각종 공연장, 저가 바가 있습니다.

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매춘업소는 뮤지컬 탄생을 맞아 더욱 활기차고 생동감 넘치는 공연 공간을 제공했다.

Burlesque, Varirty, Vaudeville, Reveue 및 기타 형태의 카바레부터 Siegfeld Follies에 이르기까지 이러한 세속적이고 심지어 금지된 무대 공연은 유럽과 같은 뿌리를 가진 미국인들에게 받아들여졌습니다. 이런 종류의 공연은 오늘날에도 여전히 성황을 이루고 있으며, 이러한 촉매제의 역할을 통해 뮤지컬이 더욱 친근감을 갖게 되었고, 오늘날 우리가 사랑하는 브로드웨이 뮤지컬에 점차 통합되었습니다.

1. 해학적 쇼부터 보드빌 쇼, 버라이어티 쇼까지

19세기 산업 혁명과 이민 물결로 인해 미국의 인구가 급증하고 도시의 수가 증가했습니다. , 예능 프로그램을 요구하는 중하위층에서는 의사소통의 이유로 대사가 많은 오페라나 레퍼토리에 관심을 두지 않는 비영어권 출신의 이민자 관객이 늘어나고 있다. , 단순하지만 유머러스하거나 흥미진진한 공연이어야 하므로 이러한 예능에서는 공연장이 해학적 쇼와 사이드 쇼로 가득 차 있었습니다. 이러한 공연을 '쇼'라고 부르는 이유는 상대적으로 줄거리가 투박하고 '드라마'라고 보기 어렵기 때문에 총칭하여 '쇼'라고 불러야 하기 때문이다.

초기 벌레스크 쇼는 코믹한 단편 스케치로, 셰익스피어의 희곡을 조롱하던 1840년대에 가장 인기가 있었습니다. 희극 햄릿으로도 유명한 익살극 배우 조지 L. 폭스(George L. Fox)는 유난히 유연한 안면 근육을 가지고 있어 예상치 못한 표정을 만들어 낼 수 있었습니다. 그러나 폭스 이후의 벌레스크 쇼는 필연적으로 외설적인 경로를 택했고, 벌레스크 공연에 종종 삽입된 노래와 춤은 관객의 관심을 점점 더 끌었습니다. 1868년 리디아 톰슨(Lydia Thompson)의 "브리티시 블론드(British Blondes)" 무용단이 스트립쇼를 전면에 내세운 후, 벌레스크는 포르노 공연을 뜻하는 속어가 되었습니다. 코미디 쇼는 곧 호텔 엔터테인먼트의 하이라이트가 되었습니다. 다양한 공공 엔터테인먼트 장소에서는 보드빌 쇼로 알려진 서커스, 노래, 춤, 시사 쇼 및 에로틱 코미디 쇼가 상사가 선호하는 비율로 혼합되었습니다.

원래 보드빌 공연은 남성만을 위한 공연이었기 때문에 공연의 선정적인 내용뿐만 아니라 극장의 열악한 환경으로 인해 종종 '더러운' 것으로 간주되었습니다. 1880년대에는 많은 보드빌 쇼가 가족을 대상으로 하기 시작했고 포르노 콘텐츠가 제거되었으며 극장 환경이 더욱 매력적으로 변했습니다. 1881년 Tony Pastor는 처음으로 "깨끗한" 보드빌 쇼를 시작했고 나중에는 가족들에게 쿠폰이나 어린이용 장난감을 나눠주었고 뉴욕의 매우 영향력 있는 일부 인물을 포함하여 각계각층의 청중을 끌어 모았습니다. 다른 사람들도 그 뒤를 따랐으며, 벤저민 프랭클린 키스(Benjamin Franklin Keith)와 에드워드 F. 올비(Edward F. Albee)는 일련의 보드빌 극장을 설립하여 엔터테인먼트 산업에서 강력한 영향력을 발휘했습니다. Keith는 이 "깨끗한" 보드빌 쇼를 지칭하기 위해 "Vaudeville"이라는 용어를 사용하기 시작했습니다. 버라이어티 쇼는 주로 에피소드 저글링, 토크쇼, 코미디, 노래 및 댄스 공연을 선보이며 그 형태는 현대 버라이어티 쇼와 매우 유사합니다. 공연자는 음악가, 떠돌이 연예인, 독재자, 곡예사, 줄타기꾼, 불을 뿜는 사람 등이 될 수 있으며, 아나운서는 종종 평범한 공연을 블록버스터 쇼로 승격시키는 광대입니다. 버라이어티 쇼는 영화가 발명되기 이전에는 매우 인기 있는 오락 활동이었지만, 유성영화의 등장과 함께 점차 사라졌습니다.

2. 연극과 노래와 춤의 'The Black Crook'(The Black Crook)

1866년 프랑스 발레단이 뉴욕에 초청받아 발레를 공연했다. The Hind in the Woods''이지만 공연 예정 장소는 뉴욕 음악원에서 화재로 소실됐다. 같은 시각, 공원을 개조한 대극장에서는 소설 '파우스트'를 원작으로 한 멜로드라마 '블랙훅'이 공연될 예정이었다. 극장 화재 사건은 극주인에게 예상치 못한 생각을 하게 했고, 그 기회를 빌어 프랑스 발레단의 인물, 풍경, 무용극 등을 고용하게 됐다.

내용과 형식이 전혀 다른 두 연극을 하나로 묶고, 극중 신과 괴물의 춤 장면을 발레 무용수들에게 선보이게 한다. 80여 명의 미녀들이 살색 타이츠를 입고 허벅지를 드러낸 채 춤을 추는 것과 기괴한 무대 장치가 극의 구조에 더해지면서 ​​자연스럽게 관객들에게 거부할 수 없는 유혹을 형성하게 됐다. 따라서 이 '호지포지'는 실제로 16개월간 연속 공연을 펼쳤고, 미국 전역을 475회 순회했다.

'블랙훅'의 갑작스러운 폭발적인 인기에 다른 극단과 극단 오너들도 탐을 내며 모방이 잇따랐다. 이러한 종류의 "드라마 + 노래와 춤"의 특징은 오페라 주제, 익살스러운 쇼와 보드빌 쇼에서 배운 아름다운 다리 쇼, 그리고 주로 연극의 클라이맥스와 휴식 시간에 일부 노래, 춤 또는 사운드트랙을 삽입하는 것입니다. 듣기와 말하기의 목적을 추구하는 것이 오락과 감각 자극입니다. 이러한 종류의 극은 극과 가무를 결합한 흔적이 뚜렷하지만, 이후의 대규모 연극과 화려한 장면의 기준을 세웠으며, 이전 무대 공연의 여러 요소를 종합적으로 종합한 것입니다. 이번에는 다양한 연주 요소들이 하나로 모아졌지만 본질적인 유기적 연결이 없으며, 통합되기까지는 시간이 걸릴 것입니다.

3. 시사 쇼(Revue)와 폴리(Follies)

시사 쇼는 사실 좀 더 진지한 종합 코미디 쇼이자 버라이어티 쇼입니다. 미국인들은 이를 '프랑스 가극단'이라고 부르는데, 프랑스인들이 매년 한 해의 시사 문제를 재현하고 풍자하는 모방 공연과 화려한 노래와 춤, 개그맨들의 개그를 곁들여 공연하는 것이 그 원형이다. 1890년대 시사 쇼는 시사 주제를 반영하면서도 화려한 노래와 춤 장면에 초점을 맞추고 다양한 공연 요소를 포함하면서 인기를 끌었습니다. 또한, 대본, 가사, 음악 모두 특정 주제를 보여주기 위해 특별히 작성되어 시사 프로그램을 다른 유사한 공연 유형(예: 예능 프로그램 등)과 구별합니다. 브로드웨이의 첫 번째 시사 쇼는 1894년의 "The Passing Show"였습니다. 그 후 몇 년 동안 브로드웨이에서는 유사한 시사 쇼가 상연되었습니다. 20세기에는 시사 쇼가 뉴욕 무대를 확고히 차지했습니다.

미국 시사쇼가 폴리(Follies)로 더욱 발전했다. 브로드웨이 최고의 프로듀서인 플로렌츠 지그펠트는 그의 약혼자인 프랑스의 노래와 춤 스타인 안나 헬드(Anna Held)의 제안을 받아들여 프랑스 시사 쇼(프랑스어로 폴리-베르거(Folies-Berger))를 바탕으로 한 무리의 미녀들이 등장하는 TV 시리즈를 제작했습니다. 댄스 쇼였지만 그의 의도는 시사 문제를 풍자하는 것이 아니었고 그는 그것을 "Follies"라고 명명했습니다. 1907년 올림피아 극장 최상층의 작은 정원극장에서 초호화 공연이 상연됐고 반응은 꽤 뜨거웠다. 화려한 쇼가 시작된 이래 Siegfeld의 슬로건 "Glorifying The American Girls"는 전국적인 센세이션을 일으켰습니다. 화려한 쇼에서 가장 대표적인 프로그램은 대개 한 명 이상의 잘생긴 테너가 정장을 입고 부드러운 키의 사랑 노래를 부르는 것인데, 그 후 미녀들은 화려함을 보장하는 과장되고 화려한 의상을 입고 무대를 밟는다. 금과 옥으로 만든 계단, 시인과 시인들이 정성스럽게 쓴 시를 낭송하며 한 층씩 땅으로 내려옵니다. 한마디로 말하면 고급스럽고, 화려하고, 우아하고, 절묘하고, 웅장해야 합니다. 지그펠트 쇼는 규모가 웅장하고 제작이 정교하여 버라이어티 쇼와 시사 쇼를 종합적으로 통합한 정점으로 브로드웨이 뮤지컬 발전에 지대한 영향을 미쳤습니다.

코머즈, 보드빌 쇼, 버라이어티 쇼, 시사 쇼, 화려한 쇼 등 이러한 공연 형식은 뮤지컬 무대에 중점을 둔 오페라 가족의 무대 공연과 비교하면 가까운 친척이라고 할 수 있습니다. 이후 뮤지컬의 역사적 전개 과정에서 플롯의 강조와 노래와 춤의 강조가 두 가지 주요 발전 방향으로 자리 잡았다.

3. 재즈가 뮤지컬에 진출하다

미국 이민 추세에서 흑인 이민자들은 자발적으로 미국으로 이주하지는 않지만, 그들의 도착은 과소평가될 수 없었다. 신비로운 아프리카 대륙의 신비한 문화와 함께 미국으로 건너왔습니다.

미국 흑인들이 심각한 인종차별을 겪었음에도 불구하고 흑인 문화는 이로 인해 묻혀지지 않았고, 결국 구불구불한 방식으로 미국의 주류 문화에 편입됐다. 재즈는 아프리카계 미국인들이 가져온 전통음악과 유럽음악이 오랫동안 융합된 산물이다. 비록 이 음악은 순수한 아프리카음악의 스타일을 잃었지만 미국 내에서 독특한 음악언어로 자리잡았다.

1. 재즈에 영향을 미치는 음악적 요소

재즈는 19세기 말과 20세기 초 미국 남부 뉴올리언스에서 시작된 유형이다. 당시 대중음악의 가장 큰 영향을 미친 것은 블루스(Blues), 래그타임(Ragtime), 소규모 브라스 밴드였습니다.

블루스는 미국 남부의 노동요와 흑인영가에서 발전해 1870년경 남부에 널리 퍼졌다. 포크송의 일종으로 가수의 외로움, 혹은 기대, 혹은 멜랑콜리(Melancholy)는 아프리카계 미국인 솔로 포크음악의 정점이다. 대부분의 블루스 가수는 음악을 모르고 즉흥적으로 노래를 부르는 경우가 많습니다. 블루스는 미국에서 대중음악 장르 중 하나가 되었을 뿐만 아니라 미국 흑인의 "핫" 음악(즉흥음악)의 과도기적 방법을 형성하기도 했습니다. 이러한 과도기적 현상은 피아노 블루스와 재즈 밴드를 통해 이루어지며 음악을 보컬 영역에서 악기 영역으로 끌어옵니다.

래그타임(Ragtime)은 흑인 민스트럴 공연의 '라가(raga)' 춤에서 유래한 것으로, 그 유래를 추적해보면 백인이 흑인을 연주하고 안을 추는 형태이다. 노래와 춤으로 이루어진 오락 활동. 처음에는 백인 배우들이 숯으로 얼굴을 검게 칠해 흑인을 조롱했지만, 노예 해방 이후에는 흑인 스스로가 유랑단을 결성해 백인 가수, 무용수들과 경쟁하게 됐다. 이 음악의 친숙한 형태는 라가를 반주하거나 술집, 카지노, 스낵바에서 손님을 즐겁게 하는 피아노 음악이며, 래그타임 음악은 그 기원이 유럽 스타일에 가장 가깝고 아프리카 음악의 흔적이 덜하다고 할 수 있습니다. 백인들의 음악과 흑인들의 공연이다.

재즈의 또 다른 중요한 원천은 브라스 밴드입니다. 남북전쟁 이후 군악대의 악기가 팔리거나 버려지면서 많은 악기가 흑인의 손에 넘어갔다. 뉴올리언스에는 1870년부터 1890년 중반까지 재즈 이전 시대로 간주되는 블랙 브라스 밴드의 수가 증가했습니다. 이 시대의 밴드는 퍼레이드, 피크닉, 기타 축제 및 장례 행렬에서 연주했으며 일반적으로 금관 악기와 타악기만 사용했으며 이러한 유형의 조직에 적합한 음악을 연주했습니다. 즉 군사 행진, 폴카 등이 연주되었습니다. 축제에서는 댄스 음악과 4부 댄스 음악이 연주되고, 장례식에서는 찬송가가 연주됩니다. 그러나 이들 브라스 밴드들은 악보에 맞춰 연주하기보다는 아프리카계 미국인 민요에서 볼 수 있는 즉흥적이고 기발한 리듬(싱코페이션 등)과 음높이 변화를 이용해 음악을 연주했습니다.

1885년부터 1910년경에는 블루스, 래그타임, 브라스밴드 등 세 가지 전통 흑인 음악이 혼합되면서 뉴올리언스, 즉 정통 스타일의 재즈가 탄생했다.

2. 뮤지컬에 대한 재즈의 영향

1914년 Irving Berlin은 재즈를 사용하여 시사 쇼 "Watch Your Step"을 제작했습니다. 재즈 음악. "재즈"는 뮤지컬의 "음악 속어"가 되었으며, 많은 작곡가들도 자신의 작품에 재즈 요소를 도입하여 "심포닉" 재즈 스타일을 개척했습니다. 1920년대에 이르러 미국 음악가들과 극작가들은 창작물에 지역적 주제를 접목시켰고, 음악적으로는 유럽 이민자들의 춤 외에도 미국에서 인기 있는 재즈 음악을 사용하기 시작했습니다. 재즈댄스와 탭댄스의 발전은 1920년대 브로드웨이 뮤지컬의 재즈댄스 스타일을 개척한 1924년 거슈인 형제의 '레이디 비 굿(Lady Be Good)'에서 시작됐다. 이때 재즈는 미국 뮤지컬의 독특한 음악언어가 되었고, 재즈 스타일은 미국 팝음악과 뮤지컬의 주요 특징이 되었다.

이후 재즈도 유럽에 진출하면서 오랫동안 독점에 가까웠던 유럽과 미국 뮤지컬의 오페라 전통이 새로운 시대를 열었고 그들의 작품은 점차 성숙해졌다.

4. 뮤지컬 코미디와 코핸의 아메리칸 스타일

1. 영국 뮤지컬 코미디

뮤지컬 코미디라는 이름은 결국 영국에서 처음 사용되었습니다. 19세기에는 사회 생활과 대중 심리의 속도가 점차 빨라졌고, 사람들은 느린 속도의 가벼운 코미디 스타일에 대한 열의를 점차 잃어갔습니다. 그 결과 극장의 흥행 수익은 형편없었고 극장 주인들은 돈을 잃었습니다. 영국 런던에서 연극 감독인 조지 에드워즈(George Edwardes)는 1892년 10월 자신이 운영한 극장에서 개그와 유쾌한 노래와 춤 프로그램으로 가득 찬 "뮤지컬 레뷰" "The City"를 잠정적으로 시작했습니다. 연극이 개봉된 후 큰 인기를 얻었고, 에드워즈는 이듬해 드라마, 음악, 노래, 춤을 통합한 또 다른 "A Gaiety Girl"을 출시했으며 처음으로 "뮤지컬 코미디"를 사용했습니다. 이 제목. 이 연극은 유머와 드라마가 넘쳤으며, 이해하기 쉬운 음악과 결합되어 센세이션을 일으키며 상당한 흥행 성과를 거두었습니다. Edwards의 전례 없는 성공으로 인해 런던의 많은 극장 소유주들이 이를 따라 다양한 뮤지컬 코미디를 출시하게 되었습니다. 그 이후로 뮤지컬 코미디는 런던은 물론 영국 전역에서 가장 인기 있는 무대 예술이 되었으며, 얼마 지나지 않아 미국 무대에도 등장했습니다.

2. 미국 뮤지컬 코미디

미국은 일찍이 1870년대 뉴욕의 중하층에 유행했던 영국 뮤지컬 코미디와 유사한 무대 예술 형식을 갖고 있었습니다. 단지 당시 미국에서는 그것을 '뮤지컬 희극-코미디'라고 불렀을 뿐입니다. 뮤지컬 희극의 추가 발전은 Edward Harrigan과 Tony Hart가 함께 작업하여 1879년부터 1884년까지 브로드웨이에서 일련의 뮤지컬 희극을 창작한 것입니다. 그중에는 "Dance of the Guards"(The Mulligan Guards Ball(1879) 및 Cordelia's Aspires(1879)가 포함됩니다. 1883)은 중산층과 하층층 사이에서 매우 인기가 높았습니다. 공연은 해학적이거나 보드빌 쇼의 유머러스한 형식을 유지하고 있을 뿐만 아니라, 줄거리적으로도 발전하고 사회에 대한 세심한 관심을 기울이고 있지만, 여기서는 항상 유머러스한 형식으로 표현되기보다는 다양한 삶의 조건에 대한 공감에 가깝습니다. 가혹한 비판보다 작곡에도 미국 특유의 풍미가 있지만 노래와 줄거리는 항상 일치하기 어렵습니다. 오래된 노래를 사용하여 새로운 단어를 채우는 것이 일반적입니다. 1896년 영국의 에드워즈가 제작한 '게이샤(The Geisha)'가 '뮤지컬 코미디'로 미국에 진출해 센세이션을 일으켰다. 미국인들은 유럽 오페라에서 소외된 미국의 노래와 춤을 지칭하기 위해 이 용어를 사용하기 시작했다. 위에서 언급한 음악적 희극도 포함하는 미국적 특성을 지닌 드라마였습니다.

당시 미국 뮤지컬 코미디는 이미 기본적인 줄거리를 갖고 있었는데, 이는 단순한 에피소드, 춤, 희극이 아니라 줄거리와 캐릭터의 깊이가 부족했다. 그러한 작품에서는 '서사'가 노래와 춤의 목적이 아니라 단지 노래와 춤을 위한 변명일 뿐이라는 '소년이 소녀를 만난다'라는 공식이 사용되며, 아메리칸 드림과 신데렐라 신화의 다양한 요소들이 얽혀 사용된다. 줄거리에는 다양한 노래와 춤 기믹이 산재되어 장르의 고정 모델을 형성합니다. 내용이나 형식면에서 보면 표면적으로는 에드워즈의 '메리걸(Merry Girl)'과 완전히 똑같아 보인다. 이름마저도 영국인이 창안한 '뮤지컬 코미디'를 직접 카피한 것이다. 실제로 내면적인 정신으로 볼 때 예술적 구조에 아메리카 원주민 문화의 유전자가 많이 포함되어 있기 때문에 미국 뮤지컬 코미디, 특히 음악과 춤보다 야성과 열정이 넘치고 열정적이며 활력이 넘칩니다. 활기차고 역동적입니다. 이러한 문화적 정신의 영향력과 내면적 매력의 충격적인 힘은 미국 뮤지컬 코미디가 영국 뮤지컬 코미디와 다르다는 근본적인 신호입니다.

3. 코핸의 아메리칸 스타일

조지 M. 코핸이 더 이상 웃기고 몽환적인 줄거리에 너무 집중하지 않고 좀 더 진지한 주제를 다루는 지점까지 뮤지컬 코미디가 발전할 때. 그는 드라마 전개 단서의 완전성과 일관성을 강조하고, 이야기에는 시작과 끝이 있다는 점을 강조하고, 내용 면에서는 동화의 줄거리를 버리고, 드라마의 주인공을 배치하는 등 좀 더 극적이고 민간적인 탐색 경로를 선택했다. 평범한 민간인이자 일상 속의 작은 사람들로서, 평범한 사람들의 삶의 이익에 더 가까워지기 위해. 동시에 그의 연극에는 강한 애국심이 있으며 미국 음악을 사용하여 미국인, 미국 생활 ​​및 미국 사회를 표현해야 한다고 주장합니다. 1904년에 코핸은 브로드웨이의 "리틀 조니 존스(Little Johnny Jones)"에서 각본, 연출, 주연을 맡았고 이 연극으로 유명해졌으며 그 후 20년 동안 그는 21편의 희곡, 거의 500곡의 노래를 썼습니다. 코핸의 작품 형식은 19세기 보드빌과 실제 미국 뮤지컬을 잇는 가교이자, 뮤지컬의 현대화 과정에서 중요한 연결고리이다. 그의 작품에서는 옛 영국과 독일 모델에 기반을 둔 우아한 감성을 제거하고, 오늘날 뉴욕 생활의 급격한 변화에 부응하는 현대적인 형태를 성공적으로 창조해냈다. 한 세대의 뮤지컬 작가들에게 영감을 주었고, 미국 정신에 대한 그의 예술적 해석과 찬미 또한 한 세대의 관객들에게 영향을 미쳤습니다. 점점 더 많은 예술가들이 미국 정신이 성숙해졌음을 깨닫고 미국만의 독특한 표현 방식을 열심히 찾고 있습니다.

5. 뮤지컬의 형성

20세기 전반에 이르러 일련의 예술가들의 노력으로 미국 뮤지컬은 점차 영국 뮤지컬의 영향력에서 벗어나게 되었다. 코미디. 보드빌에서 진정한 미국 뮤지컬로의 전환을 완료하세요. 한편으로 미국 뮤지컬은 다양한 스타일의 유럽 경극 오페라의 영향을 받았으며 다른 한편으로는 카바레와 댄스홀에서 공연된 보드빌도 당시 떠오르는 팝 음악, 래그타임, 블루스 및 기타 요소를 흡수했습니다. . 수십 년간의 탐색과 현지 실천을 통해 대중, 문화 사업가, 예술가, 뮤지컬 자체를 막론하고 긍정적인 경험과 부정적인 경험이 상당 부분 축적되었습니다. .

1927년 오스카 해머스타인 2세가 작사, 작곡하고 제롬 컨이 작곡한 '쇼 보트'는 뉴욕 브로드웨이에서 초연되었으며, 미국 뮤지컬 역사상 첫 이정표로 여겨졌습니다. 음악적 관점에서 볼 때, '쇼보트'는 위에서 언급한 다양한 음악적 무대 형식이 융합된 형태이다. '쇼 보트'의 이야기는 신비로움과 낭만이 가득한 미시시피 강에서 펼쳐지며, 브로드웨이 관객들의 삶의 경험과는 거리가 멀고 노래하고 춤추는 왕 지그펠트의 참여가 돋보입니다. 드라마 전체의 제작 과정에서도 래그타임과 재즈의 사용은 뛰어난 드라마의 필수 요소임을 보여주며, 마지막으로 이러한 플롯에서 뮤지컬 코미디의 영향을 찾는 것은 어렵지 않습니다. 주인공이 스타가 되어 주인공과 재회하는 과정. 다양한 음악 무대 형태와 다양한 음악적 요소가 함께 '퍼포먼스 보트'에 탑승한다. 이는 지난 길이 끝났음을 의미하고 새로운 항해가 시작됨을 예고한다.

결론

초기 뮤지컬의 발전에 대한 위의 검토는 다양한 음악 전통, 예능 드라마, 유럽의 일부 노래와 춤 요소가 얽혀 정체성이 모호한 시대였습니다. 병합하여 성장합니다. 그러나 일반적으로 이러한 엔터테인먼트 전통은 두 가지 범주로 나눌 수 있습니다. 하나는 줄거리에 초점을 맞추고 다른 하나는 노래와 춤에 중점을 둡니다. 줄거리에 중점을 둔 것은 유럽의 오페라 전통에서 유래한 뮤지컬 코미디로, 유럽과 미국에서 널리 인기를 끌었습니다. 오페라의 전통은 후기 뮤지컬에 엄숙한 우아함과 낭만적인 요소를 가져왔으며, 그 대부분은 고전 신화나 이국적인 풍미를 표현했으며, 뮤지컬 코미디는 시사 문제에 맞게 디자인된 뮤지컬을 만들었습니다.