그렇게 많은 쇼를 거쳤는데 왜 이 12개가 가장 클래식한가요?

1973년, 파리 패션위크가 공식적으로 시작되었고, 살롱에 숨겨져 있던 이러한 패션 아이디어가 마침내 대중의 눈에 들어왔습니다. 1980년대부터 1990년대까지 쇼는 더욱 럭셔리해졌고, 슈퍼모델이 탄생했다. 패션쇼는 더 이상 새로운 패션을 선보이는 것이 아니라 브랜드 철학과 디자인 영감을 종합적으로 표현하는 자리입니다.

소셜 미디어 시대가 도래하면서 패션쇼가 가장 큰 화두가 됐습니다. 과거에는 너무 많은 사람들에게 보일까봐 두려웠지만, 새로운 시대에는 그렇지 않을까 두렵습니다. 사람은 그것을 볼 것입니다. 2020년에 이 모든 것이 갑자기 끝났습니다. 세상은 예상치 못한 도전에 직면했습니다. 삶은 정지되었고, 사회적 교류는 단절되었으며, 패션쇼도 중단되었습니다.

시대의 갈림길에 서서, 얻고 지는 것은 생각의 문제일 뿐인데, 과거를 되돌아보면 얼마나 멋지고 아름다운가. 모든 것이 정상으로 돌아가고 더 많은 디지털 기술이 추가되면 여전히 과거와 같은 웅장함을 기다릴 수 있을까요?

1991년 가을 겨울 어드밴스드 레디 투 웨어 시리즈

베르사체

20세기 마지막 10년, 베르사체는 패션으로 새로운 장을 열었다 보여주다. 이 쇼는 Linda Evangelista, Cindy Crawford, Naomi Campbell, K 등 4명의 주요 모델 때문에 종종 "Freedom!'90"으로 불렸습니다. Listy Turlington은 쇼 중간에 손을 잡고 George Michael의 "Freedom!"이라는 노래를 불렀습니다. " 90년대' 노래.

지아니 베르사체의 디자인은 여성스러운 라인을 강조하며 언제나 팜므파탈적인 기질을 갖고 있다. 쇼는 검은색 바디콘 드레스와 점프수트 시리즈로 시작되었으며, 금발 머리 모델들은 도시 여성의 에너지와 관능미를 표현했습니다. 이어 1980년대의 화려함에 경의를 표하는 컬러풀한 수트 시리즈가 이어져 1990년대의 열기를 이끌었고, 잘 만들어진 장식용 쇼트 코트와 코르셋으로 마무리됐다.

1994 봄-여름 레디-투-웨어 컬렉션

샤넬

우아한 프랑스 여성의 대표주자 코코 샤넬이 펑크룩을 입는 모습이 상상되시나요? 스타일 마틴 부츠? 아니면 미니스커트를 입은 코코 샤넬을 상상해 보세요. 아니면 인라인 스케이트를 신는 코코 샤넬은 어떤가요?

이번 쇼는 최근 몇 년간의 론칭 장소만큼 멋진 디자인 설치는 아닐 수도 있고, T 스테이지가 가장 전통적일 뿐이지만, 패션 관점에서 볼 때 이 시리즈는 프랑스풍으로 간주되어야 합니다. 어느덧 기성 패션 하우스가 스트리트 문화와 융합되고 있습니다.

모델은 샤넬 롤러스케이트를 신고 캣워크에 등장하기도 했다. 청년문화를 상징하는 이러한 스트리트 무브먼트는 실제로 패션쇼에까지 진출해 당시 선풍적인 화제가 됐다. 크리에이티브 디렉터로서 칼 라거펠트는 우아한 흑백 배색을 깨고, 여성적 우아함에 대한 전통적인 정의를 깨고, 풍부하고 눈부신 컬러를 하이 패션에 접목시켰으며, 힙합 문화의 장식도 접목시켰습니다.

이러한 혁신적인 디자인은 향후 브랜드의 새로운 클래식이 되었으며, 태도와 스타일이 패션에서 가장 중요한 것일 수 있음을 다시 한 번 입증했습니다.

1995년 가을 겨울 Advanced Ready-to-Wear 시리즈

Thierry Mugler

이번 쇼는 브랜드 20주년을 맞아 매우 활기가 넘쳤습니다. 수많은 클래식 패션의 순간을 만들어냈으며 90년대 전체를 통틀어 섹시 패션의 정점으로 평가됩니다. 이번 쇼에서 브랜드는 Thierry Mugler의 가장 클래식한 디자인 중 일부를 되돌아보았습니다.

패션에 대한 자신의 태도에 대해 뮬러 자신은 인터뷰에서 "여보, 이 모든 것은 완벽한 섹스를 위한 것"이라고 말했다. 여자의 음침한 면. 이번 쇼에는 전투복처럼 보이는 금색 갑옷, 뒤집어서 가랑이를 드러낸 우아한 이브닝 가운 등 정말 많은 작품이 등장했습니다. 섹시함을 떠나 궁극의 창의성은 그 시대의 가장 완벽한 각주가 되었다. 한때 논란이 되기도 했지만, 지금 돌이켜보면 그런 대담함과 자유로움이 참 부럽다.

커튼콜이 끝나자 우아한 의상이나 외계인 같은 옷을 입은 모델 전원이 T스테이지에서 음악에 맞춰 춤을 추며 디자이너들을 끌어당기고 몸을 비틀며 우레같은 박수를 받았다. . 앞으로도 이런 북적거리는 일이 다시는 힘들지 않을까?

1998년 봄 여름 오트쿠튀르 시리즈

크리스찬 디올

파리 오페라 하우스의 100년 된 대리석 계단 위, 존 갈리아노(John Galliano) 드레스 20세기 초 무도회나 살롱에 참석한 것처럼 모든 모델을 업고, 이탈리아 괴짜 미인 마르케사 카사티를 뮤즈로 삼고, 세기 초 러시아 발레단을 영감으로 삼아 시간여행 공연을 펼친다. . 오페라 쇼. 모든 비평가들은 이 쇼에 대해 찬사를 보냈습니다. 어떤 사람들은 이 쇼가 패션 그 자체를 넘어, 상상을 뛰어넘는 꿈이었다고 말하기도 했습니다.

인터뷰에서 디자이너는 테일러링과 원단을 통해 사람들을 어떤 화려한 시대로 되돌리고 싶다고 수줍게 말했다. 각각의 모델이 18세기에 존재했던 거대한 계단을 내려올 때 그녀의 눈에는 그녀만의 플롯과 감정이 담겨 있었고, 그 화려하고 거대한 옷에는 내용과 이야기와 생명이 담겨 있는 것 같았다.

커튼콜에서 모든 모델들이 질서정연하게 아래층으로 흩어지고, 하늘에서는 형형색색의 꽃잎이 떨어지고, 패션쇼가 마무리되며 화려한 시대가 도래했다. 거대한 스커트 때문에 계단 끝에 앉아 있는 장면은 2013년 오스카 시상식에서 여배우 제니퍼 로렌스의 '클래식 가을'을 연상시키는가? 이는 시공간을 넘나드는 극적인 우연의 일치라고 할 수 있다.

2000년 가을 겨울 어드밴스드 레디 투 웨어 시리즈

찰라얀

전통과 미래를 오가며 트렌드에 전혀 관심을 두지 않는 이상한 디자이너 , 옷은 단순히 입기 위해 디자인되지 않았습니다. 두 세기 사이에 후세인 샬라얀(Hussein Chalayan)은 종종 심오한 주제를 다루는 놀라운 패션쇼를 너무 많이 만들었습니다. 그 중 이 시리즈는 밀레니엄 초반에 출시됐다.

터키에서 태어난 카라얀은 어렸을 때부터 방황하는 삶을 살아왔으며, 끊임없는 이동이 어린 마음에 지울 수 없는 인상을 남겼고, 이번 쇼는 이사와 떠나기에 대한 이야기를 담고 있다. . 카라얀에는 고전적인 순간이 많이 있는데, 이 가구-패션 시리즈는 그 고전들 중에서 가장 유명한 순간일 것입니다.

공연의 배경은 전통적인 T무대가 아닌 무대로, 심플한 옷을 입은 모델들이 무대 뒤에서 걸어나온다. 가구에 이르면 소파 커버를 벗겨서 입기 시작했고 커피 테이블을 허리까지 끌어 올려 스커트로 변신시키기도 했다. 이 중 어느 것도 현실이 아닌 것 같습니다. 초현실적인 영화나 만화처럼 보입니다. 이번 쇼는 옷 자체를 퍼포먼스 예술로 승화시켰고, 커피 테이블 스커트는 옷의 또 다른 가능성을 모두에게 알려줬다.

2003년 봄 여름 오뜨 꾸뛰르 시리즈

크리스찬 디올

이 시리즈 이전에 디자이너 존 갈리아노는 중국과 일본을 여행한 후 3주간의 일정을 막 마쳤다. , 그는 돌아온 후 즉시 전체 시리즈에 여행의 느낌을 가져 왔습니다. 이 쇼의 영상을 보면, 캣워크 깊은 곳에서 튀어나오는 무술 고수들의 모습에 종종 깜짝 놀라게 될 것입니다. "괴물과 싸우는" 장엄한 기세는 매우 인상적입니다.

존 갈리아노는 모델 활동 외에도 무술 퍼포먼스도 펼쳤다. 마치 무협 액션 영화를 보는 듯한 느낌을 주게 되는데, 잘 차려입은 모델들이 바로 전설의 히로인이다. 중국의 전통의상은 평면적인 구조가 주를 이루지만 갈리아노의 디자인은 매우 입체적이다. 그는 거대한 오트쿠튀르 작품에 중국적 요소를 차례로 집어넣었고, 이 시리즈에는 동서양 문화가 합쳐졌습니다.

2013 봄 여름 오트쿠튀르 컬렉션

루이 비통

눈부신 체크 무늬 패턴은 원래 프랑스의 가장 중요한 현대 예술가 중 한 명인 다니엘에게서 영감을 받았습니다. 파리 팔레 루아얄(Palais Royal)에 위치한 설치미술 '투 플랫폼(Two Platforms)'의 다니엘 뷔렌(Daniel Buren)은 당시 크리에이티브 디렉터 마크 제이콥스(Marc Jacobs)의 창작 출발점이 되었습니다.

'두 플랫폼'에 있는 서로 다른 높이의 기둥 모음은 이번 쇼의 세 가지 창의적 차원, 즉 미니 스커트(mini), 미디 스커트(midi) 및 Mixi를 나타냅니다. 간단히 말해서, 스커트에는 세 가지 길이가 있습니다. 아주 단순한 컨셉인 것 같지만, 디자이너의 손에서 전혀 다른 32켤레의 패션 스타일로 변신했습니다. 쇼의 디자인도 브렌과의 협업으로 완성됐다. 거대한 엘리베이터에서 모델들이 내려오는 에스컬레이터가 4개 있었고, 이어서 반투명 아크릴로 만든 노란색과 흰색 격자무늬의 T 스테이지가 있었다.

모델들이 모두 쌍으로 나오네요. 이 형식도 이번 시즌 주제와 잘 어울리네요. 미니 스커트와 미디 스커트의 조합도 있어요. . 두 모델은 거울의 양면처럼 흑백이라는 이분법적 세계에서 서로 다른 사람이 되어간다. 패션 스타일부터 컨셉까지, 쇼 디자인부터 프레젠테이션 방법까지, 기억되고 생각하게 될 쇼이다.

2014 봄·여름 하이엔드 레디투웨어 컬렉션

릭 오웬스

패션쇼라기보다 아프리카 전쟁댄스 퍼포먼스에 가깝다. 다양한 모양과 색깔을 지닌 40명의 댄서들이 최신 릭 오웬스 패션을 입고 먼 부족의 가장 전통적인 춤을 추었습니다.

댄서들은 옷의 색깔에 따라 4개의 서로 다른 사각형 형태로 나뉘어 차례로 백스테이지에서 나왔다. 오늘날의 런웨이에 꼭 필요한 다양한 모델은 그 당시에도 상대적으로 드물었습니다. 이번 공연에 등장하는 무용수들은 체형부터 걷는 자세, 얼굴 표정까지 표준 모델이 아니며, 이는 모두 줄루 댄스가 요구하는 '용기의 얼굴'입니다.

오웬스는 우아함과 투박함을 겸비한 옷을 디자인하고 싶다고 늘 말해왔습니다. 그는 이 시리즈를 통해 세상에는 이런 모순이 실제로 존재한다는 사실을 다시 한번 증명했다. 이번 쇼에서는 독창적인 부족 댄스 미학과 파리 하이 패션이 서로 구별되지 않고 서로 영향을 주기도 합니다. Owens는 또한 모든 우아한 의상이 몸의 움직임을 제한하는 것은 아니라는 점을 다시 한 번 증명했습니다. 이 댄서들의 확장된 움직임을 살펴보세요.

2015 봄, 여름 오트쿠튀르 컬렉션

장 폴 고티에

패션쇼의 드라마라면 장 폴 고티에(Jean Paul Gaultier) ) ) 2014년 9월에 열린 패션쇼는 무대 디자인부터 모델의 등장까지, 그야말로 진지한 드라마였다. 이번 쇼는 유럽 최대 규모의 영화관인 르 그랑 렉스(Le Grand Rex)에서 열렸다. 이에 앞서 디자이너는 이미 브랜드의 고급 기성복 부문을 중단하고 첨단 맞춤화 사업과 향수 사업에 집중하겠다고 밝힌 바 있다. .

1960년대 이후 상업적 압력으로 인해 브랜드들만 오트쿠튀르를 중단했고, 고티에는 오트쿠튀르 컬렉션을 중단한 최초의 인물이 됐다. 따라서 이번 드라마틱한 쇼는 브랜드의 한 시대의 종말을 의미하기도 한다.

오프닝은 1950년대 스타일의 노래와 춤, 배우와 가수들이 출연해 너무나 생동감 넘쳤다. 중앙의 넓은 섹션은 여전히 ​​전통적인 캣워크 쇼이지만, 마지막에는 다시 재미있어지며 바로 미인대회로 변합니다. 따라서 이번 쇼는 2015 미스 장 폴 고티에 뷰티 콘테스트라고도 불린다. 이번 콘테스트에 참가한 참가자들은 모두 고티에의 클래식 디자인을 입었다.

대회가 끝난 뒤 안나 클리블랜드와 코코 로샤만 남았고 드라마틱한 시상식이 끝난 뒤 다시 모두가 즐겁게 노래하고 춤을 췄다. 비록 끝이 났지만 고티에는 매 공연이 끝날 때처럼 여전히 미소를 지으며 마지막 숨을 쉬었습니다.

2018 리조트 시리즈

루이비통

매년 패션 거장이 우리를 떠나는데, 올해 그 사람은 일본 디자이너 야마모토 칸사이이다. 그가 생애 동안 주류 패션에 마지막으로 등장한 것은 루이 비통의 2018년 리조트 컬렉션이었습니다. 브랜드는 일본의 깊은 산속에 위치한 미호 미술관에서 새로운 시리즈를 출시했습니다. 모델들은 꿈같은 건물들 사이를 오가며 디자인도 야마모토 간사이와 밀접한 관계가 있습니다.

야마모토 간사이(Kansai Yamamoto)는 세계 패션 역사상 유럽에서 캣워크를 펼친 최초의 동양 디자이너입니다. 그는 평생을 터무니없는 디자인과 풍부하고 다양한 일본 전통 요소를 서양 세계에 가져오는 데 바쳤습니다. 그는 광기로 유럽을 충격에 빠뜨렸고 글램록의 아버지 데이비드 보위의 가장 가까운 동반자가 되었다. 1970년대 그의 대담한 디자인은 현재 루이 비통의 크리에이티브 디렉터인 니콜라스 게스키에르(Nicolas Ghesquière)를 비롯한 많은 후손들에게 영감을 주었습니다.

이번 홀리데이 시리즈를 위해 브랜드는 야마모토 칸사이(Yamamoto Kansai)를 초대하여 디자이너가 가장 잘하는 가부키 테마를 함께 해석하기 위해 협력했습니다. 이 시리즈는 또한 이 동양 패션 선구자의 백조가 되었습니다. 시간이 흐르고 있지만 야마모토 간사이의 대담한 표현과 같은 사람은 점점 줄어들고 있습니다.

2019 봄 여름 하이엔드 레디 투 웨어 시리즈

구찌

2015년 초, 알레산드로 미켈레가 구찌의 크리에이티브 디렉터로 임명되었습니다. 이는 첫 시즌부터 브랜드에 대한 모든 사람들의 상상을 뒤엎었고, 그 이후로 매 시즌마다 점점 더 좋아졌습니다. 그는 복고풍, 기묘함, 예술, 감성을 패션에 접목시키며 매 쇼마다 전 세계의 주목을 받고 있다.

2019년 봄, 여름, 그는 구찌를 파리 9구 나이트클럽 르팔레스에 데려왔다. 원래 부지는 17세기에 지어졌으며, 전설적인 나이트클럽인 Studio 54가 뉴욕에서 디스코와 나이트라이프 열풍을 일으켰고, 1978년에 "밤의 왕자"로 알려진 Fabrice Emaer가 극장을 인수하게 되었습니다. 당시 파리에서 가장 유명한 나이트클럽으로 변모한 이곳은 스타, 연예인, 디자이너들이 매일 밤 이곳에서 놀며 새로운 친구를 사귀거나 창의적인 영감을 얻었습니다.

이 전설적인 파리 나이트클럽에서 Michele은 이탈리아 실험 연극의 선구자인 Leo de Berardinis와 Perla Peragallo 오프닝의 작품을 사용합니다. 가운데에는 영국 여성 가수이자 패션 아이콘인 제인 버킨(Jane Birkin)이 초청받아 프랑스어로 잔잔한 발라드를 불렀다. 마침내 모델들이 무대 위에 모였고, 무거운 막이 서서히 닫히며 아름다운 추억을 담은 패션쇼가 마무리됐다.

2020 가을 겨울 하이엔드 레디 투 웨어 시리즈

발렌시아가

과학기술의 발달로 소리와 빛의 활용 기술은 이와 같이 전체 패션쇼를 시각적으로 더욱 멋지게 만들 수 있습니다. 이 쇼는 2020년 초 발렌시아가 패션쇼에서 공개되었습니다. 넓은 실내 공간에는 천장에 색상을 바꿀 수 있는 광전 스크린이 있어 바다, 불꽃, 하늘, 빛, 도시의 이미지를 투사합니다. 바닥 측면에 있는 얇은 웅덩이 층이 공중에 있는 화면을 반사합니다. 하늘과 땅의 투영은 끝없는 공간과 같습니다. 모델이 나와서 이 웅덩이를 밟으며 하늘과 땅의 경계가 허물어졌다.

이 새로운 패션은 과장된 어깨 라인 디자인으로 인해 평론가들로부터 '악마의 어깨'로 불린다. 일부 모델들은 눈이 완전히 붉거나 검게 변해 마치 뱀파이어처럼 비인간적인 빛을 발산하고, 가까이서 보면 털이 뭉클한 느낌을 주기도 하며 현장의 분위기를 더욱 오싹하게 만들었다. .

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작가/Lu Di 편집자/William Yeh

디자인/Shengyu New Media 디자인/Dean